blog de Choc

Melody Gardot n’a pourtant pas toujours eu bonne presse. Plus proche du fado que de la musique brésilienne, “The Absence” son disque précédent fut plutôt mal reçu par les critiques de jazz. En France, on aime classifier, placer les artistes dans des cases. Melody Gardot qui change de musique à chaque album dérange et déconcerte. Une blanche à la voix sensuelle et chaude qui chante comme une noire ne plait guère aux puristes, aux dogmatiques du jazz. On lui reproche de remplir les salles avec une musique facile, de la variété sophistiquée. On jalouse son succès. C’est oublier qu’elle écrit elle-même ses chansons, que ses concerts sont de vrais spectacles, et qu’elle apporte un soin maniaque à la production de ses disques.

Prélude aux trois concerts qu‘elle donna à l’Olympia, celui qu’elle offrit le 24 juin dernier au public de l’Archéo Jazz Festival de Blainville-Crevon, un show inoubliable sous chapiteau, fut l’occasion pour la chanteuse de roder le répertoire de son nouveau disque. Elle pourrait s’offrir de meilleurs musiciens mais ceux qui l’entourent (trois souffleurs, un clavier, un guitariste, un bassiste jouant plus souvent de la basse électrique que de la contrebasse et un batteur bûcheron dont les bras sont de vrais troncs d’arbre) assurent parfaitement et anonymement leur travail. À part quelques thèmes qui la voient s’accompagner au piano, Melodie Gardot, large chapeau à la Zorro, pantalon en cuir et chemisier noir, les yeux dissimulés par d’épaisses lunettes, assure à la guitare rythmique et parfois au piano. Elle possède une réelle présence scénique, dialogue souvent en français avec un public dont elle fait chanter sa musique.

Melody GARDOT : “Currency of Man” (Decca / Universal)

Bien qu’enregistré à Los Angeles, “Currency of Man” porte les rythmes et les couleurs de Philadelphie, sa ville natale. Les musiciens l’ont enregistré dans les conditions du direct, dans une seule et même pièce. Ils jouent souvent avec un léger retard sur le temps, ce qui donne à la musique une coloration soul, un groove bien plus présent. Il existe deux versions de l’album. La première sous boîtier plastique comprend dix morceaux. La seconde, un digipack, les place dans un ordre différent. Cinq autres plages s’y ajoutent. Habilement agencés, ils constituent une suite, se donnent la main sans s’interrompre. C’est bien sûr cette dernière qu’il faut vous procurer.

Six ans après “My One and Only Thrill”, Melody Gardot retrouve Larry Klein. Il a produit de grands disques de Joni Mitchell, Madeleine Peyroux, Herbie Hancock (“River : the Joni Letters”, “The Imagine Project”) et sait habilement guider ses artistes tout en leur laissant tout pouvoir de création. La chanteuse souhaite un disque que l’on peut écouter de bout en bout, avec des morceaux s’enchainant les uns avec les autres, comme l’histoire du rock et sa « décade prodigieuse » (1967-1976) en ont parfois produits. Un disque enregistré comme naguère sur bandes analogiques afin de lui donner une sonorité chaude, moelleuse et que les timbres des instruments soient parfaitement audibles. Son diapason est également plus bas. Melody l’a voulu ainsi car parfaitement adapté à son chant, le la à 432 (au lieu de 440) donne une sonorité plus naturelle à la musique.

Ayant eu l’occasion de participer à “Autour de Nina”, un disque hommage à Nina Simone, Melody a été enthousiasmée par le travail de l’ingénieur du son Maxime Le Guil et par les arrangements de Clément Ducol, un autre français. Conseillé par Le Guil qui met superbement en valeur la voix de la chanteuse, l’enregistrement s’est fait avec de vieux magnétophones, de vieux micros qui ont fait leur preuve et les musiciens utilisent des amplis à lampe. Les cuivres sont arrangés par Jerry Hey (Al Jarreau, Michael Jackson, Manhattan Transfer) et les cordes par Clément Ducol. Très soignées, ces dernières apportent un aspect romantique à la musique, la rendent élégante et rêveuse.

Dans “Currency of Man” (un titre difficile à traduire), Melody Gardot questionne l’homme d’aujourd’hui. Comment définir sa valeur ? Par l’argent ? Par son talent ? Qu’a-t-il à offrir ? La chanteuse ne donne pas de réponse. Elle observe sans prendre parti, commente sans juger. Ses textes parlent de la vie des gens, de ceux qui connaissent des temps difficiles et se battent pour gagner, qui luttent pour triompher, du racisme de toujours dans Preacher Man, un titre porté par des riffs de guitare, le morceau le plus rock.

Utilisées comme des vagues, des cordes embellissent Don’t Misunderstand que la voix introduit. Le tempo est lent, bercé par la guitare. Les deux premiers tiers du disque, des plages groovy, bénéficient de choristes, d’un orgue que se partagent Pete Kuzma et Larry Goldings. Les cuivres sont également très présents. It Gonna Come, She Don’t Know et Same to You, des morceaux funky aux basses puissantes, profitent de leurs riffs. Dans Bad News, ils chantent et pleurent le blues. Succédant à un court instrumental dédié à Charles Mingus, Preacher Man est introduit par une chorale constituée par les voix de chanteurs et chanteuses que Melody a sélectionnée via Facebook. Magnifiquement chanté et arrangé, No Man’s Prize baigne dans le jazz ; le miraculeux Morning Sun dans le gospel. Le disque s’achève sur des ballades mélancoliques que sépare un court instrumental joué au piano. Violons et violoncelles en soulignent les mélodies exquises. Il n’y a plus de section rythmique, juste un écrin de cordes pour magnifier la voix.

En quartette, avec Régis Huby aux violons, Claude Tchamitchian à la contrebasse et Edward Perraud à la batterie et aux percussions, Bruno Angelini fait aujourd’hui paraître un nouveau disque à marquer d’une pierre blanche, un Choc que Franck Bergerot n’a pas manqué d’attribuer dans le n° de juin de Jazz Magazine. Jazz ? Musique contemporaine ? On ne sait trop, mais qu’importe ! La musique y jaillit aussi fraîche et limpide qu’une source d’un rocher.

C’est en 2006, dans “Never Alone”, un piano solo pour Minium supervisé par Philippe Ghielmetti, que j’ai découvert Bruno Angelini. Reprenant le répertoire de “The Newest Sound Around”, disque oh combien célèbre co-signé par Jeanne Lee et Ran Blake, le pianiste en donne une réinterprétation lyrique et personnelle. D’autres enregistrements de Bruno ont depuis rejoint ma discothèque, des albums en trio disponibles sur Sans Bruit, des opus en duo avec le trompettiste Giovanni Falzone. Sans oublier “Colors” en quartette avec Gérard Lesne, un haute-contre, disque par moi défendu lors d’un « Pour / Contre » dans les pages de Jazzman. Héritage de l’enseignement de Sammy Abenaïm dont il suivit les cours et qui lui apprit à écouter, ce sont bien sûr les harmonies, la large palette de couleurs dont il dispose, qui me rendent ce pianiste si séduisant. Bruno Angelini enseigne à la Bill Evans Piano Academy (avec Philippe Le Baraillec, musicien cher à mon cœur) et lorsqu’on lui demande quels pianistes il admire, il cite Duke Ellington, Herbie Hancock, Ran Blake, Geri Allen, Richie Beirach, John Taylor, que j’apprécie autant que lui.

Les deux premières plages d’“Instant Sharings” sont des morceaux que Bruno affectionne. Composé par Paul Motian, Folk Song for Rosie apparaît la première fois dans “Voyage” un disque ECM de 1979. On le trouve aussi dans “Misterioso” (Soul Note), “At the Village Vanguard” (Winter & Winter) et “Phantasme” (BMG), un album publié sous le nom de Stephan Oliva avec Motian à la batterie. Violon et contrebasse se voient ici confier le thème. Le piano en égraine les notes tranquilles, ornemente délicatement. Le batteur ajoute des couleurs, fait vibrer peaux et cymbales. Meridianne – A Wood Sylph de Wayne Shorter, une pièce modale qui se développe et palpite, prolonge avec bonheur cette plongée dans le rêve. “1+1”, un disque Verve de 1997 réunissant Wayne Shorter et Herbie Hancock, renferme l'original.

Solange débute comme une sonate pour violon et piano. La section rythmique rejoint tardivement les deux instruments. Le batteur confie alors un beat solide aux nappes brumeuses du violon, aux notes transparentes du piano. Une cadence apparaît également dans Home by Another Way, une pièce modale qui prend le temps de respirer. La contrebasse se joint au piano pour la faire chanter, en effleurer les notes joyeuses. Sa coda abrupte nous projette dans l’univers mélodique de Steve Swallow. Enregistré par ce dernier en septembre 1979 à New York pour ECM, Some Echoes se développe à nouveau autour d'un ostinato tenu par le piano. Violon, batterie et contrebasse jouée à l’archet font lentement danser leurs timbres. L’exposition majestueuse du thème par Régis Huby est un des grands moments du disque que Be Vigilant, une pièce free et agressive, semble diviser en deux parties. Open Land et sa mélodie très lente et très belle dont s’empare un piano mélancolique refroidit cette lave en fusion. Romy et son délicieux balancement lui succède, le disque se terminant par une reprise alanguie de Folk Song for Rosie. Car ici les tempos sont presque toujours lents. Loin de se laisser enfermer par des barres de mesure, la musique évolue librement sous l’action du travail collectif des musiciens qui prennent le temps de développer leurs idées, tant mélodiques que rythmiques. Ces instants, ces moments qu’ils partagent (Instant Sharings) nous sont infiniment précieux.

Décédé en juillet 2014, Charlie Haden a toujours apprécié les chants révolutionnaires espagnols et latino-américains. La musique cubaine l’a également fasciné. En 1986, invité au Jazz Plaza Festival de la Havane avec son Liberation Music Orchestra, il découvre enthousiasmé Gonzalo Rubalcaba qui s'y produit avec son groupe. Le pianiste cubain a déjà enregistré trois albums pour le label allemand Messidor et quelques autres dans son île natale. Trois ans plus tard, le 3 juillet 1989 il joue avec Haden et le batteur Paul Motian au Festival de Montréal. Enregistré par Radio Canada et publié en CD, le concert révèle un virtuose au toucher percussif et à la technique stupéfiante. Comme nombre de musiciens cubains, le pianiste emprunte ses harmonies raffinées à la musique classique européenne, à Chopin et à Liszt, à Ravel et à Debussy. Le trio triomphe l‘année suivante au Festival de Montreux. Toshiba-EMI / Blue Note offre au pianiste un contrat d’enregistrement et édite le concert. En 1991 paraît “The Blessing”. Enregistré en studio à Toronto avec Charlie Haden et le batteur Jack DeJohnette, il contient Sandino, depuis longtemps au répertoire du Liberation Music Orchestra. “Tokyo Adagio” en donne une version apaisée et lyrique. Le pianiste efface son aspect latin, l’habille d’harmonies élégantes. Il a canalisé sa fougue, détache chacune de ses notes, les fait chanter et respirer. Les combinaisons d’accords, de couleurs, le préoccupent bien davantage que le rythme. Nous sommes en 2005. Gonzalo Rubalcaba et Charlie Haden se produisent au Blue Note de Tokyo. Ils ont fait d'autres disques ensemble. En 2000, Profitant d'un séjour à Miami, ils gravent avec quelques musiciens amis parmi lesquels Joe Lovano, Pat Metheny et David Sanchez, une douzaine de boléros, des ballades cubaines et mexicaines particulièrement appréciées du bassiste.

L’album s’intitule “Nocturne” et sa première plage, En la Orilla del Mundo, un thème de Martín Rojas guitariste et bassiste né à La Havane en 1944, est aussi la première de “Tokyo Adagio”. Les deux hommes prennent leur temps pour en exposer la mélodie. Gonzalo l’introduit seul. Chaque note est une couleur. Haden sollicite le registre grave et médium de sa contrebasse, cale son tempo infaillible sur un piano sobre et lyrique qu’il laisse improviser. Il fait de même dans Transparence, un thème que Rubalcaba a enregistré plusieurs fois et dont “Nocturne” renferme une version. Le bassiste se réserve pour le morceau suivant, My Love and I écrit par David Raksin pour le film “The Apache”, une de ses mélodies préférées. “Today and Now”, un disque Impulse de Coleman Hawkins acheté au début des années 60 la lui révéla. Il aime cette mélodie et semble mettre toute son âme dans les notes que font naître et vibrer ses cordes. Le bassiste la reprend avec son Quartet West dans “Sophisticated Ladies” et invite Cassandra Wilson à la chanter.

Né en 1937 dans l’Iowa, Charlie Haden passe sa jeunesse à Springfield dans le Missouri. Installé à Los Angeles, il a vingt ans en 1957 lorsqu’il joue avec Art Pepper et Hampton Hawes. L’année suivante, il intègre le quintette de Paul Bley qui se produit au Hilcrest, un des clubs de la ville. Le saxophoniste du groupe, Ornette Coleman, s’apprête à faire bouger le jazz et Haden sera bientôt son bassiste. Le turbulent saxophoniste vient de publier son premier disque et “Something Else !!!!” révèle un compositeur profondément original. Nombre de ses thèmes deviendront des standards. Il contient When Will the Blues Leave que Haden et Rubalcaba interprètent dans “Tokyo Adagio”. Le pianiste en expose le thème malicieux et laisse la contrebasse le développer. Haden privilégie la concision. Sa sonorité pleine, son tempo métronomique font merveille dans ces lignes de blues que Rubalcaba reprend avec beaucoup de naturel. La prise de son met en valeur sa sonorité brillante, la découpe rythmique de son phrasé fluide.

En 2003, lors un concert donné à Austin, Charlie Haden rencontre la fille du compositeur mexicain José Sabre Marroquín (1909-1995). “Nocturne” comprend une de ses œuvres et pour le remercier, elle lui confie des partitions de son père. Enregistré en décembre 2003 à New York et publié l’année suivante, “Land of The Sun” contient huit de ses thèmes arrangés par Rubalcaba. C’est toutefois une chanson d’Agustín Lara, le célèbre Solamente Una Vez (Frank Sinatra et Elvis Presley l’ont chanté en anglais sous le titre de You Belong to My Heart) que Haden et Rubalcaba reprennent à Tokyo. Les deux hommes l’abordent sur un tempo encore plus lent. Le thème très émouvant est esquissé par un piano qui en détache toutes les notes. Tout aussi recueilli, le bassiste improvise longuement tout en ne perdant jamais de vue la ligne mélodique du morceau, comme s’il souhaitait la garder constamment en mémoire. Il existe probablement d’autres inédits de Charlie Haden, mais la musicalité de “Tokyo Adagio”, un grand disque, le rend inoubliable.

Né en 2003 à Denpassar dans l’île de Bali, Joey Alexander débute le piano à l’âge de six ans. Il en a dix en 2013, s’invite dans les festivals, se produit à l’UNESCO devant Herbie Hancock impressionné. Pris en main par une agence artistique qui compte bien partout l’exhiber, il n’a eu aucun mal à trouver une compagnie de disques. “My Favorite Things” son premier album est en vente depuis quelques jours. Un recueil de standards inégal, mais le gamin nous assomme avec une version enthousiasmante de Giant Steps enregistré avec Larry Grenadier à la contrebasse et Sammy Miller à la batterie. Le jeunot improvise avec beaucoup d’aplomb, impose son rythme, ses idées, sa force de frappe à ses partenaires qui n’en reviennent toujours pas.

Pour être sûr de ce que l’on entend, on va regarder sur le net les vidéos que Motéma, sa maison de disques, met à disposition. On y découvre un étonnant Over The Rainbow en solo et un ‘Round Midnight à faire pâlir d’envie bien des pianistes. Le nôtre joue aussi Sonrisa d’Herbie Hancock et Armando’s Rhumba de Chick Corea, pianiste qui semble l’avoir beaucoup marqué. Bien qu‘ébloui, on éprouve en même temps un malaise devant ce garçonnet de 12 ans qui donne des concerts au lieu d’aller à l’école et de jouer à d’autres jeux avec ses camarades. Enfants, Liszt et Mozart firent de même. Herbie Hancock aussi. À l’âge de 11 ans, il interprétait le Concerto en ré majeur de Mozart avec le Chicago Symphony Orchestra. Mais Joey Alexander improvise, ce qui demande non seulement de la mémoire et de la technique mais aussi des idées. Rien ne dit qu’il sera en mesure de composer des œuvres personnelles, de devenir un grand du jazz. Laissons le donc grandir ! Pour l’heure, on se presse à ses concerts. Ce qui sort de l’ordinaire fascine. Immense pianiste, Michel Petrucciani n’aurait probablement jamais conquis un si large public sans son handicap. Au risque d’en payer plus tard le prix, Joey le phénomène attire déjà les foules par son jeune âge. Prions pour lui.

-Andy Sheppard au Duc des Lombards le 4 avec une version augmentée de son Trio Libero. Le guitariste Eivind Aarset rejoint ainsi le saxophoniste et ses deux complices, Michel Benita et Sebastian Rochford. Ses nappes de sons, les effets électroniques qu’il tire de sa guitare enrichissent la musique. Il apporte aussi un tissu harmonique qui permet à Sheppard de créer des paysages que parcourent de grands fleuves tranquilles, de faire naître une bande-son d’un grand lyrisme. “Surrounded by Sea”, son nouvel album, en bénéficie. Le saxophoniste y fait chanter ses notes, improvise des chorus mélodiques qu'il est bon d’écouter.

-Toujours le 4, le batteur Edward Perraud fête au Studio de l’Ermitage la sortie de “Beyond the Predictable Touch”, second album de son Synaesthetic Trip, une formation qu’il constitua en 2011 et qui comprend Bart Maris à la trompette et au bugle, Benoît Delbecq au piano et aux claviers et Arnaud Cuisinier à la contrebasse. Tous utilisent sans en abuser l’électronique pour modifier les timbres de leurs instruments, enrichir la palette sonore de leur groupe qui modernise le jazz et jette de nombreux ponts entre les musiques. Leur nouveau disque bénéficie aussi de la présence de deux autres souffleurs, Daniel Erdmann au saxophone ténor et Thomas de Pourquery au saxophone alto. Ils seront également sur scène pour en jouer le répertoire.

-Le 6, c’est au tour de Fabien Mary de fêter la sortie de son nouveau disque. Enregistré à New York qu’il a habité plusieurs années, “Three Horns, Two Rhythm” (Elabeth) réunit trois cuivres, une contrebasse et une batterie. Les musiciens américains de l’album ne pouvant être présents, le trompettiste fait appel à deux autres souffleurs – Michael Joussein (trombone) et David Sauzay (saxophone ténor) –, Gilles Naturel (contrebasse) et Andréa Michelutti (batterie) assurant la rythmique. Sans piano pour poser des harmonies, asseoir la tonalité, le nouveau répertoire qu’il a composé pour ce nouvel album met en valeur les cuivres, leurs associations de timbres. En vente depuis le 12 mai, il est tout à fait recommandable.

-Ouverture du Paris Jazz Festival au Parc Floral de Vincennes le 7 juin avec à 14h15 un concert de Stéphane Kerecki en quartette avec John Taylor (piano), Émile Parisien (saxophone soprano) et Fabrice Moreau (batterie). Un concert parrainé par l’ADAMI dont Stéphane est un des « Talents Jazz 2015 ». Au programme, de larges extraits de “Nouvelle Vague”, un album dans lequel le bassiste reprend des musiques de Michel Legrand, Georges Delerue, Antoine Duhamel et Martial Solal.

-Ne manquez pas le même jour à 19h00 le concert de soutien aux victimes du séisme du Népal au New Morning organisé par Partage dans le Monde, association à but humanitaire qui depuis 20 ans construit et fait fonctionner en Inde des dispensaires médicaux et développe des actions dans les villages isolés et défavorisés du Népal (construction d’écoles, projets d’accès à l’eau potable, etc.). Pour leur venir en aide et avec le soutien fédérateur du pianiste Nicola Sergio, l’association a mobilisé neuf jazzmen de renom. Deux sets sont prévus. Le premier fera entendre Nicola Sergio avec Matteo Pastorino (clarinette), Basile Mouton (contrebasse) et Luc Isenmann (batterie). Suivront le guitariste Federico Casagrande et le pianiste Guillaume de Chassy, tous les deux en solo. Roberto Cherillo (piano et chant) et les pianistes François Popineau et Benjamin Moussay tous les deux en trio avec Basile Mouton et Luc Isenmann animeront le second set.

-Jacky Terrasson & Friends à l’Olympia le 9 juin (20h30), pour un concert de soutien à Care France, réseau humanitaire apolitique et non confessionnel présent dans 87 pays qui s’attaque aux causes profondes de la pauvreté. C’est la première fois que le pianiste se produit dans cette salle, et de nombreux amis seront à ses côtés. On annonce les chanteuses Cécile McLorin Salvant, Anne Sila et Mathilde (toutes deux découvertes dans l’émission The Voice), le chanteur Sly Johnson, l’incontournable Stéphane Belmondo au bugle, et Marcio Faraco, guitariste et chanteur brésilien. Thomas Bramerie à la contrebasse, le batteur cubain Lukmil Perez et le percussionniste argentin Minino Garay assureront la section rythmique.

-Nouvelle signature du catalogue Impulse, la chanteuse et pianiste Sarah McKenzie se produira trois soirs de suite et pour six concerts, les 11, 12 et 13 juin, au Duc des Lombards. Âgée de 27 ans, cette jeune australienne depuis peu installée à Paris a étudié le jazz au Berklee College of Music de Boston et a participé à plusieurs festivals américains et européens. D’autres (Juan-les-Pins, Marciac) attendent sa venue cet été. Lauréate du prix du meilleur album de jazz australien (ARIA), la chanteuse n’est pas sans évoquer Diana Krall dans ses premiers albums. Elle partage avec cette dernière une admiration indéfectible pour les standards du jazz. Enregistré à New York, “We Could be Lover” dont la sortie française est programmée en octobre contient ainsi des thèmes de Cole Porter, George Gershwin, Henry Mancini, Duke Ellington et Jerome Kern. Pour ses concerts parisiens, elle sera accompagnée par Jo Caleb (guitare), Pierre Boussaguet (contrebasse) et Gregory Hutchinson (batterie).

-Retour au Parc Floral de Vincennes samedi 13 et dimanche 14 pour un week-end 100% italien proposé par le Paris Jazz Festival. Le 13 à 21h00 (Espace Delta), le maestro Enrico Pieranunzi se produira en trio avec Gabriele Mirabassi (clarinette) et Diego imbert (contrebasse). Le nom du groupe : Nuovi Racconti Mediterranei. Le 14 à 14h00, ne manquez pas Giovanni Guidi en solo (photo). L’ancien pianiste d’Enrico Rava a récemment fait paraître sur ECM un disque très séduisant. Le même jour à 15h30, c’est au tour d’Enrico Rava d’occuper l’Espace Delta avec une formation renouvelée. Stefano Di Battista (saxophone alto), Francesco Diodati (guitare) et Enrico Morello (batterie) entourent le trompettiste qui ne conserve que Gabriele Evangelista, son bassiste.

-Le 16, Yonathan Avishai et les musiciens de son trio – Yoni Zelnik (contrebasse) et Donald Kontomanou (batterie) – retrouvent le Duc des Lombards pour (re)fêter la sortie de “Modern Times” (Jazz & People), disque dans lequel le pianiste économise ses notes. Habilement modernisés, les standards qu’il reprend – I Got it Bad (and That Ain’t Good) de Duke Ellington, Cornet Chop Suey de Louis Armstrong – gagnent en lisibilité, se refont une jeunesse. Dotées de rythmes et de mélodies traversées par le blues, ses compositions bénéficient du même traitement minimaliste. Peu de notes mais un jazz qui respire et qui swingue, l’excellente section rythmique du pianiste leur donnant rythme et tension.

-Les compositions colorées de Romain Collin possèdent des qualités mélodiques indéniables. Outre “Slow Down (This Isn’t the Mainland)” (2014) enregistré avec le trio The North, disque qui m’a permis de le découvrir, le pianiste qui est né en France et habite en Amérique a publié trois albums sous son nom. Dans “Press Enter”, son disque le plus récent produit par Matt Pierson (Brad Mehldau, Joshua Redman), le trio qui l’accompagne – Luques Curtis (contrebasse) et Kendrick Scott (batterie) – est parfois rejoint par quelques invités. Brillant sur tempo rapide, il possède un jeu sensible qu’il met au service des mélodies qu’il invente. On l’écoutera le 18 sur la scène du Duc des Lombards avec Felipe Cabrera (contrebasse) et Diego Pinera (batterie).

-Après s’être produite sur la Péniche Le Marcounet, Marjolaine Reymond, chanteuse inclassable qui mêle jazz et bel canto, sprechgesang et effets électroniques, monte à bord de l’Improviste amarrée quai d’Austerlitz le 19 (21h00). Avec Julien Pontvianne (saxophone ténor et clarinette) David Patrois (vibraphone), Xuan Lindenmeyer (contrebasse) et Stefano Lucchini (batterie), Marjolaine nous dévoilera quelques morceaux de “Demeter No Access”, son prochain album. Elle interprétera également de larges extraits de “To Be an Aphrodite or not to Be”, un disque de 2013 consacré à la poétesse Emily Dickinson (1830-1886), un oratorio en trois parties, un petit théâtre hors du temps et aux images sonores inoubliables.

-Dans le cadre de son Festival Jazz Vocal, le Sunside consacre deux soirées et quatre concerts (18 et 19 juin) aux Voice Messengers, huit chanteurs et chanteuses qu’accompagne une section rythmique. Dans ce big band vocal le rôle des cuivres est tenu par les chanteurs qui prennent des chorus comme le font les instruments. Fondateur et directeur artistique de la formation, Thierry Lalo en est aussi le pianiste. Rose Kroner, Anne-Marie Jean, Chloé Cailleton, Solange Vergara, Manu Inacio, Larry Browne, Sylvain Belgarde et Pierre Bodson assurent les voix. Raphaël Dever tient la contrebasse et Frédéric Delestré la batterie. Leur album “Lumières d’Automne” (Black & Blue) a reçu le Prix du Jazz Vocal de l’Académie du Jazz en 2008.

-Melody Gardot s'offre trois jours de concerts à l’Olympia (du 26 au 28 juin) après un passage deux jours plus tôt (le 24) à l'Archéo Jazz Festival de Blainville-Crevon, un village cher à mon cœur pour des raisons que je ne vous raconterai point ici. Trois ans après “The Absence”, la chanteuse fait paraître début juin “Currency of Man”, son quatrième album, un enregistrement en studio pour lequel elle fait à nouveau appel au producteur Larry Klein. Un extrait mis en images (promotion oblige) nous en a été dévoilé, Same to You, un blues tirant vers la soul que rythme une basse puissante, des riffs de cuivres efficaces arrangés par Jerry Hey. Le disque (que j'ai depuis écouté en entier) a été enregistré à l’ancienne à Los Angeles. Amplis à lampes, bandes analogiques contribuent à lui donner une sonorité exceptionnellement chaude. On a hâte d’en découvrir le répertoire sur scène.

-Concert de sortie au Triton de “Instant Sharings” (Label La Buissonne), disque solaire de Bruno Angelini réunissant Régis Huby au violon, Claude Tchamitchian à la contrebasse et Edward Perraud à la batterie. C’est le 1er juillet à 21h00, mais je préfère l’annoncer dès maintenant. L’album dont vous lirez bientôt la chronique a été enregistré aux studios La Buissonne par Gérard de Haro. La prise de son, superbe, met en valeur la musique souvent onirique du pianiste, un jazz de chambre privilégiant la mélodie. Des musiciens inventifs y déclinent des paysages aux harmonies et aux couleurs délicates. On entre dans les images qu’ils suggèrent. Il fait bon s’y promener.

J’ai découvert Jeremy Udden en 2009 lors de la sortie de “Plainville” son deuxième disque, intrigué par l’instrumentation inhabituelle de sa formation, la sonorité diaphane de son saxophone alto et l’originalité de sa musique, un jazz blues teinté de folk et de country music, une musique évoquant la ruralité de la grande Amérique. Le bassiste Nicolas Moreaux m’était inconnu avant la parution de “Fall Somewhere”, grand prix du disque de l’Académie Charles Cros en 2013, un double disque atmosphérique à la croisée du jazz et d’autres musiques populaires qui possède de nombreuses similitudes avec l’univers d’Udden. Comparez le morceau Plainville (petite ville de la Nouvelle Angleterre entre Boston et Providence qui porte le nom de son groupe) avec Far ou la première partie de Oak, deux plages du disque de Moreaux, pour vous en convaincre. Mêmes harmonies délicates et feutrées, instrumentation similaire accordant une large place aux guitares.

De passage à Paris, Udden rencontra Moreaux et sympathisa avec lui. Les hommes eurent alors l’idée de composer et d’enregistrer la musique d'un film imaginaire dont l'action se situerait à Belleville, le Brooklyn français, le studio Pigalle accueillant cette rencontre franco-américaine en mars 2012. Udden fit le voyage avec Peter Rende (claviers) et RJ Miller (batterie), tous deux membres de Plainville. Condisciple d’Udden au New England Conservatory (Boston) et auteur d’un album dont l’instrumentation est semblable à celle de ses disques (“Horses”), Robert Stillman, tient le saxophone ténor. Moreaux lui rend ouvertement hommage dans “Beatnick” son disque précédent. Pierre Perchaud qui joue dans les deux albums que ce dernier a enregistrés assure les guitares et le banjo. Associé à l’orgue à pompe et au beat volontairement rudimentaire que délivre la batterie, l’instrument occupe une place importante dans la musique d’Udden (et dans celle de Stillman), lui donne une couleur champêtre non négligeable.

Car, s’il possède une discrète « french touch », c’est bien l’Amérique et ses musiques que célèbre ce disque. Il est toutefois singulier de constater que son dernier morceau, Healing Process, un rock lourd et énergique très différent des autres plages de l’album, est une composition de Moreaux. Écrit par Udden, construit sur un mode diatonique et générant de vraies improvisations, Belleville en est la pièce la plus jazz. Les autres morceaux aux orchestrations soignées et climatiques évoquent souvent des images. MJH, dédié au bluesman Mississipi John Hurt et Nico, un portrait de Moreaux par Udden, enthousiasment par leurs couleurs et leur fort potentiel lyrique. Jeremy et sa belle mélodie répétée ad libitum et Albert’s Place, une courte et tendre ritournelle, deux thèmes que l’on doit à Moreaux, sont également très séduisants. L’album est très court, à peine quarante minutes, mais sa musique heureuse le rend très attachant.