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9 novembre 2020 1 09 /11 /novembre /2020 10:29
Thelonious MONK : “Palo Alto” (Impulse ! / Universal)

1968, une année difficile pour l’Amérique. Le 4 avril, le pasteur Martin Luther King est assassiné à Memphis. Le 6 juin, sur le point d’être investi candidat à l’élection présidentielle par le parti démocrate, Robert Kennedy est abattu à Los Angeles. Des émeutes raciales éclatent cette année là dans plusieurs grandes villes du pays. De nombreuses manifestations contre la guerre du Vietnam s’y déroulent également, notamment à Chicago lors de la Convention nationale démocrate qui voit élire comme candidat le vice-président sortant Hubert Humphrey.

Pour Thelonious Monk, l’année n’est pas non plus très bonne. Le 15 avril sort “Underground” un album dont la pochette souhaitée par Columbia sa maison de disques fait sensation (il y apparait en résistant, mitraillette sur l’épaule) et qui contient quatre nouvelles compositions. Le pianiste l’a enregistré en trois séances (14 et 21 décembre 1967 et 14 février 1968) au cours desquelles le producteur Teo Macero fait peu de cas de sa musique. En mai, il est hospitalisé après une attaque et passe deux jours dans le coma. Rétabli, il enchaîne les concerts. Toronto et Pittsburgh l’accueillent en juin, Denver en juillet et Saint-Louis en août. Début septembre, Monk est en Californie. Son quartette – Charlie Rouse (saxophone ténor), Larry Gales (contrebasse) et Ben Riley (batterie) – donne un concert mémorable au San Diego Sport Arena devant 7000 personnes. Du 5 au 17 septembre, il se produit au Shelly’s Manne Hole de Los Angeles et en octobre est engagé pour deux semaines au Jazz Workshop de San Francisco.

C’est le moment que choisit Danny Scher, un lycéen de seize ans, pour proposer au pianiste de donner un concert dans son lycée de Palo Alto. Située au sud de la péninsule de San Francisco, la ville, a connu elle-aussi des émeutes. Séparée par une autoroute, la localité voisine de East Palo Alto abrite de nombreux afro-américains peu fortunés. Le chômage touche 12% de la population et les tensions raciales se sont exacerbées depuis l’assassinat du Dr. King. Réunissant les leaders du Black Panther Stokely Carmichael et Eldridge Cleaver, un important congrès du Black Power s’y est déroulé en septembre. Entre les deux communautés, les tensions restent vives.

 

Danny Scher tient pourtant à son projet. Il joue de la batterie dans un orchestre, et donne des conférences sur l’histoire du jazz. Ses relations avec des journalistes et des disc-jockeys dont il suit à la radio les émissions lui ont permis d’obtenir les téléphones de nombreux musiciens. Le pianiste Vince Guaraldi, le chanteur Jon Hendricks et le vibraphoniste Cal Tjader sont déjà venus jouer dans son lycée, les bénéfices engendrés servant à financer la construction d’écoles au Kenya et au Pérou. Monk est l’une de ses idoles, il a appris qu'il doit se produire dans un club de San Francisco et, pour le faire venir, contacte son manager Jules Colomby qui, moyennant 500 $, accepte le concert. Reste à en organiser la promotion. Palo Alto abrite aussi le campus de l’université de Stanford et Danny Scher espère bien en rameuter les étudiants. Malgré un avis défavorable de la police locale, il placarde également des affiches dans East Palo Alto, non sans un certain scepticisme de la part de ses habitants de couleur qui imaginent mal que le pianiste puisse jouer chez les Blancs.

Thelonious MONK : “Palo Alto” (Impulse ! / Universal)

Les billets se vendent difficilement malgré l’annonce de la présence de deux formations locales, le Jimmy Marks Afro-Ensemble et le quintette du vibraphoniste Salah Woodi Webb en partie constitué par des étudiants de Stanford. Membre du Roscoe Mitchell Quartet, son trompettiste, Fred Berry, est affilié à l’AACM (Association for the Advancement of Creative Musicians) coopérative de jeunes musiciens afro-américains dont l’ambition est la création d’une « Great Black Music » neuve et expérimentale. Quant au saxophoniste Kenny Washington, il codirige le syndicat des étudiants noirs de Stanford. Dans le doute, la communauté afro-américaine s’est toutefois déplacée ce dimanche 27 octobre. Bien avant le début du concert annoncé à 14h00, ils sont nombreux malgré la pluie à attendre le pianiste devant les portes de l’auditorium de la Palo Alto High School, à guetter son improbable venue. Ce n’est que lorsque Monk et ses musiciens sortent de leur van pour gagner la salle de classe transformée en loge qu’ils se presseront pour acheter leurs billets, les deux communautés se voyant réunies par la musique.

Ce concert, nous pouvons l’écouter aujourd’hui grâce au concierge du lycée qui, l’enregistrant sur un magnétophone à cassette, sut parfaitement capter le son des instruments. On y entend les musiciens s’accorder avant que Charlie Rouse au ténor ne développe Ruby My Dear. Monk le composa pour Rubie Richardson, sa petite amie de l’époque, et l’enregistra pour Blue Note en 1947 (“Genius of Modern Music Vol. One”). Bien calé sur le solide tempo médium que la contrebasse pneumatique de Larry Gales donne à la musique, Ben Riley s’autorise aux balais quelques fioritures rythmiques sur sa caisse claire et fait chanter les peaux de ses tambours. Les deux hommes assuraient la section rythmique de Johnny Griffin et d’Eddie « Lockjaw » Davis au Minton’s en 1960 et l’année suivante celle du pianiste Junior Mance avant de rejoindre Monk en 1964, en janvier pour Riley, en octobre pour Gales. Dans Well, You Needn’t, un autre thème des années 40 abordé sur un tempo plus musclé que d’habitude, ce dernier prend un élégant solo à l’archet, Ben Riley, batteur souvent discret, s’y révélant exubérant. Particulièrement inspiré Monk se lance dans un long et étonnant chorus qui en transcende la mélodie.

En solo, il se réserve Don’t Blame Me, co-écrit par Dorothy Fields et Jimmy McHugh, un thème qu’il joue en stride depuis 1963. Son album “Criss-Cross” en contient une version plus lente que celle acrobatique du présent concert, le pianiste très en forme multipliant dissonances et cascades de notes arpégées. Est-ce parce que Monk l’appréciait particulièrement que la version de Blue Monk qui vient après est si joyeuse ? Pour le label Prestige, il l’enregistra en trio en 1954 avec Percy Heath et Art Blakey peu de temps après l’avoir composée. Là encore le tempo est vif et régulier, une autoroute pour Charlie Rouse qui improvise six chorus, Monk qui lui succède obligeant parfois sa rythmique à accélérer. Rouse est son saxophoniste depuis 1958. Il  l’a connu dans les années 40 alors qu’il se produisait au Minton’s Playhouse de Harlem. Co-écrit avec le batteur Kenny Clarke, dont le drumming très moderne fonctionnait très bien avec les conceptions rythmiques monkiennes, Epistrophy date de cette époque. Le pianiste qui le jouait à la fin de ces concerts en donne ici une version plus longue et plus énergique que d’habitude. Brièvement exposée en solo, la mélodie de I Love You Sweetheart of All My Dreams, une chanson de 1928 que popularisa Rudy Vallee, conclut une prestation mémorable de 47 minutes aujourd’hui ressuscitée.

 

Crédits Photos : Thelonious Monk (photo pochette “Palo Alto”) © Larry Fink –  Thelonious Monk & Larry Gales © Lee Tanner – Thelonious Monk & Charlie Rouse © Veryl Oakland – Thelonious Monk (portrait) © Jim Marshall.

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3 novembre 2020 2 03 /11 /novembre /2020 10:07
Confinement, acte II

Le 13 octobre, le président de la République annonçait un couvre-feu applicable dès le 16 à minuit en Ile-de-France et dans huit métropoles particulièrement touchées par la covid 19. Dès le lendemain, contraints de fermer leurs portes à 21h00, les clubs de jazz aménageaient leurs horaires en conséquence et annulaient une partie de leurs concerts. Le Duc des Lombards optait pour une fermeture provisoire et après avoir organisé quelques concerts à 18h30, le Sunset-Sunside décidait de limiter sa programmation aux week-ends. Le 23 octobre à minuit le couvre-feu était élargi à trente-huit autres départements et le mercredi 28, le président de la République décrétait un confinement général à partir de minuit le lendemain pour une durée minimum d’un mois. Aurait-il pu faire autrement ? Pas sûr face à une épidémie galopante et des hôpitaux très bientôt surchargés. Je n’aurais vraiment pas aimé être à sa place, mais entre perdre des vies et des emplois, la seconde option s’imposait. Rien n’est plus précieux qu’une vie humaine et il devenait urgent d’en sauver.

 

Malheureusement, la culture se voit une nouvelle fois sacrifiée. On aurait certes pu laisser les librairies ouvertes, les disquaires indépendants travailler. Beaucoup ne s’en relèveront pas. Les clubs de jazz à nouveau fermés, ma rubrique “Quelques concerts qui interpellent” réactivée le mois dernier n’a donc plus de raison d’être. Quant aux disques qui devaient être commercialisés en novembre et en décembre, leur sortie sera probablement repoussée. Mes prochaines chroniques porteront donc sur des albums qui étaient disponibles à la vente jusqu’au 29 octobre, dernier jour de liberté avant le confinement. Ce jour-là, les magasins purent exceptionnellement mettre en rayon les disques qui devaient paraître le lendemain.

C’est ce que fit Gibert Joseph, qui dès le 29 proposait à ses clients le “Budapest Concert” de Keith Jarrett, un double CD ECM qui contient des moments inoubliables, les deux standards joués en rappel, It’s a Lonesome Old Town et Answer Me, My Love, justifiant à eux seuls son achat. Ces deux morceaux, Jarrett les interpréta quelques jours plus tard, le 16 juillet 2016, au Philharmonic Hall de Munich. Ce sont les enregistrements les plus récents de sa discographie. Le 21 octobre, le New York Times révélait que, victime de deux attaques cérébrales en février et mai 2018,  le pianiste, la partie gauche de son corps paralysée, ne pourrait plus jamais donner de concerts.  

Depuis qu’un anévrisme au cerveau faillit lui coûter la vie en 2015, Joni Mitchell n’est plus remontée sur scène. Il est également très improbable qu’elle enregistre à nouveau, mais elle nous révèle aujourd’hui une partie de ses archives, cinq CD(s) de démos, broadcasts radio et enregistrements live couvrant les années 1963-1967 qui témoignent de l'importance de la jeune folk singer qui a donné tant de standards au jazz (“Archives Vol.1 : The Early Years” - Rhino / Warner). D’autres volumes sont prévus. On ose espérer des faces inédites avec Jaco Pastorius, Herbie Hancock, Pat Metheny, Michael Brecker avec lesquels elle travailla dans les années 70.

 

En attendant, je me confine, des films, des disques et des livres ensoleillant mon lazaret. Dépassant le millier de pages, la récente publication en français de l’autobiographie de Ramón Gómez de la Serna, “Automoribundia” (Éditions Quai Voltaire), devrait m’y aider. Le confinement me laissera également le temps de poursuivre mon étude sur le jazz et le cinéma commencée le 11 mai dernier. En décembre, je vous révélerai mes Chocs de l’année avant de remettre mon blog en sommeil pour des fêtes qui s’annoncent bien compromises. Mais nous n’en sommes pas encore là.

 

P/S : J’écris ces lignes dans l’attente du résultat des élections américaines. Puissent les États-Désunis d’Amérique en finir avec le pire président de son histoire.

 

Crédits Photos : Confinement © Nicolas Tucat / AFP – Keith Jarrett © Daniela Yohannes / ECM Records – Joni Mitchell © Photo X/D.R.

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26 octobre 2020 1 26 /10 /octobre /2020 09:56
Sur quelques disques déjà parus (2)

Second volet consacré à des chroniques d’albums déjà disponibles que l’ouverture tardive de mon blog le 1er octobre a quelque peu retardées. “Masters in Paris” réunissant Martial Solal et Dave Liebman est paru au début de l’été et “Valentine” de Bill Frisell le 14 août. Le vendredi 18 septembre “More Morricone” du duo Ferruccio Spinetti / Giovanni Ceccarelli et “Lonely Shadows” de Dominik Wania étaient mis en vente. Une semaine plus tard, le 25 septembre, sortait “Mondenkind”, un album solo de Michael Wollny.  Tous ces enregistrements sont à écouter sans modération.    

Martial SOLAL / Dave LIEBMAN : “Masters in Paris ”

(Sunnyside / Socadisc)

J’aime beaucoup Martial Solal. Âgé de 93 ans, c’est un charmant vieux monsieur qui se déplace avec quelque difficulté, mais conserve intacte sa mémoire, son humour et son piano. Lorsqu’il pose ses doigts sur un clavier, on peine à croire qu’il puisse jouer toutes ces notes, jongler avec elles sur des rythmes changeants et surprenants qui font battre nos cœurs. Martial est un sorcier. On le sait depuis longtemps, mais les rares concerts qu’il donne sont encore de grands moments d’étonnement. Celui-ci date du 29 octobre 2016. Presque trois mois se sont donc écoulés depuis sa prestation bordelaise du 4 août publiée par Sunnyside sous le nom de “Masters in Bordeaux”. Né un 23 août, le pianiste a donc 89 ans lorsqu’il retrouve Dave Liebman sur la scène du studio 104 de Radio France. Ce dernier sait qu’il a intérêt à être au meilleure de sa forme, Martial en embuscade ne lui fera pas de cadeaux. Dave a vingt ans de moins que son illustre aîné qui l’oblige à se surpasser. Son soprano caresse les mélodies de Stella By Starlight, Satin Doll et Summertime avant d’en violenter les notes aigües, registre que le saxophoniste affectionne. Son ténor leur tord le cou avec rage et véhémence. Un festival de passe d’armes à fleurets mouchetés nous est donc donné à entendre, nos escrimeurs rivalisant d’adresse pour remettre à neuf, non sans les avoir désossés, sept standards archi-célèbres, et pour interpréter avec brio trois de leurs compositions.

Bill FRISELL : “Valentine” (Blue Note / Universal)

Enregistré en trois jours à Portland (Oregon) après deux ans de concerts et un engagement de deux semaines au Village Vanguard de New York, “Valentine” réunit pour la première fois autour du guitariste Bill Frisell, le bassiste Thomas Morgan et le batteur Rudy Royston. Avec Morgan, Frisell a enregistré deux albums pour ECM. Il apprécie cette contrebasse qui se projette souvent en amont de la musique comme si elle savait quelles notes sa guitare allait jouer. Rudy Royston qui passa comme lui sa jeunesse dans le Colorado ne fige jamais un tempo mais commente avec sensibilité une musique ouverte, jouée rubato et largement improvisée. Car Frisell n’est pas un jazzman comme les autres. Sa guitare aux notes économes dispose dans l’espace des sons aériens très travaillés. Le folk et la country music, mais aussi le blues et le rock nourrissent sa musique, onirique et profondément américaine. Nombreuses dans ce nouveau disque, ses compositions séduisent par la sonorité inimitable, les harmonies qu’il leur apporte. Le morceau Valentine est un clin d’œil à Thelonious Monk. Écrit pour un film de Bill Morrison, Levees baigne dans blues et une nouvelle et splendide version de Winter Always Turns to Spring interpelle. Des thèmes de Billy Strayhorn, Burt Bacharach, du chanteur malien Boubacar Traore, et un classique de la country music, Wagon Wheels, complètent cet album au répertoire éclectique. Une magnifique interprétation de We Shall Overcome le conclut en beauté.    

Ferruccio SPINETTI & Giovanni CECCARELLI : “More Morricone”

(Bonsaï Music / L’autre distribution)

Pour rendre hommage et célébrer les musiques d’Ennio Morricone qu’il admirait depuis ses jeunes années, Pierre Darmon, le producteur de cet album, eut l’idée de réunir en 2019, plusieurs mois avant la disparition du compositeur, deux musiciens italiens, Ferruccio Spinetti et Giovanni Ceccarelli. Tous deux sélectionnèrent le répertoire avec Massimo Cardinaletti, un ami de Morricone connaissant bien son œuvre, Pierre Darmon s’impliquant également dans ce choix. Outre de la contrebasse, Ferruccio Spinetti joue de basse électrique, de la guitare et du bouzouki. Giovanni Ceccarelli utilise de nombreux claviers acoustiques et électriques et la chanteuse belge Chrystel Wautier interprète trois morceaux, My Heart and I restant le plus émouvant. Si les deux hommes se partagent donc de nombreux instruments, quelques notes de piano suffisent à traduire la noirceur de Ricatto, à reconnaître Le clan des siciliens ou le magnifique Nuovo Cinéma Paradisio dont le Tema d’Amore, simplement joué par un piano et une contrebasse, est inoubliable. Comme le sont à jamais les thèmes choisis d’“Il était une fois la révolution” (I Figli Morti) et d’“Il était une fois en Amérique” (Poverty), mon film préféré de Sergio Leone car porté par l’une des plus belles musiques d’Ennio Morricone.

Dominik WANIA : “Lonely Shadows” (ECM / Universal)

En Pologne – il y est né en 1981 –, Dominik Wania a été l’un des pianistes du trompettiste Tomasz Stanko qui savait fort bien les choisir. Il travaille aujourd’hui avec le compositeur Zbigniew Preisner (“La double vie de Véronique”, “Trois couleurs”) et est membre du quartette du saxophoniste Maciej Obara qui a gravé deux disques pour ECM. La qualité de son piano sur ces enregistrements n’a pas échappé à Manfred Eicher qui lui a proposé d’en faire un en solo. Wania qui a étudié l’instrument à Cracovie puis à Boston possède une solide formation classique. Composés entre 1904 et 1906, les Miroirs de Maurice Ravel ont d’ailleurs été les principales sources d’inspiration de “Ravel”, son premier album. Dans Lonely Shadows, un morceau d’un grand raffinement qui ouvre ce premier opus en solo, il convoque les ombres des compositeurs du début du XXème siècle qu’il admire, Ravel mais aussi Erik Satie et Claude Debussy. La main gauche installe un doux balancement hypnotique, la droite de subtiles variations harmoniques. Car c’est un piano très maîtrisé que joue Dominik Wania dans ces onze pièces improvisées dans le silence de l’auditorium Stelio Molo de Lugano. Inspiré par la sonorité magnifique de son instrument, le pianiste fait surgir de ses doigts des musiques aux tempos et aux climats variés, certaines vives et aux notes cristallines (Liquid Fluid), d’autres recueillies et plus sombres (Towards the Light, AG76 dédié au peintre Zdzislaw Beksiński), toutes en profonde résonnance avec lui-même.

Sur quelques disques déjà parus (2)

Michael WOLLNY : “Mondenkind” (ACT / Pias)

Cet album en solo, son premier, Michael Wollny l’a enregistré en deux jours en avril dernier dans la solitude d’un vaste studio berlinois. En pleine période de confinement, le pianiste s’est souvenu de Michael Collins, l’un des trois astronautes d’Apollo 11 qui, resté seul dans la navette spatiale Columbia, perdait tout contact avec la terre à chaque passage orbital autour de la lune pendant 46 minutes et 38 secondes, la durée exacte de ce disque. Après une courte introduction, “Mondenkind” (Enfant de la lune) s’ouvre sur Father Lucifer, un morceau au thème séduisant de la chanteuse Tori Amos sur lequel le pianiste brode de délicates variations. Car ses propres musiques, Michael Wollny les réunit ici à des compositions empruntées à des musiciens qu’il admire. Des pièces du répertoire classique, Schliesse mir die Augen beide d’Alban Berg, le deuxième mouvement de la septième sonatine de Rudolf Hindemith (1900-1974), le jeune frère de Paul Hindemith, côtoient ainsi des compositions du groupe de folk rock canadien Timber Timbre et du chanteur Sufjan Stevens. Reprenant Mercury, une des plages du “Planetarium” de Stevens, le pianiste offre un grand raffinement harmonique à une mélodie lumineuse. Tirant une grande dynamique de son instrument, Wollny mêle ici des pièces lentes et expressives souvent en mode mineur, à des morceaux plus sombres, de courtes pièces abstraites. De ses notes surgissent des paysages, des atmosphères rêveuses, des moments inquiétants. En pleine possession de ses moyens, un musicien inventif donne vie à un opus majeur de sa discographie.

 

Crédits Photos :  Martial Solal & Dave Liebman © Jean-Baptiste Millot – Michael Wollny © Jörg Steinmetz / ACT.  

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16 octobre 2020 5 16 /10 /octobre /2020 10:21
Jazz : sur quelques films et leurs musiques (5ème partie)

Comme promis, voici donc la suite de  “Sur quelques films et leurs musiques”, que le confinement m’a laissé le loisir d’écrire mais que je peine à terminer, l’actualité galopante du jazz en retardant la publication. La mise en sommeil de mon blog jusqu’au 1er octobre, m’a permis de consacrer de nombreux jours de septembre à avancer dans sa rédaction, à revoir des films parfois difficiles à trouver, à rassembler une iconographie afin de rendre cette étude plus attrayante. Sa longueur m’oblige à la diviser en deux. Déjà prête, la sixième partie sera en ligne dans quelques jours.

Le cinéma expérimental de Shirley Clarke

Premier long métrage (1960)de Shirley Clarke*, jeune cinéaste blanche proche de John Cassavetes, “The Connection” montre des junkies prisonniers de leur addiction, la drogue associée à la déchéance de l’homme étant présentée sous son aspect le plus sombre. Bien qu’ayant son importance, l’héroïne qu’attendent tous impatiemment les comédiens et musiciens-acteurs de son film n’en est pas le seul sujet. L’aliénation de la communauté afro-américaine, ses problèmes quotidiens et le jazz qui donne à cette dernière son identité artistique y tiennent aussi une place importante.

 

Dans un appartement reconstitué en studio, un documentariste et son cameraman filment des personnages en attente de leur piqûre espérée. Marmaduke de Charlie Parker écouté sur l’électrophone portable qu’apporte sans mot dire un homme mystérieux et la musique du pianiste Freddie Redd, calme leur impatience, mais aussi l’ennui qui les gagne. Car si “The Connection” séduit par l’esthétique très soignée des images d’Arthur Ornitz, son directeur de la photo, et par ses effets de mise en scène plutôt réalistes – personnages heurtant la caméra, synchronisation image/son brusquement défaillante –, le film nous faisant voir le tournage d’un documentaire, c’est bien la musique qui rythme le film, lui donne son mouvement, son tempo. Elle n’accompagne pas l’action mais y participe, produit de l’émotion. “The Connection” se regarde et s’écoute.

 

Écrit par Jack Gelber et sous-titré “A Play with Jazz”, “The Connection” a d’abord été une pièce de théâtre créée à New-York par le Living Theater en 1957. Proche du bop de Charlie Parker, la musique y était largement improvisée avant que Freddie Redd, le pianiste de la pièce, ne parvienne à convaincre Gelber de la structurer par une partition originale collant mieux à l’action. C’est cette dernière composée par Redd et qu’il interprète en quartette avec Jackie McLean à l’alto, Michael Mattos à la contrebasse et Larry Ritchie à la batterie que l’on entend dans le film. Les morceaux enregistrés en studio pour Blue Note par Rudy Van Gelder le 15 février 1960, en sont des versions sensiblement différentes**. Si le jeu de Freddie Redd reste très marqué par Bud Powell, celui très libre de Jackie McLean annonce une autre modernité. Le saxophoniste expérimente déjà une musique aux harmonies ouvertes tout en conservant son phrasé de bopper, sa sonorité aiguë, plaintive et mordante, son falsetto léger.

Jazz : sur quelques films et leurs musiques (5ème partie)

*Fille d’un riche industriel juif new-yorkais, Shirley Clarke se passionne très jeune pour la danse. À 14 ans, elle entre dans la troupe de Martha Graham. Un danseur, Daniel Nagrin, est la vedette de son premier court-métrage, “Dance in the Sun” qu’elle réalise en 1953. Six autres seront tournés avant “The Connection” dont le financement sera assuré par un crowdfunding. Le film nécessita dix-neuf jours de tournage, trois mois de montage lui donnant sa fluidité chorégraphique. Le jazz est très présent dans plusieurs films de la cinéaste. Son dernier, “Ornette : Made in America” (1986), est d’ailleurs consacré au saxophoniste Ornette Coleman.   

 

**The Music from The Connection” a également été enregistré quelques mois plus tard, le 13 juin 1960 (Felsted Records), par le trompettiste Howard McGhee avec Tina Brooks (saxophone ténor), Milt Hinton (contrebasse) et Osie Johnson (batterie).

-Aldo Romano qui avait participé en tant que musicien acteur à la version française de la pièce (en 1968 au théâtre des Arts, puis en 1969 au Vieux Colombier) nous en donna en 2012 une nouvelle version sur Dreyfus Jazz (Aldo Romano’New Blood “Plays The Connection”) avec Baptiste Herbin (saxophone alto), Alessandro Lanzoni (piano) et Michel Benita (contrebasse).

 

-L’album édité sur Charlie Parker Records sous le titre “The Connection” ne fait pas entendre la même musique. Kenny Drew et le saxophoniste baryton Cecil Payne sont les auteurs de cette nouvelle partition destinée à la pièce. Ce dernier l’enregistra en mars 1962 avec Clark Terry (trompette), Bennie Green (trombone), Duke Jordan (piano), Ron Carter (contrebasse) et Charlie Persip (batterie).

 

“The Connection” (Bande-annonce) : www.youtube.com/watch?v=frOgv6UNGiA

Jazz : sur quelques films et leurs musiques (5ème partie)

Tiré d’un roman de Warren Miller que Robert Rossen adapta avec lui au théâtre et tourné dans les rues de Harlem avec une caméra soumise aux déplacements des acteurs qui improvisent de nombreuses scènes, “The Cool World” est centré sur la personne de Duke, un adolescent au cœur tendre, un jeune dealer qui joue au dur. Duke cherche à se procurer le flingue qui lui permettra de devenir le roi de la rue, le chef des Pythons, le gang de jeunes délinquants auquel il appartient. Il a le béguin pour Luanne, une jeune prostituée qui rêve de San Francisco et ignore que l’océan est au bout du métro, à Coney Island. Très réaliste, le film est aussi un documentaire sur les habitants de Harlem. Il ne cache rien de la violence qui règne dans ce quartier pauvre de New-York, de la pègre qui y sévit, de la drogue qui y circule, de « ce monde Noir et sale que les Blancs traitent comme de la merde. »

 

The Cool World” qui fut distribué en France sous le nom d’“Harlem Story” bénéficie d’un montage nerveux qui le rend très attrayant. Shirley Clarke l’assura elle-même, mettant beaucoup de rythme dans les images souvent nocturnes de Baird Bryant, son chef opérateur, la bagarre finale entre les Pythons et les Loups étant chorégraphiée comme un ballet. Clarke confia la musique à Mal Waldron qui n’avait encore jamais travaillé sur un film, et l’associa étroitement au montage afin de renforcer l’impact émotionnel des images. Mal enregistra dans un premier temps ses compositions au piano avant de les faire jouer par une formation comprenant Dizzy Gillespie (trompette), Yusef Lateef (saxophones, flûte), Aaron Bell (contrebasse) et Art Taylor (batterie). « La partition a été faite en relation permanente avec chaque image, ça nous a pris plusieurs mois. Lors de l’enregistrement, nous avons projeté le film, et les musiciens ont énormément contribué au résultat*. »

 

Dirigé par le saxophoniste Hal Singer, un « Rock & Roll Group » contribue aussi à la musique. Celle que Dizzy Gillespie enregistra en avril 1964 à New York, n’est pas la véritable bande originale du film. Une formation différente entoure le trompettiste qui reprend les thèmes de Mal Waldron, ce dernier se voyant remplacer par Kenny Barron au piano. James Moody (saxophone ténor et flûte), Chris White (contrebasse) et Rudy Collins (batterie) sont les autres musiciens. “The Cool World” (Philips) est une des grandes réussites de Dizzy Gillespie. Sa musique est toutefois loin d’être aussi crépusculaire que celle du film, son aspect dramatique y étant considérablement réduit.

 

*Entretien avec Shirley Clarke par Daniel Soutif et Graciela Rava dans Jazz Magazine n°300, septembre 1981. Cité par Gilles Mouëllic dans “Jazz et Cinéma” (Collection Essais – Cahier du Cinéma).

 

“The Cool World” (extrait) : www.youtube.com/watch?v=ZwXz9oDt7Ew 

Jazz : sur quelques films et leurs musiques (5ème partie)

Sauvé de l’oubli grâce à sa musique

On retrouve Mal Waldron au générique de “Sweet Love, Bitter”, un film d’Herbert Danska*, obscur cinéaste qui lui demanda d’en composer la musique. Longtemps invisible, il a été restauré et remis sur le marché il y a une vingtaine d’années par Bruce Ricker (Rhapsody Film) sous le patronage de Clint Eastwood. Tiré d’un roman de John Alfred Williams (“Night Song”) et librement inspiré de la vie de Charlie Parker, “Sweet Love, Bitter” (1967), est l’histoire d’une amitié. Un saxophoniste de jazz, Richie «Eagle» Stokes interprété par l’acteur Dick Gregory, croise sur sa route l’un de ses admirateurs, David, joué par Don Murray. Professeur de collège, ce dernier est à la ramasse depuis qu’il a perdu son épouse dans un accident de voiture. Si l’amitié entre un Blanc et un Noir n’est pas toujours bien vue dans l’Amérique raciste des années soixante, une liaison entre un Noir et une Blanche est encore moins acceptée. Della (Diane Varsi) qui sort avec Keel (Robert Hooks), un ami de Stokes, en sait quelque chose. « On nous dévisage, on nous scrute de la tête aux pieds. Qui peut nous dire quand disparaîtra la haine ? » confie-t-elle à David. Stokes ne sait faire qu’une chose : jouer du saxophone. Musicien célèbre, sa musique ne lui rapporte rien ; junky, une overdose l’emportera. David retrouvera son travail. Le monde misérable des jazzmen afro-américains dans lequel vit Strokes n’est pas le sien. « C’est votre monde, et vous ne me laisserez pas y entrer » déclare-t-il à David qui n’intervient pas lorsqu’un flic Blanc lui frappe la tête avec sa matraque, référence probable à Bud Powell, victime de cette même violence policière en 1945.

 

Bénéficiant de bons acteurs – Dick Gregory, Don Murray et Robert Hooks sont même excellents – “Sweet Love, Bitter” n’est pas sans défauts. Un manque de rythme, des scènes trop longues et pas toujours bien éclairées l’affaiblissent. Sa musique, excellente, est mal utilisée, pas toujours bien mixée avec l’image. Jouées par Charles McPherson, les rares parties de saxophone que Stokes interprète se rajoutent à la bande-son, mais sont absentes de l’album Impulse qui en contient la B.O.

 

Herbert Danska en passa commande à Mal Waldron sur les conseils du critique Nat Hentoff. Le pianiste l’enregistra à Englewood Cliffs (New Jersey) le 23 mars 1967 avec Dave Burns (trompette), George Coleman et Charles Davis (saxophones), George Duvivier et Richard Davis (contrebasse) et Alfred Dreares (batterie). Le piano est mis en avant dans Della’s Dream et Candy’s Ride, mais le plus souvent les chorus sont confiés aux souffleurs. Si la vision des rushes a influencé l’écriture de la musique et déterminé certains tempos, les longues plages ont été préférées aux courtes séquences musicales. Elles permettent aux solistes de pleinement s’exprimer, le disque s’écoutant non comme une B.O. mais comme un vrai disque de jazz.

 

*Né en 1926, Herbert Danska semble avoir réalisé trois films : “The Gift” en 1962, “Sweet Love, Bitter” en 1967, et Right On ! un documentaire sur les Last Poets en 1970.

 

“Sweet Love, Bitter” (extrait) : http://www.youtube.com/watch?v=m-WDNLHTFMU

Jazz : sur quelques films et leurs musiques (5ème partie)

Un intermède parisien : “Paris Blues”

 

Dans “Paris Blues” de Martin Ritt, deux jazzmen américains expatriés à Paris, (Paul Newman et Sidney Poitier) rencontrent deux compatriotes en vacances dans la capitale (Joanne Woodward et Diahann Carroll) et en tombent amoureux. Les idylles respectives des deux couples – l’un est Blanc et l’autre Noir bien que l’intention première du réalisateur était de les mélanger  – est l’occasion d’une visite touristique de la ville lumière. Notre-Dame, les Champs-Élysées, le Belvédère des Buttes-Chaumont, Montmartre et son Sacré Cœur, les Halles au petit matin, presque rien n’a été oublié. Pas même les clubs de jazz de Saint-Germain-des-Prés qui n'ont pourtant pas le même attrait auprès du public que lors de l'après-guerre, des caves reconstituées par le décorateur Alexandre Trauner aux studios de Boulogne .

 

Dans l’une d’entre-elles est donnée une jam session à laquelle participe Louis Armstrong en personne. Serge Reggiani grimé interprète un ridicule guitariste gitan en manque de drogue et quelques vrais jazzmen, Aaron Bridgers, Guy Pedersen, Michel Portal et Moustache apparaissent à l’écran. Malgré de bons acteurs, des images en noir et blanc de cartes postales, et des bons sentiments – le racisme y est évoqué avec prudence –, “Paris Blues” qui repose sur un scénario déficient n’est pas un grand film.

 

Son principal intérêt est la musique de Duke Ellington, bien qu’à l’époque où le film a été tourné (1961) le jazz que l’on écoute est surtout du be-bop. Enregistrée à New York, au Reeves Sound Studios, les 2 et 3 mai 1961 et publiée à l’origine sur United Artists, sa bande originale reprend quelques anciens thèmes de l’orchestre (Take The ‘A’ Train de Billy Strayhorn, l’ouverture du film) et des compositions nouvelles dont le générique Paris Blues. Louis Armstrong interprète deux morceaux, Battle Royal* et Wild Man Moore. Le disque a été réédité par Rykodisc en 1996.

 

*La version de Battle Royal que l’on entend dans le film a été enregistrée à Paris en décembre 1960. Outre Armstrong, Billy Byers (trombone), Guy Lafitte (saxophone ténor) et Jimmy Gourley (guitare) en sont les solistes.

 

“Paris Blues” (Bande-annonce) : www.youtube.com/watch?v=59LQvDqS1to

 

À suivre...

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9 octobre 2020 5 09 /10 /octobre /2020 09:31
Sur quelques disques déjà parus (1)

Retardé de plusieurs mois par un virus tenace qui continue d’inquiéter, “Skin in the Game” de David Linx est dans les bacs des disquaires depuis le 18 septembre. J’en publie la chronique à l’occasion du concert que le chanteur donne en octobre au New Morning. Ce même 18 septembre paraissait “Faune”, un opus très remarqué du batteur Raphaël Pannier. Le 19 juin sortait “Les heures propices” de Franck Tortiller et Misja Fitzgerald-Michel. Enfin le 28 août étaient mis en vente “1291” du trio Humair / Blaser / Känzig et le “No Solo” d’Andy Emler. Ma chronique élogieuse de ce dernier peut vous surprendre, mais contre toute attente, il est inoubliable.

Andy EMLER : “No Solo” (La Buissonne / Pias)

Tout en la respectant, je ne suis guère sensible à la musique d’Andy Emler. Ses arrangements millimétrés pour son MegaOctet me laissent froid malgré les excellents musiciens qui l’entourent. Je n’en crois pas mes oreilles en découvrant ce “No Solo”, voyage musical au sein duquel les compositions du pianiste bien qu’écrites sur mesure pour ses invités, s’ouvrent à l’imprévu et irradient un feeling inhabituel. Ces pièces aménagées comme une suite, Andy Emler les a enregistrées en solo avant de les confier aux musiciens pour lesquelles elles ont été pensées, chacun d’eux rajoutant en re-recording dans un autre studio sa propre partie instrumentale ou vocale. “No Solo”, pas vraiment car les deux premières pièces de l’album, Andy Emler les réserve à son seul piano avant que l’instrument ne donne le jour à des duos et à des trios, à une musique qui s’éveillant à la lumière, devient quasi orchestrale. Les harmonies lumineuses de The Warm Up évoquent les envolées lyriques de “Selling England By The Pound”, l’un des grands disques de Genesis. Une flûte admirable, celle de la syrienne Naïssim Jalal plonge For Nobody dans un bain de douceur. Les voix de l’iranienne Aïda Nosrat, de la malienne Aminata « Nakou » Dramé  que la kora de Ballaké Sissoko accompagne, de Thomas de Pourquery chantant comme Robert Wyatt humanisent une musique sensible et colorée qui devient pure magie lorsque Géraldine Laurent y insuffle son âme, longues et miraculeuses notes de saxophone alto portées par un ostinato de piano envoûtant.

HUMAIR / BLASER / KÄNZIG : “1291” (OutNote / Outhere Music)

Premier disque qu’enregistrent ensemble Daniel Humair (batterie), Samuel Blaser (trombone) et Heiri Känzig (contrebasse), “1291” fait entendre une musique ouverte et inventive jouée sans filet par un trio interactif à l’instrumentation inhabituelle. Samuel Blaser nous est connu pour son éclectisme musical, son jeu énergique. Entre ses mains, l’instrument fait entendre une voix nouvelle, des sonorités inouïes. Le tromboniste tord souvent le cou à ses notes, les fait grogner et crier. Mais c’est aussi un grand mélodiste qui n’hésite pas à actualiser le blues et à dépoussiérer des œuvres de Claudio Monteverdi ou de Guillaume de Machaut comme en témoigne sa discographie. Daniel Humair aime lui aussi les défis, les combinaisons sonores improbables qu’il nourrit d’un drumming très libre. Associée à la contrebasse ronde et puissante d’Heiri Känzig qui pratique aussi un jeu mélodique, sa batterie colore la musique et porte haut le langage expressif du trombone, l’absence d’un piano ou d’une guitare offrant une grande liberté harmonique au trio. Le titre de l’album, fait référence à la Suisse, leur terre natale, fondée en 1291 par un pacte fédéral unissant les cantons d’Uri, de Schwytz et de Nidwald. Outre des compositions originales, le répertoire comprend des pièces d’Edward Kid Ory et de Sidney Bechet (Les Oignons) le grégorien d’un saint neuchâtelois, un cantique et un chant traditionnel suisses (Guggisberglied). Trois jazzmen d’exception nous en livrent des versions modernes et inattendues qu’il faut absolument écouter.  

David LINX : “Skin in the Game” (Cristal / Sony Music)

Ses musiciens  – Gregory Privat (piano), Chris Jennings (contrebasse) et  Arnaud Dolmen (batterie) –, le chanteur les a rencontrés le 14 février 2018, jour de la Saint Valentin, sur la scène de l’Auditorium de Radio France. De ce coup de foudre musical résulte cet opus, l’un des meilleurs enregistrements de David Linx qui, idéalement accompagné, se livre et donne le meilleur de lui-même. Plusieurs morceaux particulièrement réussis, rendent hommage à des femmes qui comptent ou ont compté dans sa vie. Prophet Birds est dédié à la romancière Toni Morrison, Azadi à Aisha Karefa-Smart, la nièce de l'écrivain James Baldwin que David évoque dans la pièce qui donne son nom à l'album, et On the Other Side of Time à l’épouse de Claude Nougaro. Sa voix expressive impressionne par sa justesse, l’émotion qu’elle dégage, les sentiments qu’elle exprime. Invitée sur plusieurs plages, la guitare de Manu Codjia colore très subtilement l’espace sonore. Auteur de ses textes, David s’implique (« Skin in the Game » signifie s’impliquer, se positionner), chante haut et fort la beauté du monde et ses musiques splendidement orchestrées nous la fait approcher.    

Raphaël PANNIER : “Faune” (French Paradox / L’autre distribution)

Agencé comme une seule et grande pièce dont chaque morceau est l’un des éléments, “Faune”, enregistré à New York sous la direction artistique du saxophoniste Miguel Zenón, est le premier disque que le batteur Raphaël Pannier publie sous son nom. Il rassemble des compositions originales habiles et séduisantes (l’étonnant Lullaby porté par l’alto de Zenón), des thèmes écrits par des jazzmen (Lonely Woman d’Ornette Coleman, ESP de Wayne Shorter) mais aussi Forlane de Maurice Ravel et Le Baiser de l’Enfant-Jésus d’Olivier Messiaen qui bénéficient d’arrangements très séduisants et du piano de Giorgi Mikase (présent également dans Monkey Puzzle Tree), Aaron Golberg le jouant dans les autres morceaux. Réduite à un saxophone alto, un piano, une contrebasse et une batterie, l’instrumentation parvient à donner une grande richesse de timbres à ce jazz moderne rythmiquement complexe que soutient avec brio la contrebasse attentive de François Moutin. Une seule réserve, la batterie trop présente laisse peu respirer la musique. Pourquoi constamment saturer l’espace sonore de coups de cymbales, de roulements intempestifs ? Colorer la musique, oui, mais un drive plus discret aurait sûrement mieux convenu à celle, superbe, qu’il a si finement arrangée.

Sur quelques disques déjà parus (1)

Franck TORTILLER / Misja FITZGERALD-MICHEL :

“Les heures propices” (Label MCO / Socadisc)

Depuis qu’il avait entendu Misja Fitzgerald-Michel interpréter en concert son disque autour de la musique de Nick Drake, “Time of no Replay”, Franck Tortiller souhaitait jouer avec lui. Après avoir tester en quartette la musique d’un album, ils choisirent de l’enregistrer en duo et sans aucune amplification, l’absence d’une section rythmique pour les accompagner leur permettant de retrouver le son naturel de leurs instruments, un son acoustique qui convient parfaitement aux mélodies qu’ils interprètent, un son chaud qu’ont capté avec précision les vieux micros à ruban de l’ingénieur du son Ludovic Lanen. Des compositions originales séduisantes de Franck Tortiller, mais aussi Air, Love and Vitamins écrit par le guitariste autrichien Harry Pepl, aujourd’hui un standard, et une délicieuse version de Redemption Song que Bob Marley enregistra en 1980 en constituent le programme. Utilisant deux guitares (6 et 12 cordes), Misja fait entendre les belles sonorités de ses instruments, son jeu folk et mélodique répondant aux notes cristallines du vibraphone de Franck. Se répartissant avec bonheur des chorus fluides et inspirés, les deux hommes donnent vie à une musique heureuse, reflétant la joie qu’ils éprouvent à la jouer.

Crédits Photos : Andy Emler © Christophe Charpenel – Misja Fitzgerald-Michel & Franck Tortiller © Jean-Baptiste Millot.

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1 octobre 2020 4 01 /10 /octobre /2020 09:15
Hal Singer, je me souviens…

Octobre. Triste rentrée avec le décès d’Hal Singer, parti paisiblement dans sa maison de Chatou le 18 août. Hal aurait eu 101 ans le 8 octobre. Sa très longue vie l’avait amené à jouer du saxophone dans les orchestres de Jay McShann, Willie The Lion Smith, Roy Eldridge, Don Byas, Lucky Millinder, Duke Ellington – pour citer les plus connus – et à accompagner Ray Charles, Dinah Washington, Big Joe Turner et Wilson Pickett. À Paris en 1965, il rencontra Arlette, son épouse et mère de ses deux filles. C’est par son intermédiaire que je fis sa connaissance à la fin des années 80 dans les bureaux de Jazz Hot, passage de la Boule Blanche. Une visite qu'ils rendaient à Philippe Adler alors rédacteur en chef du journal. La simplicité, la gentillesse d'Hal Singer m’avaient beaucoup touché. Arlette s’occupait de ses affaires et en janvier 1992, je la retrouvai dans mon bureau de la FNAC Music, rue du Cherche-Midi.

 

Deux ans plus tôt à Moscou, Hal avait tenu l’un des rôles principaux de “Taxi Blues”, un film de Pavel Lounguine que le festival de Cannes avait récompensé en 1990 en lui attribuant le Prix de la Mise en Scène, et il souhaitait enregistrer un nouveau disque à New York. J’obtins l’accord de la FNAC pour le sortir sur leur label, mais, trop occupé pour m’y rendre moi-même, je confiai à François Lacharme le soin de superviser la séance et de le produire pour Asi’s House, la société de production d’Arlette. Entouré d’excellents musiciens – Steve Turre (trombone), Richard Wyands (piano), Lisle Atkinson (contrebasse) et Earl Williams (batterie) –, “No Rush” est le dernier grand album d’Hal Singer. Je ne suis pas peu fier d’en avoir été le producteur exécutif et d’en avoir permis la sortie. Hal m’avait alors très gentiment dédicacé ses mémoires co-écrites avec son épouse.  

 

Resté en relation avec Arlette, j’eus le bonheur d’assister le 5 octobre 2014 au dernier concert public qu’il donna à Paris dans la salle de concert des Ateliers du Chaudron. Accompagné par ses amis Steve Potts, Alain Jean-Marie, Darryl Hall et Sangoma Everett, Hal fêtait alors avec quelques jours d’avance son 95ème anniversaire. Je lui rendis visite avec Bénédicte l’année suivante. Cet homme délicieux avait alors perdu la vue, mais il vivait heureux avec ses souvenirs dans cette maison de Chatou qu’il occupait avec Arlette depuis 2002. Cet édito lui est dédié.

 

Tristesse également avec la disparition de Gary Peacock le 4 septembre. Né à Burley (Idaho) en 1935, bassiste de Paul Bley et plus occasionnellement de Bill Evans (“Trio ‘64”), il voyagea beaucoup, faisant le tour du monde au sein du trio de Keith Jarrett. Il vécut quelques années au Japon, curieux de sa culture, de sa langue, apprenant à la parler couramment. La belle plume de Francis Marmande lui a consacré un article détaillé dans Le Monde*, mais c’est Marc Copland, le pianiste de ses derniers albums, qui lui rend dans le magazine en ligne Citizen Jazz** l’hommage le plus émouvant. Marc connaissait depuis 1983 le contrebassiste qui « heureux quand la musique était bonne » nous transmettait sa joie.

 

C’est la rentrée, une rentrée masquée. Ce n’est pas sans crainte que l’on fréquente les lieux publics, que l'on retourne au concert. Les jazzmen américains pouvant difficilement arriver jusqu'à nous, les clubs de jazz ouvrent plus largement leur programmation aux musiciens français. Comme chaque année, ceux de Paris Ile-de-France font leur festival. L’édition 2020 de Jazz sur Seine rassemble 20 clubs et propose 150 concerts. Ma rubrique « Quelques concerts qui interpellent » qui redémarre ce-mois-ci est partiellement consacrée aux plus intéressants. Jazz en Tête est l’autre festival d’octobre à ne pas manquer. Célèbre pour ne programmer que du jazz qui ressemble à du jazz, le festival clermontois fête cette année ses 33 ans d’existence et s’ouvre au « jazz monde », au flamenco, aux rythmes et aux couleurs de Cuba, du Brésil et d’Afrique. 

  

*Le Monde du vendredi 11 septembre. Passant sa carrière et sa discographie en revue, Francis Marmande ne parle pas de Tethered Moon, trio réunissant autour de Gary Peacock le pianiste Masabumi Kikuchi et le batteur Paul Motian. Sept albums enregistrés entre 1990 et 2002, ce n’est pas rien !

 

**Un article traduit du London Jazz News. “Gary Peacock, le curieux”, Citizen Jazz, édition du 13 septembre 2020. www.citizenjazz.com/Gary-Peacock-le-curieux.html?utm

 

QUELQUES CONCERTS ET QUELQUES DISQUES QUI INTERPELLENT

 

Reprise de cette rubrique interrompue le 17 mars par le confinement général. Nombreux sont les disques qui devaient paraître au printemps et qui sortent aujourd’hui, d’où le grand nombre de « concert de sortie d’album » que proposent les clubs ce mois-ci. Si vous ne craignez pas un virus toujours actif et dangereux, sous réserve d'annulations (de nouvelles mesures restrictives imposent la fermeture des bars à 22h00 à partir du lundi 28 septembre et pour quinze jours), n’hésitez pas à vous y rendre avec vos masques, aussi indispensables aujourd’hui que vos clefs et votre portefeuille.

Entré en vigueur le vendredi 16 octobre à minuit, le couvre-feu a contraint certains clubs à modifier leurs horaires, le Duc des Lombards annonçant sa fermeture pour six semaines. J’ai tenu compte de ces changements, mettant à jour les concerts annoncés dans ce blog. Je vous conseille toutefois de vérifier ces informations sur les sites internet des clubs avant de vous y rendre. On n’est jamais assez prudent.

-Sébastien Lovato au Sunside le 2 octobre (20h30). On l’y attendait six mois plus tôt le 2 avril pour fêter la sortie de “For Virginia” (Acel / Quart de Lune / UVM), un hommage à Virginia Woolf. Avec retard, son disque est enfin disponible ce qui ne vous dispense pas d’en écouter la musique sur scène. Après deux albums en quartet, le pianiste étoffe sa formation et change de section rythmique. Brunehilde Yvrande (slam et chant), Antoine Berjeaut (trompette, bugle), Manu Codjia (guitare), Yves Torchinsky (contrebasse), Luc Isenmann (batterie) accompagnent ses claviers (piano et fender rhodes) et donnent des couleurs à des compositions originales très séduisantes. La Pavane de Gabriel Fauré arrangée pour piano, contrebasse et batterie et une version très Nouvelle-Orléans d’Amazing Grace en sont les seules reprises.

-L’Espace Sorano de Vincennes inaugure sa nouvelle saison musicale le 3 avec Laurent Coulondre. En trio avec Linley Marthe à la basse et André Ceccarelli à la batterie, le pianiste jouera le répertoire de son album “Michel on My Mind”, Prix du Disque Français 2019 de l’Académie du Jazz. Michel, c’est bien sûr Michel Petrucciani que Laurent, plus jeune que lui, n’a jamais rencontré mais dont la musique depuis toujours fait chavirer son cœur. Son disque rassemble onze compositions de Michel, trois d’entre-elles, Memories of Paris, Looking Up et Bite, étant empruntées à son album “Music”. Laurent interprète également Les Grelots d’Eddy Louiss à l’orgue Hammond et signe quelques compositions originales dont le très beau Michel On My Mind qui donne son nom à l’album.

-Mélanie Dahan qui devait se produire au Pan Piper le 20 mars fête le 3 octobre au Sunside (19h00 et 21h00) la sortie de son disque “Le chant des possibles” (Backstage Production / L’Autre distribution). Un opus qui lui ressemble et dans lequel elle chante et célèbre des poètes sur des musiques du pianiste Jeremy Hababou qui sera avec elle sur scène. Benjamin Petit (saxophone),  Marc Benham (claviers), Jeremy Bruyère (contrebasse) et Arthur Alard (batterie) qui entourent Mélanie dans l’album seront également présents.

-C’est aussi avec six mois de retard que Jean-Pierre Como présentera son album “My Little Italy” (Bonsaï Music / L’autre distribution) le 5 au Bal Blomet (20h30). Comprenant quelques compositions originales mais largement consacré à des reprises de chansons italiennes dont les belles mélodies interpellent, cet opus met en valeur la voix suave du chanteur Walter Ricci qui prolonge avec bonheur les lignes mélodiques élégantes des chorus de piano de Jean-Pierre. Superbement enregistré par Philippe Gaillot au Studio Recall (Pompignan), “My Little Italy” rassemble également Felipe Cabrera et Rémi Vignolo (contrebasse), André Ceccarelli (batterie) et Minino Garay (percussions). Tous seront présents au Bal Blomet pour en célébrer officiellement la sortie.

-Comme chaque année en octobre, à l’initiative de l’association Paris Jazz Club qui fêtera son 14ème anniversaire, les clubs de jazz de Paris et de la région parisienne font leur festival. 150 concerts, 450 musiciens et 20 clubs les accueilleront entre le 9 et le 24 octobre. C’est ce que propose la 9ème édition de Jazz sur Seine. Manifestation culturelle incontournable de l’automne, le festival maintient inchangée sa politique tarifaire. Comme l’an dernier, pour 40 euros, un « pass » à utiliser dans trois lieux différents donne accès à trois concerts. Une « offre découverte » (10 euros) est également proposée aux étudiants, demandeurs d’emploi et élèves de conservatoires. En partenariat avec l’ADAMI, une soirée Showcases (entrée gratuite selon les places disponibles) se déroulera le mardi 13 octobre dans cinq clubs du quartier des Halles afin de découvrir seize groupes ou artistes de la nouvelle scène jazz française. Développé par Paris Jazz Club, un volet d’actions culturelles (master-classes, ateliers de musicothérapie et de sensibilisation au jazz) est également proposé. Faisant l’objet de notices, les concerts signalés Jazz sur Seine (JsS) rentrent dans le cadre de cette manifestation.

-Au Sunside le vendredi 9 (à 20h30) et  le samedi 10 octobre (à 20h00) le saxophoniste Baptiste Herbin, Prix Django Reinhardt 2018 de l’Académie du Jazz, jouera le répertoire de son nouvel et quatrième album, “Vista Chinesa”, enregistré à Rio de Janeiro avec d’excellents musiciens brésiliens parmi lesquels le pianiste Eduardo Farias et les saxophonistes Idriss Boudrioua et Ademir Junior. Un disque fort, trempé dans la samba, la bossa et la soul qui se referme sur un duo piano / saxophone de toute beauté. Présente sur trois plages, la chanteuse Thais Motta affaiblit un peu l'album. Je ne sais rien de Diana Horta Popoff qui la remplacera sur la scène du Sunside, mais les musiciens qui entourent Baptiste pour ce concert – Pierre de Bethmann (piano), Mathias Allamane (contrebasse) et Émile Saubole (batterie) – garantissent une soirée mémorable (JsS).

 

-Au Triton le 10 (20h00), Benjamin Moussay croisera un piano acoustique et un synthétiseur modulaire, deux mondes sonores qu’il fera se rejoindre, poétisant leurs timbres et révélant leurs richesses. Enregistré sur un piano acoustique, “Promontoire”, son premier album solo pour ECM, nous a récemment beaucoup séduit par la qualité de sa musique (JsS).

-Le 12 au New Morning (21h00), David Linx présentera son nouvel album “Skin in the Game” (Cristal / Sony Music), un disque au packaging très soigné et à la musique souvent enthousiasmante dont vous pourrez lire prochainement la chronique dans ce blog. Pour l’accompagner, Gregory Privat (piano), Chris Jennings (contrebasse) et Arnaud Dolmen (batterie), des musiciens qui, en osmose avec lui, contribuent beaucoup à la réussite de ce joyau de sa discographie. Guitariste invité, Manu Codjia rejoindra le groupe pour quelques morceaux sur la scène du club.

Hal Singer, je me souviens…

-Soirée Showcases le mardi 13 dans cinq clubs du quartier des Halles – Sunset, Sunside, Baiser Salé, Duc des Lombards et Guinness Tavern – dans le cadre du Festival Jazz sur Seine. L’entrée est libre selon la disponibilité des places. On consultera la programmation complète sur le site de Paris Jazz Club. Ne manquez pas à 19h30 au Duc des Lombards le quartette du saxophoniste Ludovic Ernault avec Manu Codjia (guitare), Enzo Carniel (piano), Florent Nisse (contrebasse) et Simon Bernier (batterie). Toujours au Duc, mais à 20h30, je vous conseille d’écouter le vibraphoniste Alexis Valet (photo) qui, avec Adrien Sanchez (saxophone) Simon Chivaillon (claviers), Damien Varaillon (contrebasse) et Stéphane Adsuar (batterie), a sorti un bien bel album l’an dernier. On se rendra également au Sunside à 21h30 pour découvrir la musique que Joachim Govin invente live dans “Present”, son nouvel opus pour le label Fresh Sound New Talent. Pour ce showcase, Ludovic Ernault remplace Ben van Gelder au saxophone, mais les autres musiciens sont ceux de l’album. La chanteuse Camille Durand (qui s’y fait entendre sous le pseudonyme d’Ellinoa), Enzo Carniel au piano, Joachim à la contrebasse et Gautier Garrigue à la batterie vous feront passer un très bon moment.

-Concert de sortie de “Remembering Jaco” (Naïve / Believe), nouvel album du Multiquarium Big Band sous la direction du batteur André Charlier et du pianiste / organiste Benoît Sourisse le 15 octobre à l’Espace Carpeaux de Courbevoie (20h45). Alignant des solistes éminents – Denis Leloup au trombone, Pierre Drevet et Claude Egéa aux trompettes, Stéphane Guillaume aux saxophones, Pierre Perchaud à la guitare pour ne citer qu’eux – l’orchestre rend hommage à Jaco Pastorius disparu depuis trente ans et invite le guitariste Biréli Lagrène qui joue sur plusieurs disques de Jaco à tenir la basse électrique. Au programme du concert et de l’album, des compositions que Jaco Pastorius enregistra avec Weather Report (Barbary Coast, Teen Town) et des morceaux de “The Birthday Concert”, “Twins”, “Invitation” et “Word of Mouth”, son album le plus célèbre (JsS).

-Le Chance Quintet d’Henri Texier au Triton le 16 (20h30). Le groupe porte le nom de son dernier album “Chance” (Label Bleu / L’Autre Distribution), l’un des plus attachant du contrebassiste. Vincent Lê Quang (saxophones ténor et soprano), Sébastien Texier (saxophone alto et clarinettes), Manu Codja (guitare) et Gautier Garrigue (batterie) avaient enregistré avec lui “Sand Woman”, toujours pour Label Bleu. Mais “Chance” est encore plus réussi. Cinecitta, Simone et Robert et Laniakea, ses ballades somptueusement orchestrées, rendent l’album inoubliable (JsS).

-Toujours le 16, mais au Sunside (20h30), le jazz de chambre lyrique et raffiné du Trio Viret interpelle également. Constitué de Jean-Philippe Viret (contrebasse), Édouard Ferlet (piano) et Fabrice Moreau (batterie), la formation a fêté l’an dernier ses vingt ans d’existence en publiant “Ivresse” sur le label Mélisse, un disque enregistré live à la Générale de Montreuil, salle dans laquelle elle donna deux concerts. On l’attendait le 17 mars au Studio 104 de Radio France. Le confinement la contraignit au silence (JsS).

-Après deux albums consacrés à William Shakespeare (“Shakespeare Songs” en 2015 sur lequel participe la comédienne Kristin Scott Thomas) et à Marlene Dietrich (“Letters to Marlene” en 2018), Guillaume de Chassy (piano), Christophe Marguet (batterie) et Andy Sheppard (saxophone) présenteront le 17 au Triton (20h30) leur nouveau projet conçu autour de textes de poètes anglais et français sur la Question Amoureuse. Les voix enregistrées de Lambert Wilson et de Delphine Lanson accompagnent dans les deux langues leur nouvelle conversation musicale dans laquelle, surgissant de la musique des mots, l’improvisation vient parfaire l’écriture (JsS).

-Raphaël Pannier au Duc des Lombards le 17 également (19h30 et 22h00) avec Baptiste Herbin (saxophone), Pierre de Bethmann (piano) et François Moutin (contrebasse). À l’exception de ce dernier, d’autres musiciens l’accompagnent dans “Faune”, le premier disque qu’il publie sous son nom et dont on parle beaucoup. Un album que le batteur a enregistré à New York, ville dans laquelle il vit depuis 2014. “Faune” (French Paradox / L’autre distribution) rassemble ses propres compositions, des morceaux d’Ornette Coleman, Wayne Shorter, Hamilton de Holanda, et des pièces du répertoire classique (Maurice Ravel et Olivier Messiaen) que Raphaël Pannier a lui-même arrangé pour un quartette de jazz. Un premier opus très mature qui s’écoute « comme une seule et grande pièce dont chaque moment est pensé, arrangé et joué dans son rapport à l’ensemble » écrit Laurent de Wilde dans ses notes de pochette (JsS). Concert annulé et reporté.

Dernière minute : Bruno Angelini (piano) et Daniel Erdmann (saxophone ténor) interpréteront le 19 à la Dynamo de Banlieues Bleues de Pantin (19h00) “La dernière nuit”, évocation de Sophie Scholl (1921-1943), jeune résistante allemande décapitée par les nazis avec son frère pour avoir imprimé et diffusé des tracts hostiles au régime et à la guerre. Souvent mélodique, la musique traduit les états d’âme de la condamnée, sa voix intérieure, ses sentiments. Les notes tendres et émouvantes du piano, le souffle expressif du saxophone expriment son espoir de vaincre la peur et d’entrer sereinement dans la mort. Vendu lors des concerts du duo, le disque, magnifique, est disponible sur les plateformes numériques (Bandcamp) et sur le site de Bruno Angelini www.brunoangelini.com

-Du 20 au 24 octobre, c’est aussi à Clermont-Ferrand qu’il faut se rendre pour écouter du jazz ressemblant à du jazz. Pour la 33ème édition de Jazz en Tête, Xavier Felgeyrolles a conçu un programme de qualité malgré une présence réduite de musiciens américains, la covid perturbant fortement leurs déplacements. Le guitariste Lionel Loueke en est cette année la vedette. En solo, il fait l’ouverture du festival le mardi 20, Jackie Terrasson en trio avec Sylvain Romano (contrebasse) et Lukmil Perez (batterie) se chargeant de la seconde partie du concert. Lionel Loueke vient de consacrer un disque à Herbie Hancock dont il a été le guitariste. Dans “HH” (Edition Records), il interprète en solo les compositions du pianiste, modifiant leurs harmonies pour les réinventer. On le retrouve le mercredi 21 au sein d’un All Stars comprenant le saxophoniste Jean Toussaint, le bassiste Darryl Hall et le batteur Jeff Ballard. Autres Têtes de ce Jazz en Tête, le saxophoniste Baptiste Herbin et le guitariste flamenco franco-espagnol Juan Carmona (le 22), le trompettiste catalan Raynald Colom suivit du duo Vincent Peirani / Émile Parisien (le 23) et le pianiste Iván « Melón » Lewis et son Cuban Swing Express (le 24). Tous les concerts sont à 20h00 et se déroulent dans la salle Jean Cocteau de la Maison de la Culture. On consultera le programme complet de la manifestation sur le site de Jazz en Tête.

-Matthieu Bordenave au Sunside le 21 (19h30) avec le pianiste Florian Weber et le bassiste Patrice Moret qui l’accompagnent dans “La Traversée”, son premier disque ECM dont les compositions oniriques s’inspirent de poèmes de René Char. C’est toutefois sur un autre album du label, “For 2 Akis” du batteur japonais Shinya Fukumori, que j’ai découvert le saxophoniste, un élève d’André Villéger installé depuis quelques années à Munich. Son ténor sonne souvent comme un alto et ses phrases chantantes, mélancoliques et diaphanes conviennent bien au jazz de chambre raffiné et mélodique qu’il propose. Florian Weber son pianiste est lui aussi un musicien très créatif. “Alba” qu’il a enregistré en 2015 en duo avec le trompettiste Markus Stockhausen témoigne de la richesse de son jeu harmonique (JsS). Concert annulé et reporté.

-Avec Adrien Moignard à la guitare et Diego Imbert à la contrebasse, Anne Ducros donna le 8 Mars un concert mémorable au Café de la Danse. On la retrouvera accompagnée par le même trio le 22 octobre au Bal Blomet (19h00), un « Sunset hors les murs » s’inscrivant dans le cadre des Jeudis de Jazz Magazine. La meilleure de nos chanteuses de jazz a fait paraître il y a quelques mois l’un de ses meilleurs albums, “Something” (Sunset Records), un disque dédié à Didier Lockwood dont je dis le plus grand bien dans ce blog, et qui capte avec précision, les nuances de son chant, le timbre de sa voix (JsS).

-Jeune et talentueux musicien à découvrir et à suivre, Simon Moullier présentera au Sunset le 23 (20h00) le répertoire de “Spirit Song” (Outside In Music), son premier album. Vibraphoniste, il utilise l’instrument de façon très originale et personnelle. Jouant aussi du balafon, des percussions et des synthétiseurs, il mêle leurs timbres et leurs textures, obtenant une pâte sonore qui donne du poids à une musique subtilement rythmée qui reste toujours mélodique. Acceptance et son étonnant foisonnement rythmique, I’ll Remember April tendrement habillé de sonorités nouvelles, Kenyalang une délicieuse ballade interprétée en quartette, en sont les moments forts. Diplômé du Berklee College of Music et du Monk Institute, Simon Moullier travaille aujourd’hui à New York avec des jazzmen renommés. Deux éminents saxophonistes de la scène new-yorkaise, Dayna Stephens et Morgan Guerin,  jouent sur son disque enregistré à Los Angeles, Brooklyn et New York City entre 2017 et 2020 avec la même section rythmique, mais des pianistes différents. Au Sunset, Simon Moullier sera accompagné par l’un d’entre eux, Simon Chivallon, Francesco Geminiani (saxophone), Mats Sandahl (contrebasse) et Francesco Ciniglio (batterie) complétant son quintette (JsS). Concert annulé.

Hal Singer, je me souviens…

-Sous la direction de Frédéric Maurin, l’Orchestre National de Jazz fêtera au Studio de l’Ermitage le 28 octobre (à 18h30) la sortie de “Rituels” (ONJ Records / L’autre distribution), double CD comprenant des compositions originales de Sylvaine Hélary, Ellinoa, Leïla Martial, Grégoire Letouvet et Frédéric Maurin. Un chœur et treize instrumentistes interprètent ces “Rituels”, réunion de textes anciens qui auraient pu avoir été écrits hier et qui bénéficient aujourd’hui d’orchestrations étonnantes, les instruments acoustiques étant seuls convoqués dans cette configuration de l'orchestre. Mêlant cordes, bois, cuivres et percussions, utilisant les voix (celles de Linda Oláh, Ellinoa, Leïla Martial et Romain Dayez) comme des instruments à part entière, l’œuvre fascine par ses couleurs, son aspect onirique, la riche texture de ses timbres, son ouverture sur d’autres musiques. Les genres se télescopent au sein d’une masse orchestrale en mouvement qui réserve de l’espace aux solistes et tisse un monde sonore aussi surprenant que poétique qui ne ressemble à aucun autre. Une création vidéo imaginée par la réalisatrice Mali Arun accompagnera l’orchestre sur scène.

-Alexandre Saada enfin au Sunside le 31 octobre (18h00) pour interpréter le répertoire de “Songs For A Flying Man” (Labrador Records), un recueil de chansons aux mélodies délicieuses écrites avec la chanteuse Mélissa Bon. Pour ce concert, Martial Bort (guitare), Thomas Pégorier (basse), Olivier Hestin (batterie) et la chanteuse Caroline Minard accompagneront le pianiste qui utilise de nombreux claviers (piano acoustique et électrique, orgue, clavinet) et pose des couleurs chatoyantes sur ses musiques.

-Au Triton le 31 octobre (18h45), Aldo Romano fêtera la sortie de “Reborn” (Le Triton / L’autre distribution), un album qui ne sera mis en vente que le 13 novembre. Le club avait accueilli le batteur en mai 2019 pour une série de concerts dont il avait carte blanche. Entouré par ses amis,  “Reborn” en fait entendre les meilleurs moments. Enregistrés avec Mauro Negri à la clarinette, Géraldine Laurent au saxophone et son vieux complice Henri Texier à la contrebasse, Annobón et Petionville baignent dans une belle lumière méditerranéenne. Avec Baptiste Trotignon au piano et Darryl Hall à la contrebasse, Aldo reprend Dreams and Waters, un morceau qui donne son nom à l’un de ses disques et qu’il a souvent joué. Enrico Rava se rajoute au trio dans une magnifique version de Positano que contient “Inner Smile”, un opus de 2011. Yoann Loustalot (trompette), Glenn Ferris (trombone) et Michel Benita (contrebasse) entourent le batteur sur deux plages, une version surprenante de Il Piacere dans laquelle Aldo retrouve le pianiste Jasper Van’t Hof aux claviers complétant ce programme séduisant.

 -Sunset-Sunside : www.sunset-sunside.com

-Espace Sorano : www.espacesorano.com/saison/

-Bal Blomet : www.balblomet.fr

-Jazz sur Seine : www.parisjazzclub.net/fr/events/festival-jazz-sur-seine-2020

-Espace Carpeaux : www.infoconcert.com/salle/espace-carpeaux-a-courbevoie-155/concerts.html

-Le Triton : www.letriton.com

-New Morning : www.newmorning.com

-Duc des Lombards : www.ducdeslombards.com

-Jazz en Tête : www.jazzentete.com

-La Dynamo de Banlieues Bleues : www.banlieuesbleues.org/dynamo/le-programme/

-Studio de l’Ermitage : www.studio-ermitage.com

 

Crédits Photos : Hal Singer © Olivier Arandel – Laurent Coulondre © Pierre de Chocqueuse – Mélanie Dahan, Raphaël Pannier, Anne Ducros © Jean-Baptiste Millot – Jean-Pierre Como Quintet © Guillaume Saix – Benjamin Moussay © Stéphanie Griguer / ECM – David Linx © Shelomo Sadak – Multiquarium Big Band © Véronique Sourisse – Henri Texier Chance Quintet, Orchestre National de Jazz © Sylvain Gripoix – Jean-Philippe Viret Trio © Grégoire Alexandre – Chrisophe Marguet / Guillaume de Chassy / Andy Sheppard © Jérôme Prébois – Bruno Angelini & Daniel Erdmann © Romu Ducros  Matthieu Bordenave © Adrian Schätz / ECM – Alexis Valet, Alexandre Saada © Photos X/D.R.

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8 juillet 2020 3 08 /07 /juillet /2020 13:37
Pause d'été

Ami(e)s lecteurs et lectrices, comme chaque été je mets ce blog en sommeil, un peu plus tôt cette année car confiné cinquante-cinq jours dans un appartement parisien, même confortable, donne envie d’avoir devant ses yeux d’autres paysages. Je m’étais promis de consacrer moins de temps à l’actualité du jazz. La Covid-19 qui a brutalement interrompu la sortie des disques et fermé les salles de concerts, m’a pourtant conduit à écrire davantage. Des chroniques sur des albums Blue Note quelque peu oubliés et une étude sur le jazz et le cinéma que je reprendrai à la rentrée ont largement occupées mes loisirs. Il vous faudra patienter pour lire la suite de cette saga que j’espère achever à l’automne car des vacances m’attendent. Je vous abandonne aux vôtres pour prendre les miennes. Passez tous un bel été et rendez-vous en septembre.

 

Photo X/D.R.

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6 juillet 2020 1 06 /07 /juillet /2020 09:32
Ambrose AKINMUSIRE : “On the Tender Spot of Every Calloused Moment”  (Blue Note / Universal)

Dans “On the Tender Spot of Every Calloused Moment”, une nouveauté de juin, Ambrose Akinmusire s’interroge sur la place des Noirs dans une Amérique raciste qui assassine impunément certains de ses enfants. Enregistré avant le meurtre de George Floyd à Minneapolis le 25 mai dernier, il témoigne de l’engagement politique de l’artiste et est parfaitement d’actualité.

En dédiant une de ses compositions, My Name is Oscar, à Oscar Grant, tué en 2009 à Oakland par un policier alors qu’il n’était pas armé, Ambrose Akinmusire dénonçait déjà les violences policières dans “When The Heart Emerges Glistening”, son premier disque pour Blue Note (le second de sa discographie), un album que prolonge “On the Tender Spot of Every Calloused Moment”. En colère, il interpelle également les forces de l’ordre qui tirent sur des Noirs désarmés dans Free, White And 21, un des morceaux d’“Origami Harvest”, un album déroutant de 2018 dans lequel le trompettiste s’efface derrière le compositeur.

 

Son instrument se retrouve à nouveau au premier plan dans ce nouvel opus enregistré avec ses musiciens habituels, un quartette dont il est le principal soliste. Avec lui,  Sam Harris, son pianiste depuis “The Imagined Savior Is Far Easier to Paint” en 2014, Harish Raghavan, bassiste qu’il rencontra au Thelonious Monk Institute of Jazz, et Justin Brown déjà présent à la batterie dans “Prelude… To Cora”, son premier disque enregistré en 2007, l’année où il remporta la prestigieuse Thelonious Monk International Jazz Competition. Avec eux, Ambrose Akinmusire élabore une musique savante d’une écoute difficile, un jazz moderne et urbain qui intègre le hip-hop, la soul, le gospel et le funk et ouvre de nouvelles perspectives mélodiques et rythmiques au jazz afro-américain. Portés par une section rythmique inventive qui affectionne les tempos fluctuants et les métriques irrégulières, piano, contrebasse et batterie se voyant étroitement associés à la trame orchestrale de la musique, le trompettiste souffle, module et cisèle les longues notes détachées d’une musique labyrinthique et ambitieuse.

 

Amour, poésie, mais aussi fureur, désespoir et pleurs irriguent les lignes mélodiques expressives du trompettiste, son phrasé délié baignant dans le blues. Un blues contemporain qui, éloigné de ses grilles habituelles, prend ici diverses formes. Il est ainsi présent dans les notes plaintives et sombres du mélancolique Yessss, dans celles, funèbres et chagrinées, de Reset, morceau dans lequel le trompettiste tire des notes poignantes de son instrument. On le trouve aussi dans Cynical Sideliners, une étrange berceuse qu’interprète Geneviève Attardi, seule voix de l’album avec celle de Jesus Diaz. Ce dernier intervient dans Tide of Hyacinth, une composition de forme très libre qui intègre des rythmes afro-cubains dans sa partie centrale. Hommage à Roy Hargrove disparu en 2018, Roy, pièce intensément lyrique et émouvante, s’inspire d’un cantique religieux et Mr. Roscoe (Consider the Simultaneus) est dédié à Roscoe Mitchell l’un des fondateurs de l’Art Ensemble of Chicago, une des sources d’inspiration du trompettiste. Dans Hooded Procession (Read the Names Aloud), un Fender Rhodes sonne le glas d’une procession funèbre à la mémoire des disparus. Un enfant citait leurs noms dans Rollcall for those Absent, un des morceaux de “The Imagined Savior Is Far Easier to Paint”. Ici la musique elle-même les évoque, une musique d'une force peu commune dont la tristesse indicible soulève l’émotion.

 

Photos © Saito Ogata

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1 juillet 2020 3 01 /07 /juillet /2020 09:56
Éloge de la lecture

Juillet. Le Sunside*, le Baiser Salé et le Triton ont ouvert leurs portes dans le respect du protocole sanitaire. Le Duc des Lombards** annonce la reprise de ses concerts le vendredi 3. On bouge, on se déplace, mais avec précaution. Heureux de pouvoir à nouveau circuler dans les rues récemment désertées de la capitale, le parisien attablé aux terrasses des cafés profite des beaux jours, du soleil retrouvé. Sous le regard blasé du garçon agile qui virevolte entre les tables pour servir le client, il respire un air pollué par un trop plein de véhicules aux gaz malodorants. Plongé dans la lecture d’un épais bouquin, il n’en est pas incommodé, reste sourd aux voitures qui klaxonnent, aux ambulances qui pinponnent. Son livre lui ouvre les portes d’un monde qui lui fait oublier le sien. Sans quitter la chaise sur laquelle il reste assis, il se promène dans le temps, rencontre des personnages et accompagne leurs aventures.

 

Ceux du Haut Pays que Jean Giono dépeint dans “Ennemonde et autres caractères” et “L’Iris de Suse” que je viens de relire sont même inoubliables. Giono décrit avec précision leurs physiques, leurs sentiments, leurs caractères bien trempés, mais le lecteur les voit avec ses propres yeux. S’attachant à eux, il appréhende sans pouvoir rien y changer les situations troubles aux dénouements incertains que l’auteur lui impose. Car ce dernier tire les fils d’un récit auquel notre imaginaire participe mais dont il a le dernier mot. L’intrigue d’un livre est parfois mince, mais on se laisse porter par le rythme des phrases, la petite musique enfermée dans ses pages.

 

Une œuvre littéraire donne parfois de grandes réussites cinématographiques mais il est souvent préférable de lire le livre avant de voir le film. Bien qu’émerveillés par la mise en scène de David Lean, les très nombreux spectateurs du “Docteur Jivago” sont loin d’avoir tous lu le chef-d’œuvre de Boris Pasternak. Son épaisseur a pourtant contraint les scénaristes à tailler dans le récit pour en réduire l’intrigue. La même chose est arrivée au gros roman de John Steinbeck “À l’Est d’Éden” qu’Elia Kazan adapta à l’écran en 1955. Confiant le rôle principal à un James Dean inexpressif, et ne gardant que la dernière partie de l’ouvrage, Kazan a réduit cette grande fresque familiale à un simple psychodrame et trahit l’écrivain. S’il peut lui servir de support et, par son succès, le rendre populaire, un film ne peut se substituer à un livre dont l’auteur raconte lui-même l’histoire. En parcourant ses pages c’est sa voix même que l’on entend. La beauté de sa langue, son parler imagé, sa poésie, y sont conservés intacts.  

 

On peut très bien rester chez soi avec un livre, mais juillet invite à prendre des vacances, à quitter les villes pour la campagne, la mer ou la montagne. Dans ses bagages, des livres, pour voyager plus loin, changer d’époque et de lieux. Télérama vient récemment de révéler les 100 livres préférés de sa rédaction. « 100 livres pour une bibliothèque idéale » titre le magazine. Existe-t-elle ? Je pense que non. Une bibliothèque n’est jamais idéale car toujours en devenir, agrandie par la découverte de nouveaux livres.

 

Dans la sélection que publie Télérama, certains m’interpellent. Je ne les ai pas tous lus mais “Le Maître et Marguerite” de Mikhaïl Boulgakov, “Ada ou l’ardeur” de Vladimir Nabokov et “Le Maître du Haut Château” de Philip K. Dick, des incontournables, sont à placer dans vos valises. Je vous invite également à découvrir deux ouvrages de ma propre bibliothèque “Le Temps où nous chantions” de Richard Powers et “Les Saisons de la nuit” de Colum McCann. Le premier aborde le racisme de l’Amérique à travers le destin de trois enfants aux ascendances juives et noires. Ses nombreuses pages sur la musique sont admirables. Consacré aux sans-abri qui vivent dans les tunnels qu’empruntent les trains traversant New-York, le second est tout aussi émouvant.

 

Comme chaque année à la même époque, ce blog sera prochainement mis en sommeil. Soyez prudents, portez des masques et bonnes lectures.    

*Le club organise en juillet et en août son festival Pianissimo. Au programme de cette XVème édition, les pianistes Jackie Terrasson (le 3 et le 4 juillet), Paul Lay (le 7 et le 8), Fred Nardin (le 10 et le 11), Alain Jean-Marie (le 15 et le 16) , Laurent de Wilde (le 23 et le 24), Leila Olivesi (le 25), Yonathan Avishai (le 28 et le 29), Vincent Bourgeyx (le 30), Carine Bonnefoy (le 31), Pierre de Bethmann (le 4 et le 5 août), Franck Amsallem (le 6), Baptiste Trotignon (le 7 et le 8), Marc Benham (le 11), Laurent Coulondre (le 12 et le 13), Benjamin Moussay (le 19), René Urtreger (le 21 et le 22) et Ramona Horvath (le 23) pour ne citer que ceux qui m'interpellent. La plupart de ces pianistes sont attendus en trio. Ramona Horvath, Leila Oliveisi et Franck Amsallem se produiront en quartette. Benjamin Moussay présentera en solo “Promontoire”, son premier disque pour ECM). Deux concerts par soir en général. En outre, le trio de Laurent Courthaliac animera des jam sessions tous les lundis de juillet et les lundis 3, 10 et 17 août (entrée gratuite). On consultera le site du Sunside pour les horaires et le programme complet du festival.

 

**Thomas Enhco (piano) et Stéphane Kerecki (contrebasse) sont attendus au Duc des Lombards les 15 et 16 juillet et le Florian Pellissier Quintet les 17 et 18 (concerts à 19h30 et 21h45).

 

-Sunset-Sunside : www.sunset-sunside.com

-Duc des Lombards : http://www.ducdeslombards.com

 

Reading on the Beach © Photo X/D.R.

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22 juin 2020 1 22 /06 /juin /2020 10:00
Danilo Pérez & Kurt Elling © Anna Webber

Danilo Pérez & Kurt Elling © Anna Webber

Big Wheel” de Thomas Grimmonprez, je l’ai trouvé d’occasion chez Gibert Joseph quelques jours avant le confinement. “8 Kindred Spirits” de Charles Lloyd et “New Visions” d’Enrico Pieranunzi étaient également commercialisés avant que la Covid-19 ne contraigne les rares magasins qui vendent encore des disques à fermer leurs portes le 17 mars. Me refusant à vous encourager à les acheter sur internet ou sur des plateformes de téléchargement, j’ai préféré attendre leurs réouvertures pour vous en parler. “The Love Songs”, que m’a envoyé le saxophoniste Manuel Hermia, l’un de ses trois cosignataires, est l’un des rares CD que j’ai reçu lors de cette nécessaire réclusion. “Secrets Are The Best Stories” de Kurt Elling et “Freya” de Tineke Postma ont fait l’objet de chroniques dans le numéro d’avril de Jazz Magazine mais ne paraissent que maintenant. “Promontoire”, un projet en solo du pianiste Benjamin Moussay et “Songs For A Flying Man” de l’inclassable Alexandre Saada devaient aussi sortir en avril. Par ordre alphabétique, en voici les chroniques.

Kurt ELLING :

“Secrets Are The Best Stories”

(Edition Records / UVM)

Chanteur au phrasé exceptionnel, Kurt Elling aime poser des mots sur les musiques des autres. Ce nouveau disque, l’un de ses meilleurs, emprunte une partie de son matériel thématique à Jaco Pastorius, Django Bates, Vince Mendoza et Wayne Shorter que Danilo Pérez, le pianiste de cet album, a beaucoup accompagné. Avec Elling, Pérez en a choisi les musiciens. Les deux hommes se connaissent depuis longtemps et les morceaux de Django Bates qu’ils interprètent en duo sont très réussis. Pérez apporte également des compositions sur lesquelles le chanteur, inspiré par la littérature, a mis des paroles. Gratitude est dédié au poète Robert Bly et Beloved à Toni Morrison disparue l’an dernier. Porté par le drumming musclé de Jonathan Blake, le saxophoniste Miguel Zenón y prend un chorus incandescent. Chantée en espagnol, une belle version de Rabo de Nube du chanteur et guitariste cubain Silvio Rodríguez complète le répertoire.

Thomas GRIMMONPREZ :

“Big Wheel” (OutNote / Outhere Music)

Enregistré en quartette, ce disque est le fruit d’une séance pas comme les autres tant l’entente semble avoir été parfaite entre les musiciens. À l’écoute des uns des autres, ces derniers improvisent sur les thèmes simples et chantants du batteur Thomas Grimmonprez qui les rythme de manière à toujours les laisser respirer. Tout en assurant un tempo infaillible, Jérôme Regard réagit constamment aux propositions des solistes. Sa contrebasse (ou celle de Matyas Szandai dans trois morceaux) s’intègre à la riche polyphonie de timbres que tissent le piano de Benjamin Moussay et la guitare de Manu Codjia. Ce dernier qui tire mille couleurs de son instrument est ici particulièrement inspiré. Souvent modale et bien que non dénuée d’une certaine tension dans Sweet Cake et Hypnosis notamment, la musique, aussi rêveuse qu’interactive, provoque un rare bonheur d’écoute.

Manuel HERMIA / Pascal MOHY / Sam GERSTMANS :

“The Love Songs”

(Jazz Avatars / L’autre distribution)

Saxophoniste belge, Manuel Hermia s’intéresse à toutes sortes de jazz mais aussi aux musiques du monde dont il introduit des instruments dans ses disques. Je n’ai pas été convaincu par son récent album avec l’Orchestra Nazionale Della Luna (“There is Still on Earth” sur BMC Records), mais “The Love Songs”, enregistré en trio, est très séduisant. Au programme quelques standards célèbres, des « Love Songs » que les trois hommes interprètent avec tendresse et sensibilité, la musique, rythmée par une contrebasse faussement nonchalante (Sam Gerstmans), se passant très bien de batteur. Manuel Hermia souffle de longues phrases chantantes dans ses saxophones (ténor et alto) et nous offre une version émouvante de Soul Eyes que John Coltrane n’aurait probablement pas reniée. Découvert auprès de Mélanie De Biasio, Pascal Mohy  joue peu de notes mais organise judicieusement ses chorus. I Aime You (de Manuel Hermia) et You Don’t Know What Love is en témoignent.

Charles LLOYD :

“8 – Kindred Spirits Live from the Lobero Theatre”

(Blue Note / Universal)

Le 15 mars 2018, à l’occasion de ses 80 ans, Charles Lloyd réunissait autour de lui les musiciens de son quartette – Gerald Clayton (piano), Reuben Rogers (contrebasse) et Eric Harland (batterie) – et invitait le guitariste Julian Lage et l’organiste Booker T. Jones. La prestation de ce dernier n'est disponible que dans un coffret de luxe en édition limitée qui contient l’intégralité du concert. Le présent disque et le DVD qui l’accompagne en proposent les meilleurs moments, quatre longs morceaux qui suffisent à notre bonheur. Dream Weaver qui donne son nom au premier album Atlantic du saxophoniste bénéficie d’une fascinante introduction modale. La Llorona (un traditionnel), Part 5, Ruminations et Requiem sont souvent joués par le saxophoniste qui les a enregistrés plusieurs fois. On lui pardonnera ses notes approximatives, tant ses improvisations ruisselantes de feeling sont touchées par la grâce.   

Benjamin MOUSSAY :

“Promontoire” (ECM / Universal)

Il utilise souvent de nombreux claviers, mais le piano acoustique reste son instrument de prédilection. C’est sur ce dernier que Benjamin Moussay a enregistré son premier disque en solo, “Promontoire”, qui relève autant du jazz que de la musique classique européenne qu’il a étudiée au Conservatoire de Strasbourg avant de se consacrer au jazz. Soigneusement ciselées et souvent improvisées, ses courtes pièces (des miniatures tant elles sont brèves) révèlent un musicien romantique qui fait chanter les notes des belles mélodies qu’il invente. Associées à des paysages, à des portraits (Théa, celui de sa jeune sœur), elles nous invitent à en imaginer les images. Si trois morceaux de l’album ont été conçus pour accompagner celles de “Nana”, un film muet de Jean Renoir, la montagne reste sa principale source d’inspiration, un pic rocheux du massif des Vosges qui reste cher à son cœur donnant son nom à l’album.

Enrico PIERANUNZI Trio :

“New Visions” (Storyville / UVM)

S’il aime composer des thèmes mélodiques et les faire chanter par son piano, Enrico Pieranunzi apprécie aussi d’être bousculé par des rythmiques qui le poussent au dialogue et à changer ses habitudes. Entendu auprès du trio de Christian McBride, le drumming lourd et musclé du batteur Ulysses Owens Jr. avec lequel il enregistre pour la première fois le conduit à tenir compte des métriques irrégulières que propose ce dernier et à adopter un jeu plus dur et plus tendu. Quant à Thomas Fonnesbæk, il allie une sonorité ample et puissante à des attaques impressionnantes et apporte une seconde voix mélodique à la musique. Ils ont déjà joué et enregistré ensemble – “Blue Waltz” sur Stunt Records en 2017. Que ce soit dans les pièces improvisées de l’album ou dans les délicieuses ballades qu’il contient, leur complicité inventive force l’admiration.

Tineke POSTMA :

“Freya” (Edition Records / UVM)

Septième album de la saxophoniste hollandaise depuis “Sonic Halo” (Challenge Records) enregistré en 2014 avec Greg Osby, “Freya” (déesse de la fertilité germano-scandinave) marque pour elle un nouveau départ. Influencée par sa découverte en 2015 au North Sea Jazz Festival de la formation Made in Chicago de Jack DeJohnette, Tineke Postma imagine une musique ouverte dans laquelle est mis en avant le discours collectif, l’implication des solistes qui y déposent leurs propres idées mélodiques et les font circuler. Si Kris Davis joue du piano dans quelques morceaux, la trompette cuivrée et expressive de Ralph Alessi reste le principal interlocuteur de son saxophone, un alto le plus souvent. Avec eux, Matthew Brewer à la contrebasse et à la basse électrique et Dan Weiss à la batterie tissent une toile rythmique souple et mobile qui encadre mais n’enferme jamais les improvisations, le jeu interactif confié à des musiciens talentueux étant constamment privilégié.

Alexandre SAADA :

“Songs For A Flying Man”

(Labrador / Proper Music Group)

Après un disque réjouissant avec la chanteuse Clotilde Rullaud dans lequel le jazz, la soul music et le folk font bon ménage, Alexandre Saada tourne le dos au jazz et à l’improvisation pour se faire le chantre d’un univers musical aussi séduisant que l’était la pop music sophistiquée des années 60 et 70. Recueil de chansons souvent autobiographiques écrites avec la chanteuse Mélissa Bon, “Songs For A Flying Man” est aussi le fruit d’un minutieux travail de studio. Alexandre Saada sait mettre en valeur les mélodies délicieuses qu’il porte en lui. Une instrumentation à chaque fois différente les habille, ce qui donne à son album une grande variété de couleurs et d’ambiances. Ses nombreux claviers (piano, orgue, clavinet), les guitares électriques et acoustiques de Laurent Brifo, la contrebasse d’Alexandre Perrot et la batterie de Bertrand Perrin sont au cœur d’un dispositif orchestral qui accueille d’autres instruments, proches et ami(e)s contribuant aux parties vocales d’un opus en apesanteur.

Photo : Danilo Pérez & Kurt Elling © Anna Webber

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