blog de Choc

-Une grande année pour Bruno Angelini, auteur de deux disques enthousiasmants. Enregistré en quartette avec Régis Huby aux violons, Claude Tchamitchian à la contrebasse et Edward Perraud à la batterie et aux percussions, “Instant Sharings” aurait très bien pu figurer dans ce palmarès. Je lui ai préféré “Leone Alone” dans lequel Bruno Angelini au piano, avec parfois de discrètes boucles de Fender pour accentuer l’aspect onirique de sa musique, revisite les musiques qu’Ennio Morricone composa pour “Giu La Testa” (“Il était une fois la révolution”) et “Il Buono, Il Brutto, Il Cattivo” (“Le bon, la brute et le truand”), deux films de Sergio Leone. Imaginées par un pianiste au toucher délicat et sensible, les improvisations minimalistes aux harmonies colorées de cet album relèvent de l’essentiel.

-Réduction pour piano d’une longue pièce pour orchestre symphonique, chœur et électronique, “Juneteenth” (contraction de June Nineteenth en souvenir du 19 juin 1865, jour de l’abolition de l’esclavage dans l’état du Texas), décrit la lutte des afro-américains pour l’obtention de leurs droits civiques. Pour en raconter l’histoire, Stanley Cowell adopte un jeu sobre, fait entendre un piano trempé dans des musiques authentiquement américaines. Le blues, le gospel y sont omniprésents. Le jazz y montre ses origines, déploie ses couleurs et sa modernité. Un écho lointain du célèbre We Shall Overcome introduit l’album. Une relecture spontanée et d’une durée réduite de la Juneteenth Suite le clôture. Considéré comme une œuvre essentielle du patrimoine musical américain par le New York Times, il est bien sûr indispensable.

-Conçu comme une suite, “Space Time Continuum” met en évidence les qualités d’arrangeur d’Aaron Diehl. Sa section rythmique – David Wong à la contrebasse et Quincy Davis à la batterie – se voit parfois complétée par de jeunes espoirs (le trompettiste Bruce Harris, la chanteuse Charenee Wade) mais aussi par des vétérans de l’histoire du jazz : les saxophonistes Benny Golson et Joe Temperley tous les deux nés en 1929. Laissant beaucoup ses musiciens s’exprimer, le pianiste intervient toujours à bon escient, relance et commente la musique. Il préfère les tempos vifs et ternaires, les notes économes trempées à même le swing. Son piano élégant chante et enchante dans un disque très réussi.

-Conseillé par Maxime Le Guil, son ingénieur du son Melody Gardot et ses musiciens ont enregistré ce disque dans les conditions du direct, à l’ancienne, avec de vieux magnétophones analogiques, de vieux micros et des amplis à lampes. Les musiciens jouent souvent avec un léger retard sur le temps, ce qui donne à la musique la coloration soul de Philadelphie, la ville natale de la chanteuse. Les plages groovy, bénéficient de choristes, d’un orgue (Larry Goldings), de cuivres arrangés par Jerry Hey. Des morceaux funky aux basses puissantes profitent de leurs riffs, chantent et pleurent le blues. Arrangés par Clément Ducol, les cordes apportent un aspect romantique aux ballades nombreuses de l’album, les rendent élégantes et rêveuses. Produit par Larry Klein, mélange heureux de jazz, de soul, de blues et de gospel, “Currency of Man” reste le meilleur album d’une chanteuse incontournable.

-Enregistré avec Thomas Morgan qui affirme à la contrebasse un ample jeu mélodique et le batteur portugais João Lobo, tous deux présents dans “City of Broken Dreams” son disque précédent, Giovanni Guidi découvert chez Enrico Rava nous livre un album fort convaincant. Préférant éviter les tempos rapides – abstrait et dissonant, The Debate est une exception –, le pianiste privilégie ici les pièces modales et lentes qui mettent en valeur son toucher. La dynamique, la résonance, la durée de chaque note lui importent beaucoup. Influencé par la musique romantique, il apprécie les arpèges, les cascades de trilles. Jouées avec finesse et sensibilité, ses mélodies évidentes interpellent. Les quelques standards qu’il reprend confirment son enracinement dans le jazz et la valeur de son piano.

-Les meilleurs moments de six concerts que Keith Jarrett donna en solo entre avril et juillet 2014. Des pièces enregistrées à Tokyo, Toronto, Paris et Rome que le pianiste a numérotées de I à IX et placées dans un ordre précis, partant de la première pour sélectionner les huit suivantes et constituer une suite. Adoptant un jeu plus sobre que d’habitude, Jarrett soigne l’architecture sonore de ses morceaux, fait sonner son piano comme le bourdon d’une cathédrale (Part VI et IX) et parvient à donner une réelle unité à ces pièces lentes, introspectives, drapées d’austérité, malgré une acoustique et un piano différent à chaque concert. Le 9 mai (Part V), il offre aux japonais de Tokyo une des grandes pages lyriques de cet album qui progressivement tend vers la lumière. À la noirceur de la première plage fait pendant la blancheur lumineuse de la dernière, majestueux crescendo de notes chatoyantes qui progressent et se hissent au delà des nuages pour retrouver le ciel. Le meilleur disque en solo de Keith Jarrett depuis “Radiance” (octobre 2002), également enregistré au Japon.

-Produit par Laurent De Wilde, enregistré dans les studios Vogue de Villetaneuse, “At Work” réunit six compositions originales et trois standards dont deux classiques du bop, Epistrophy de Thelonious Monk et Goodbye Porkpie Hat de Charles Mingus. Une nouvelle aventure pour Géraldine Laurent, musicienne au jeu d’alto énergique dont le (presque) nouveau quartette – Yoni Zelnik (contrebasse), Donald Kontomanou (batterie) et Paul Lay (piano) – fait déjà sensation. Musicien cultivé, ce dernier éblouit par sa capacité à imaginer et à enrichir la musique par des dissonances, des accords altérés, des clusters qui la rendent singulièrement vivante. Quant à Géraldine, le jazz qu’elle joue est bel et bien moderne, en phase avec son époque, même si sa musique prend racine dans les années 50 et 60, lorsque Charlie Parker, Johnny Hodges, Paul Desmond, Stan Getz et Sonny Rollins soufflaient encore dans leurs binious.

-Quinze après “Heartland”, disque qui réunissait David Linx, Paolo Fresu, Diederick Wissels, un quatuor à cordes et une section rythmique (Palle Danielsson et Jon Christensen), l’aventure continue avec un nouvel album encore plus fort. Christophe Wallemme (contrebasse) et Helge Andreas Norbakken (batterie) en constituent désormais la rythmique, les cordes, présentes dans cinq des treize plages de cet opus mémorable, se voyant confiées au Quartetto Alborada. Véritable florilège de mélodies qu’habillent les arrangements raffinés de Wissels et de Margaux Vranken (As One), “The Whistleblowers” (« Les donneurs d’alerte ») met du baume au cœur. David Linx a signé les paroles et la musique de ce morceau espiègle et sautillant. Il chante Le Tue Mani, une ballade, en italien. Les ballades, nombreuses, lui donne l’occasion de franchir les octaves. Paolo Fresu assure les obbligatos et prend des chorus aériens. Un must tout simplement.

-Deuxième disque de Nick Sanders, “You are a Creature” se révèle encore plus fascinant et étrange que “Nameless Neighbors”, l’un des treize Chocs 2013 de ce blog de Choc. Car ce pianiste ne joue pas du piano comme les autres et sa musique ne cherche pas à plaire. Possédant une culture harmonique très développée, Sanders a subi l’influence de Thelonious Monk et de Ran Blake dont il fut l’élève. Fred Hersch, qui fut aussi son professeur a produit ses deux albums. Abstraites et dissonantes, ses compositions n’en sont pas moins structurées, ses miniatures à tiroir, souvent des ritournelles, étant le fruit d’additions, de soustractions, de mises entre parenthèses, de notes fantômes et suggérées. Adoptant une liberté métrique qui libère son phrasé, sa main gauche souple et mobile, Henry Fraser (contrebasse) et Connor Baker (batterie), ses condisciples au New England Conservatory of Music de Boston, comblent les vides et remplissent les silences qui font partie de sa musique.

-Commandée à John Taylor pour le Cheltenham Jazz Festival et enregistrée par un quartette à l’instrumentation inhabituelle – piano, voix, tuba, batterie –, la musique de ce disque illustre une nouvelle de l’écrivain américain Kurt Vonnegut Jr. publiée en 1961. Confié à Oren Marshall, un tuba rythme la partition et s’offre plusieurs chorus mélodiques, mais loin d’évoquer les débuts du jazz et ses fanfares, la musique reste résolument contemporaine avec un piano qui privilégie l’harmonique, met en valeur les mélodies mélancoliques de John et les textes d’Alex, un des fils du pianiste qui se charge aussi des parties vocales de cet opéra de poche inclassable, un mélange de jazz et de folk-rock typiquement britannique. Un autre fils de John, Leo, assure la batterie, enveloppe les compositions de son père dans des rythmes binaires qu’il rend souples et légers.

-Après “Weltentraum” publié l’an dernier, Michael Wollny poursuit ses recherches esthétiques avec “Nachtfahrten” (“Trajets de nuits”), son nouvel opus, et nous surprend par un répertoire éclectique beaucoup plus sombre que celui de ses disques précédents. Enregistré avec le bassiste suisse Christian Weber et Eric Schaefer, son batteur habituel dont la puissante grosse caisse est souvent mise en avant, il rassemble des compositions originales parfois teintées de romantisme, des improvisations collectives mélancoliques, des musiques de Bernard Herrmann (“Psychose”) et d’Angelo Badalamenti (“Twin Peaks”), une ballade de Guillaume de Machaut et une composition de Chris Beier avec lequel Wollny étudia au conservatoire de Würzburg. Quatorze pièces brèves toutes chargées d’atmosphère, le pianiste affectionnant les morceaux en mineur, les tempos lents, les ambiances inquiétantes, la lumière se cachant derrière les ombres, le grand noir de la nuit que célèbre ici la musique.

-Nous sommes en 2005 et Gonzalo Rubalcaba et Charlie Haden se produisent au Blue Note de Tokyo. Le pianiste a canalisé sa fougue et les combinaisons d’accords, de couleurs, le préoccupent bien davantage que le rythme. La musicalité de “Tokyo Adagio”, un grand disque, en témoigne. Sa prise de son met en valeur la sonorité brillante d’un phrasé fluide qui détache toutes les notes de Solamente Una Vez, une célèbre chanson d’Agustín Lara. Le tempo est très lent. Depuis longtemps au répertoire du Liberation Music Orchestra, Sandino est tout aussi recueilli. Sollicitant le registre grave et médium de sa contrebasse, Haden cale son tempo infaillible sur les lignes de blues de When Will the Blues Leave d’Ornette Coleman et laisse son complice improviser. Il se réserve pour My Love and I, un thème de David Raksin, une de ses mélodies préférées, et semble mettre toute son âme dans les notes que font vibrer ses cordes.

-Dix-neuf concerts au sein desquels Brad Mehldau a extrait 32 morceaux en solo enregistrés sur dix ans. Un coffret de 4 CD(s) les contient, chacun d'eux possédant sa propre thématique. Brad isole souvent une séquence, le refrain ou le thème secondaire d’un morceau. Il peut en ré-harmoniser la mélodie ou longuement la développer, la conduire ailleurs. Dans une même plage cohabite ainsi tension et détente, les notes chantantes d’un thème pouvant se liquéfier en nappes sonores grondantes. “Dark / Light”, le premier disque fait alterner pièces sombres et moments de grâce. And I Love Her, une délicieuse mélodie des Beatles en est la pièce maîtresse. Le second reflète un concert type de Brad Mehldau en 2010-2011. Il emprunte alors ses thèmes à Nirvana, Massive Attack et Radiohead. L’amateur de jazz se rassurera avec le troisième qui comprend des compositions de Bobby Timmons, John Coltrane et Thelonious Monk. Éclectique, le pianiste ajoute aussi à son répertoire des mélodies du Pink Floyd (Hey You) des Beach Boys (God Only Knows) et de Léo Ferré (La Mémoire et la mer) Tous ces morceaux, Brad les développe et les transcende, se les approprie par son piano. Le miracle du jazz !