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9 octobre 2020 5 09 /10 /octobre /2020 09:31
Sur quelques disques déjà parus (1)

Retardé de plusieurs mois par un virus tenace qui continue d’inquiéter, “Skin in the Game” de David Linx est dans les bacs des disquaires depuis le 18 septembre. J’en publie la chronique à l’occasion du concert que le chanteur donne en octobre au New Morning. Ce même 18 septembre paraissait “Faune”, un opus très remarqué du batteur Raphaël Pannier. Le 19 juin sortait “Les heures propices” de Franck Tortiller et Misja Fitzgerald-Michel. Enfin le 28 août étaient mis en vente “1291” du trio Humair / Blaser / Känzig et le “No Solo” d’Andy Emler. Ma chronique élogieuse de ce dernier peut vous surprendre, mais contre toute attente, il est inoubliable.

Andy EMLER : “No Solo” (La Buissonne / Pias)

Tout en la respectant, je ne suis guère sensible à la musique d’Andy Emler. Ses arrangements millimétrés pour son MegaOctet me laissent froid malgré les excellents musiciens qui l’entourent. Je n’en crois pas mes oreilles en découvrant ce “No Solo”, voyage musical au sein duquel les compositions du pianiste bien qu’écrites sur mesure pour ses invités, s’ouvrent à l’imprévu et irradient un feeling inhabituel. Ces pièces aménagées comme une suite, Andy Emler les a enregistrées en solo avant de les confier aux musiciens pour lesquelles elles ont été pensées, chacun d’eux rajoutant en re-recording dans un autre studio sa propre partie instrumentale ou vocale. “No Solo”, pas vraiment car les deux premières pièces de l’album, Andy Emler les réserve à son seul piano avant que l’instrument ne donne le jour à des duos et à des trios, à une musique qui s’éveillant à la lumière, devient quasi orchestrale. Les harmonies lumineuses de The Warm Up évoquent les envolées lyriques de “Selling England By The Pound”, l’un des grands disques de Genesis. Une flûte admirable, celle de la syrienne Naïssim Jalal plonge For Nobody dans un bain de douceur. Les voix de l’iranienne Aïda Nosrat, de la malienne Aminata « Nakou » Dramé  que la kora de Ballaké Sissoko accompagne, de Thomas de Pourquery chantant comme Robert Wyatt humanisent une musique sensible et colorée qui devient pure magie lorsque Géraldine Laurent y insuffle son âme, longues et miraculeuses notes de saxophone alto portées par un ostinato de piano envoûtant.

HUMAIR / BLASER / KÄNZIG : “1291” (OutNote / Outhere Music)

Premier disque qu’enregistrent ensemble Daniel Humair (batterie), Samuel Blaser (trombone) et Heiri Känzig (contrebasse), “1291” fait entendre une musique ouverte et inventive jouée sans filet par un trio interactif à l’instrumentation inhabituelle. Samuel Blaser nous est connu pour son éclectisme musical, son jeu énergique. Entre ses mains, l’instrument fait entendre une voix nouvelle, des sonorités inouïes. Le tromboniste tord souvent le cou à ses notes, les fait grogner et crier. Mais c’est aussi un grand mélodiste qui n’hésite pas à actualiser le blues et à dépoussiérer des œuvres de Claudio Monteverdi ou de Guillaume de Machaut comme en témoigne sa discographie. Daniel Humair aime lui aussi les défis, les combinaisons sonores improbables qu’il nourrit d’un drumming très libre. Associée à la contrebasse ronde et puissante d’Heiri Känzig qui pratique aussi un jeu mélodique, sa batterie colore la musique et porte haut le langage expressif du trombone, l’absence d’un piano ou d’une guitare offrant une grande liberté harmonique au trio. Le titre de l’album, fait référence à la Suisse, leur terre natale, fondée en 1291 par un pacte fédéral unissant les cantons d’Uri, de Schwytz et de Nidwald. Outre des compositions originales, le répertoire comprend des pièces d’Edward Kid Ory et de Sidney Bechet (Les Oignons) le grégorien d’un saint neuchâtelois, un cantique et un chant traditionnel suisses (Guggisberglied). Trois jazzmen d’exception nous en livrent des versions modernes et inattendues qu’il faut absolument écouter.  

David LINX : “Skin in the Game” (Cristal / Sony Music)

Ses musiciens  – Gregory Privat (piano), Chris Jennings (contrebasse) et  Arnaud Dolmen (batterie) –, le chanteur les a rencontrés le 14 février 2018, jour de la Saint Valentin, sur la scène de l’Auditorium de Radio France. De ce coup de foudre musical résulte cet opus, l’un des meilleurs enregistrements de David Linx qui, idéalement accompagné, se livre et donne le meilleur de lui-même. Plusieurs morceaux particulièrement réussis, rendent hommage à des femmes qui comptent ou ont compté dans sa vie. Prophet Birds est dédié à la romancière Toni Morrison, Azadi à Aisha Karefa-Smart, la nièce de l'écrivain James Baldwin que David évoque dans la pièce qui donne son nom à l'album, et On the Other Side of Time à l’épouse de Claude Nougaro. Sa voix expressive impressionne par sa justesse, l’émotion qu’elle dégage, les sentiments qu’elle exprime. Invitée sur plusieurs plages, la guitare de Manu Codjia colore très subtilement l’espace sonore. Auteur de ses textes, David s’implique (« Skin in the Game » signifie s’impliquer, se positionner), chante haut et fort la beauté du monde et ses musiques splendidement orchestrées nous la fait approcher.    

Raphaël PANNIER : “Faune” (French Paradox / L’autre distribution)

Agencé comme une seule et grande pièce dont chaque morceau est l’un des éléments, “Faune”, enregistré à New York sous la direction artistique du saxophoniste Miguel Zenón, est le premier disque que le batteur Raphaël Pannier publie sous son nom. Il rassemble des compositions originales habiles et séduisantes (l’étonnant Lullaby porté par l’alto de Zenón), des thèmes écrits par des jazzmen (Lonely Woman d’Ornette Coleman, ESP de Wayne Shorter) mais aussi Forlane de Maurice Ravel et Le Baiser de l’Enfant-Jésus d’Olivier Messiaen qui bénéficient d’arrangements très séduisants et du piano de Giorgi Mikase (présent également dans Monkey Puzzle Tree), Aaron Golberg le jouant dans les autres morceaux. Réduite à un saxophone alto, un piano, une contrebasse et une batterie, l’instrumentation parvient à donner une grande richesse de timbres à ce jazz moderne rythmiquement complexe que soutient avec brio la contrebasse attentive de François Moutin. Une seule réserve, la batterie trop présente laisse peu respirer la musique. Pourquoi constamment saturer l’espace sonore de coups de cymbales, de roulements intempestifs ? Colorer la musique, oui, mais un drive plus discret aurait sûrement mieux convenu à celle, superbe, qu’il a si finement arrangée.

Sur quelques disques déjà parus (1)

Franck TORTILLER / Misja FITZGERALD-MICHEL :

“Les heures propices” (Label MCO / Socadisc)

Depuis qu’il avait entendu Misja Fitzgerald-Michel interpréter en concert son disque autour de la musique de Nick Drake, “Time of no Replay”, Franck Tortiller souhaitait jouer avec lui. Après avoir tester en quartette la musique d’un album, ils choisirent de l’enregistrer en duo et sans aucune amplification, l’absence d’une section rythmique pour les accompagner leur permettant de retrouver le son naturel de leurs instruments, un son acoustique qui convient parfaitement aux mélodies qu’ils interprètent, un son chaud qu’ont capté avec précision les vieux micros à ruban de l’ingénieur du son Ludovic Lanen. Des compositions originales séduisantes de Franck Tortiller, mais aussi Air, Love and Vitamins écrit par le guitariste autrichien Harry Pepl, aujourd’hui un standard, et une délicieuse version de Redemption Song que Bob Marley enregistra en 1980 en constituent le programme. Utilisant deux guitares (6 et 12 cordes), Misja fait entendre les belles sonorités de ses instruments, son jeu folk et mélodique répondant aux notes cristallines du vibraphone de Franck. Se répartissant avec bonheur des chorus fluides et inspirés, les deux hommes donnent vie à une musique heureuse, reflétant la joie qu’ils éprouvent à la jouer.

Crédits Photos : Andy Emler © Christophe Charpenel – Misja Fitzgerald-Michel & Franck Tortiller © Jean-Baptiste Millot.

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1 octobre 2020 4 01 /10 /octobre /2020 09:15
Hal Singer, je me souviens…

Octobre. Triste rentrée avec le décès d’Hal Singer, parti paisiblement dans sa maison de Chatou le 18 août. Hal aurait eu 101 ans le 8 octobre. Sa très longue vie l’avait amené à jouer du saxophone dans les orchestres de Jay McShann, Willie The Lion Smith, Roy Eldridge, Don Byas, Lucky Millinder, Duke Ellington – pour citer les plus connus – et à accompagner Ray Charles, Dinah Washington, Big Joe Turner et Wilson Pickett. À Paris en 1965, il rencontra Arlette, son épouse et mère de ses deux filles. C’est par son intermédiaire que je fis sa connaissance à la fin des années 80 dans les bureaux de Jazz Hot, passage de la Boule Blanche. Une visite qu'ils rendaient à Philippe Adler alors rédacteur en chef du journal. La simplicité, la gentillesse d'Hal Singer m’avaient beaucoup touché. Arlette s’occupait de ses affaires et en janvier 1992, je la retrouvai dans mon bureau de la FNAC Music, rue du Cherche-Midi.

 

Deux ans plus tôt à Moscou, Hal avait tenu l’un des rôles principaux de “Taxi Blues”, un film de Pavel Lounguine que le festival de Cannes avait récompensé en 1990 en lui attribuant le Prix de la Mise en Scène, et il souhaitait enregistrer un nouveau disque à New York. J’obtins l’accord de la FNAC pour le sortir sur leur label, mais, trop occupé pour m’y rendre moi-même, je confiai à François Lacharme le soin de superviser la séance et de le produire pour Asi’s House, la société de production d’Arlette. Entouré d’excellents musiciens – Steve Turre (trombone), Richard Wyands (piano), Lisle Atkinson (contrebasse) et Earl Williams (batterie) –, “No Rush” est le dernier grand album d’Hal Singer. Je ne suis pas peu fier d’en avoir été le producteur exécutif et d’en avoir permis la sortie. Hal m’avait alors très gentiment dédicacé ses mémoires co-écrites avec son épouse.  

 

Resté en relation avec Arlette, j’eus le bonheur d’assister le 5 octobre 2014 au dernier concert public qu’il donna à Paris dans la salle de concert des Ateliers du Chaudron. Accompagné par ses amis Steve Potts, Alain Jean-Marie, Darryl Hall et Sangoma Everett, Hal fêtait alors avec quelques jours d’avance son 95ème anniversaire. Je lui rendis visite avec Bénédicte l’année suivante. Cet homme délicieux avait alors perdu la vue, mais il vivait heureux avec ses souvenirs dans cette maison de Chatou qu’il occupait avec Arlette depuis 2002. Cet édito lui est dédié.

 

Tristesse également avec la disparition de Gary Peacock le 4 septembre. Né à Burley (Idaho) en 1935, bassiste de Paul Bley et plus occasionnellement de Bill Evans (“Trio ‘64”), il voyagea beaucoup, faisant le tour du monde au sein du trio de Keith Jarrett. Il vécut quelques années au Japon, curieux de sa culture, de sa langue, apprenant à la parler couramment. La belle plume de Francis Marmande lui a consacré un article détaillé dans Le Monde*, mais c’est Marc Copland, le pianiste de ses derniers albums, qui lui rend dans le magazine en ligne Citizen Jazz** l’hommage le plus émouvant. Marc connaissait depuis 1983 le contrebassiste qui « heureux quand la musique était bonne » nous transmettait sa joie.

 

C’est la rentrée, une rentrée masquée. Ce n’est pas sans crainte que l’on fréquente les lieux publics, que l'on retourne au concert. Les jazzmen américains pouvant difficilement arriver jusqu'à nous, les clubs de jazz ouvrent plus largement leur programmation aux musiciens français. Comme chaque année, ceux de Paris Ile-de-France font leur festival. L’édition 2020 de Jazz sur Seine rassemble 20 clubs et propose 150 concerts. Ma rubrique « Quelques concerts qui interpellent » qui redémarre ce-mois-ci est partiellement consacrée aux plus intéressants. Jazz en Tête est l’autre festival d’octobre à ne pas manquer. Célèbre pour ne programmer que du jazz qui ressemble à du jazz, le festival clermontois fête cette année ses 33 ans d’existence et s’ouvre au « jazz monde », au flamenco, aux rythmes et aux couleurs de Cuba, du Brésil et d’Afrique. 

  

*Le Monde du vendredi 11 septembre. Passant sa carrière et sa discographie en revue, Francis Marmande ne parle pas de Tethered Moon, trio réunissant autour de Gary Peacock le pianiste Masabumi Kikuchi et le batteur Paul Motian. Sept albums enregistrés entre 1990 et 2002, ce n’est pas rien !

 

**Un article traduit du London Jazz News. “Gary Peacock, le curieux”, Citizen Jazz, édition du 13 septembre 2020. www.citizenjazz.com/Gary-Peacock-le-curieux.html?utm

 

QUELQUES CONCERTS ET QUELQUES DISQUES QUI INTERPELLENT

 

Reprise de cette rubrique interrompue le 17 mars par le confinement général. Nombreux sont les disques qui devaient paraître au printemps et qui sortent aujourd’hui, d’où le grand nombre de « concert de sortie d’album » que proposent les clubs ce mois-ci. Si vous ne craignez pas un virus toujours actif et dangereux, sous réserve d'annulations (de nouvelles mesures restrictives imposent la fermeture des bars à 22h00 à partir du lundi 28 septembre et pour quinze jours), n’hésitez pas à vous y rendre avec vos masques, aussi indispensables aujourd’hui que vos clefs et votre portefeuille.

Entré en vigueur le vendredi 16 octobre à minuit, le couvre-feu a contraint certains clubs à modifier leurs horaires, le Duc des Lombards annonçant sa fermeture pour six semaines. J’ai tenu compte de ces changements, mettant à jour les concerts annoncés dans ce blog. Je vous conseille toutefois de vérifier ces informations sur les sites internet des clubs avant de vous y rendre. On n’est jamais assez prudent.

-Sébastien Lovato au Sunside le 2 octobre (20h30). On l’y attendait six mois plus tôt le 2 avril pour fêter la sortie de “For Virginia” (Acel / Quart de Lune / UVM), un hommage à Virginia Woolf. Avec retard, son disque est enfin disponible ce qui ne vous dispense pas d’en écouter la musique sur scène. Après deux albums en quartet, le pianiste étoffe sa formation et change de section rythmique. Brunehilde Yvrande (slam et chant), Antoine Berjeaut (trompette, bugle), Manu Codjia (guitare), Yves Torchinsky (contrebasse), Luc Isenmann (batterie) accompagnent ses claviers (piano et fender rhodes) et donnent des couleurs à des compositions originales très séduisantes. La Pavane de Gabriel Fauré arrangée pour piano, contrebasse et batterie et une version très Nouvelle-Orléans d’Amazing Grace en sont les seules reprises.

-L’Espace Sorano de Vincennes inaugure sa nouvelle saison musicale le 3 avec Laurent Coulondre. En trio avec Linley Marthe à la basse et André Ceccarelli à la batterie, le pianiste jouera le répertoire de son album “Michel on My Mind”, Prix du Disque Français 2019 de l’Académie du Jazz. Michel, c’est bien sûr Michel Petrucciani que Laurent, plus jeune que lui, n’a jamais rencontré mais dont la musique depuis toujours fait chavirer son cœur. Son disque rassemble onze compositions de Michel, trois d’entre-elles, Memories of Paris, Looking Up et Bite, étant empruntées à son album “Music”. Laurent interprète également Les Grelots d’Eddy Louiss à l’orgue Hammond et signe quelques compositions originales dont le très beau Michel On My Mind qui donne son nom à l’album.

-Mélanie Dahan qui devait se produire au Pan Piper le 20 mars fête le 3 octobre au Sunside (19h00 et 21h00) la sortie de son disque “Le chant des possibles” (Backstage Production / L’Autre distribution). Un opus qui lui ressemble et dans lequel elle chante et célèbre des poètes sur des musiques du pianiste Jeremy Hababou qui sera avec elle sur scène. Benjamin Petit (saxophone),  Marc Benham (claviers), Jeremy Bruyère (contrebasse) et Arthur Alard (batterie) qui entourent Mélanie dans l’album seront également présents.

-C’est aussi avec six mois de retard que Jean-Pierre Como présentera son album “My Little Italy” (Bonsaï Music / L’autre distribution) le 5 au Bal Blomet (20h30). Comprenant quelques compositions originales mais largement consacré à des reprises de chansons italiennes dont les belles mélodies interpellent, cet opus met en valeur la voix suave du chanteur Walter Ricci qui prolonge avec bonheur les lignes mélodiques élégantes des chorus de piano de Jean-Pierre. Superbement enregistré par Philippe Gaillot au Studio Recall (Pompignan), “My Little Italy” rassemble également Felipe Cabrera et Rémi Vignolo (contrebasse), André Ceccarelli (batterie) et Minino Garay (percussions). Tous seront présents au Bal Blomet pour en célébrer officiellement la sortie.

-Comme chaque année en octobre, à l’initiative de l’association Paris Jazz Club qui fêtera son 14ème anniversaire, les clubs de jazz de Paris et de la région parisienne font leur festival. 150 concerts, 450 musiciens et 20 clubs les accueilleront entre le 9 et le 24 octobre. C’est ce que propose la 9ème édition de Jazz sur Seine. Manifestation culturelle incontournable de l’automne, le festival maintient inchangée sa politique tarifaire. Comme l’an dernier, pour 40 euros, un « pass » à utiliser dans trois lieux différents donne accès à trois concerts. Une « offre découverte » (10 euros) est également proposée aux étudiants, demandeurs d’emploi et élèves de conservatoires. En partenariat avec l’ADAMI, une soirée Showcases (entrée gratuite selon les places disponibles) se déroulera le mardi 13 octobre dans cinq clubs du quartier des Halles afin de découvrir seize groupes ou artistes de la nouvelle scène jazz française. Développé par Paris Jazz Club, un volet d’actions culturelles (master-classes, ateliers de musicothérapie et de sensibilisation au jazz) est également proposé. Faisant l’objet de notices, les concerts signalés Jazz sur Seine (JsS) rentrent dans le cadre de cette manifestation.

-Au Sunside le vendredi 9 (à 20h30) et  le samedi 10 octobre (à 20h00) le saxophoniste Baptiste Herbin, Prix Django Reinhardt 2018 de l’Académie du Jazz, jouera le répertoire de son nouvel et quatrième album, “Vista Chinesa”, enregistré à Rio de Janeiro avec d’excellents musiciens brésiliens parmi lesquels le pianiste Eduardo Farias et les saxophonistes Idriss Boudrioua et Ademir Junior. Un disque fort, trempé dans la samba, la bossa et la soul qui se referme sur un duo piano / saxophone de toute beauté. Présente sur trois plages, la chanteuse Thais Motta affaiblit un peu l'album. Je ne sais rien de Diana Horta Popoff qui la remplacera sur la scène du Sunside, mais les musiciens qui entourent Baptiste pour ce concert – Pierre de Bethmann (piano), Mathias Allamane (contrebasse) et Émile Saubole (batterie) – garantissent une soirée mémorable (JsS).

 

-Au Triton le 10 (20h00), Benjamin Moussay croisera un piano acoustique et un synthétiseur modulaire, deux mondes sonores qu’il fera se rejoindre, poétisant leurs timbres et révélant leurs richesses. Enregistré sur un piano acoustique, “Promontoire”, son premier album solo pour ECM, nous a récemment beaucoup séduit par la qualité de sa musique (JsS).

-Le 12 au New Morning (21h00), David Linx présentera son nouvel album “Skin in the Game” (Cristal / Sony Music), un disque au packaging très soigné et à la musique souvent enthousiasmante dont vous pourrez lire prochainement la chronique dans ce blog. Pour l’accompagner, Gregory Privat (piano), Chris Jennings (contrebasse) et Arnaud Dolmen (batterie), des musiciens qui, en osmose avec lui, contribuent beaucoup à la réussite de ce joyau de sa discographie. Guitariste invité, Manu Codjia rejoindra le groupe pour quelques morceaux sur la scène du club.

Hal Singer, je me souviens…

-Soirée Showcases le mardi 13 dans cinq clubs du quartier des Halles – Sunset, Sunside, Baiser Salé, Duc des Lombards et Guinness Tavern – dans le cadre du Festival Jazz sur Seine. L’entrée est libre selon la disponibilité des places. On consultera la programmation complète sur le site de Paris Jazz Club. Ne manquez pas à 19h30 au Duc des Lombards le quartette du saxophoniste Ludovic Ernault avec Manu Codjia (guitare), Enzo Carniel (piano), Florent Nisse (contrebasse) et Simon Bernier (batterie). Toujours au Duc, mais à 20h30, je vous conseille d’écouter le vibraphoniste Alexis Valet (photo) qui, avec Adrien Sanchez (saxophone) Simon Chivaillon (claviers), Damien Varaillon (contrebasse) et Stéphane Adsuar (batterie), a sorti un bien bel album l’an dernier. On se rendra également au Sunside à 21h30 pour découvrir la musique que Joachim Govin invente live dans “Present”, son nouvel opus pour le label Fresh Sound New Talent. Pour ce showcase, Ludovic Ernault remplace Ben van Gelder au saxophone, mais les autres musiciens sont ceux de l’album. La chanteuse Camille Durand (qui s’y fait entendre sous le pseudonyme d’Ellinoa), Enzo Carniel au piano, Joachim à la contrebasse et Gautier Garrigue à la batterie vous feront passer un très bon moment.

-Concert de sortie de “Remembering Jaco” (Naïve / Believe), nouvel album du Multiquarium Big Band sous la direction du batteur André Charlier et du pianiste / organiste Benoît Sourisse le 15 octobre à l’Espace Carpeaux de Courbevoie (20h45). Alignant des solistes éminents – Denis Leloup au trombone, Pierre Drevet et Claude Egéa aux trompettes, Stéphane Guillaume aux saxophones, Pierre Perchaud à la guitare pour ne citer qu’eux – l’orchestre rend hommage à Jaco Pastorius disparu depuis trente ans et invite le guitariste Biréli Lagrène qui joue sur plusieurs disques de Jaco à tenir la basse électrique. Au programme du concert et de l’album, des compositions que Jaco Pastorius enregistra avec Weather Report (Barbary Coast, Teen Town) et des morceaux de “The Birthday Concert”, “Twins”, “Invitation” et “Word of Mouth”, son album le plus célèbre (JsS).

-Le Chance Quintet d’Henri Texier au Triton le 16 (20h30). Le groupe porte le nom de son dernier album “Chance” (Label Bleu / L’Autre Distribution), l’un des plus attachant du contrebassiste. Vincent Lê Quang (saxophones ténor et soprano), Sébastien Texier (saxophone alto et clarinettes), Manu Codja (guitare) et Gautier Garrigue (batterie) avaient enregistré avec lui “Sand Woman”, toujours pour Label Bleu. Mais “Chance” est encore plus réussi. Cinecitta, Simone et Robert et Laniakea, ses ballades somptueusement orchestrées, rendent l’album inoubliable (JsS).

-Toujours le 16, mais au Sunside (20h30), le jazz de chambre lyrique et raffiné du Trio Viret interpelle également. Constitué de Jean-Philippe Viret (contrebasse), Édouard Ferlet (piano) et Fabrice Moreau (batterie), la formation a fêté l’an dernier ses vingt ans d’existence en publiant “Ivresse” sur le label Mélisse, un disque enregistré live à la Générale de Montreuil, salle dans laquelle elle donna deux concerts. On l’attendait le 17 mars au Studio 104 de Radio France. Le confinement la contraignit au silence (JsS).

-Après deux albums consacrés à William Shakespeare (“Shakespeare Songs” en 2015 sur lequel participe la comédienne Kristin Scott Thomas) et à Marlene Dietrich (“Letters to Marlene” en 2018), Guillaume de Chassy (piano), Christophe Marguet (batterie) et Andy Sheppard (saxophone) présenteront le 17 au Triton (20h30) leur nouveau projet conçu autour de textes de poètes anglais et français sur la Question Amoureuse. Les voix enregistrées de Lambert Wilson et de Delphine Lanson accompagnent dans les deux langues leur nouvelle conversation musicale dans laquelle, surgissant de la musique des mots, l’improvisation vient parfaire l’écriture (JsS).

-Raphaël Pannier au Duc des Lombards le 17 également (19h30 et 22h00) avec Baptiste Herbin (saxophone), Pierre de Bethmann (piano) et François Moutin (contrebasse). À l’exception de ce dernier, d’autres musiciens l’accompagnent dans “Faune”, le premier disque qu’il publie sous son nom et dont on parle beaucoup. Un album que le batteur a enregistré à New York, ville dans laquelle il vit depuis 2014. “Faune” (French Paradox / L’autre distribution) rassemble ses propres compositions, des morceaux d’Ornette Coleman, Wayne Shorter, Hamilton de Holanda, et des pièces du répertoire classique (Maurice Ravel et Olivier Messiaen) que Raphaël Pannier a lui-même arrangé pour un quartette de jazz. Un premier opus très mature qui s’écoute « comme une seule et grande pièce dont chaque moment est pensé, arrangé et joué dans son rapport à l’ensemble » écrit Laurent de Wilde dans ses notes de pochette (JsS). Concert annulé et reporté.

Dernière minute : Bruno Angelini (piano) et Daniel Erdmann (saxophone ténor) interpréteront le 19 à la Dynamo de Banlieues Bleues de Pantin (19h00) “La dernière nuit”, évocation de Sophie Scholl (1921-1943), jeune résistante allemande décapitée par les nazis avec son frère pour avoir imprimé et diffusé des tracts hostiles au régime et à la guerre. Souvent mélodique, la musique traduit les états d’âme de la condamnée, sa voix intérieure, ses sentiments. Les notes tendres et émouvantes du piano, le souffle expressif du saxophone expriment son espoir de vaincre la peur et d’entrer sereinement dans la mort. Vendu lors des concerts du duo, le disque, magnifique, est disponible sur les plateformes numériques (Bandcamp) et sur le site de Bruno Angelini www.brunoangelini.com

-Du 20 au 24 octobre, c’est aussi à Clermont-Ferrand qu’il faut se rendre pour écouter du jazz ressemblant à du jazz. Pour la 33ème édition de Jazz en Tête, Xavier Felgeyrolles a conçu un programme de qualité malgré une présence réduite de musiciens américains, la covid perturbant fortement leurs déplacements. Le guitariste Lionel Loueke en est cette année la vedette. En solo, il fait l’ouverture du festival le mardi 20, Jackie Terrasson en trio avec Sylvain Romano (contrebasse) et Lukmil Perez (batterie) se chargeant de la seconde partie du concert. Lionel Loueke vient de consacrer un disque à Herbie Hancock dont il a été le guitariste. Dans “HH” (Edition Records), il interprète en solo les compositions du pianiste, modifiant leurs harmonies pour les réinventer. On le retrouve le mercredi 21 au sein d’un All Stars comprenant le saxophoniste Jean Toussaint, le bassiste Darryl Hall et le batteur Jeff Ballard. Autres Têtes de ce Jazz en Tête, le saxophoniste Baptiste Herbin et le guitariste flamenco franco-espagnol Juan Carmona (le 22), le trompettiste catalan Raynald Colom suivit du duo Vincent Peirani / Émile Parisien (le 23) et le pianiste Iván « Melón » Lewis et son Cuban Swing Express (le 24). Tous les concerts sont à 20h00 et se déroulent dans la salle Jean Cocteau de la Maison de la Culture. On consultera le programme complet de la manifestation sur le site de Jazz en Tête.

-Matthieu Bordenave au Sunside le 21 (19h30) avec le pianiste Florian Weber et le bassiste Patrice Moret qui l’accompagnent dans “La Traversée”, son premier disque ECM dont les compositions oniriques s’inspirent de poèmes de René Char. C’est toutefois sur un autre album du label, “For 2 Akis” du batteur japonais Shinya Fukumori, que j’ai découvert le saxophoniste, un élève d’André Villéger installé depuis quelques années à Munich. Son ténor sonne souvent comme un alto et ses phrases chantantes, mélancoliques et diaphanes conviennent bien au jazz de chambre raffiné et mélodique qu’il propose. Florian Weber son pianiste est lui aussi un musicien très créatif. “Alba” qu’il a enregistré en 2015 en duo avec le trompettiste Markus Stockhausen témoigne de la richesse de son jeu harmonique (JsS). Concert annulé et reporté.

-Avec Adrien Moignard à la guitare et Diego Imbert à la contrebasse, Anne Ducros donna le 8 Mars un concert mémorable au Café de la Danse. On la retrouvera accompagnée par le même trio le 22 octobre au Bal Blomet (19h00), un « Sunset hors les murs » s’inscrivant dans le cadre des Jeudis de Jazz Magazine. La meilleure de nos chanteuses de jazz a fait paraître il y a quelques mois l’un de ses meilleurs albums, “Something” (Sunset Records), un disque dédié à Didier Lockwood dont je dis le plus grand bien dans ce blog, et qui capte avec précision, les nuances de son chant, le timbre de sa voix (JsS).

-Jeune et talentueux musicien à découvrir et à suivre, Simon Moullier présentera au Sunset le 23 (20h00) le répertoire de “Spirit Song” (Outside In Music), son premier album. Vibraphoniste, il utilise l’instrument de façon très originale et personnelle. Jouant aussi du balafon, des percussions et des synthétiseurs, il mêle leurs timbres et leurs textures, obtenant une pâte sonore qui donne du poids à une musique subtilement rythmée qui reste toujours mélodique. Acceptance et son étonnant foisonnement rythmique, I’ll Remember April tendrement habillé de sonorités nouvelles, Kenyalang une délicieuse ballade interprétée en quartette, en sont les moments forts. Diplômé du Berklee College of Music et du Monk Institute, Simon Moullier travaille aujourd’hui à New York avec des jazzmen renommés. Deux éminents saxophonistes de la scène new-yorkaise, Dayna Stephens et Morgan Guerin,  jouent sur son disque enregistré à Los Angeles, Brooklyn et New York City entre 2017 et 2020 avec la même section rythmique, mais des pianistes différents. Au Sunset, Simon Moullier sera accompagné par l’un d’entre eux, Simon Chivallon, Francesco Geminiani (saxophone), Mats Sandahl (contrebasse) et Francesco Ciniglio (batterie) complétant son quintette (JsS). Concert annulé.

Hal Singer, je me souviens…

-Sous la direction de Frédéric Maurin, l’Orchestre National de Jazz fêtera au Studio de l’Ermitage le 28 octobre (à 18h30) la sortie de “Rituels” (ONJ Records / L’autre distribution), double CD comprenant des compositions originales de Sylvaine Hélary, Ellinoa, Leïla Martial, Grégoire Letouvet et Frédéric Maurin. Un chœur et treize instrumentistes interprètent ces “Rituels”, réunion de textes anciens qui auraient pu avoir été écrits hier et qui bénéficient aujourd’hui d’orchestrations étonnantes, les instruments acoustiques étant seuls convoqués dans cette configuration de l'orchestre. Mêlant cordes, bois, cuivres et percussions, utilisant les voix (celles de Linda Oláh, Ellinoa, Leïla Martial et Romain Dayez) comme des instruments à part entière, l’œuvre fascine par ses couleurs, son aspect onirique, la riche texture de ses timbres, son ouverture sur d’autres musiques. Les genres se télescopent au sein d’une masse orchestrale en mouvement qui réserve de l’espace aux solistes et tisse un monde sonore aussi surprenant que poétique qui ne ressemble à aucun autre. Une création vidéo imaginée par la réalisatrice Mali Arun accompagnera l’orchestre sur scène.

-Alexandre Saada enfin au Sunside le 31 octobre (18h00) pour interpréter le répertoire de “Songs For A Flying Man” (Labrador Records), un recueil de chansons aux mélodies délicieuses écrites avec la chanteuse Mélissa Bon. Pour ce concert, Martial Bort (guitare), Thomas Pégorier (basse), Olivier Hestin (batterie) et la chanteuse Caroline Minard accompagneront le pianiste qui utilise de nombreux claviers (piano acoustique et électrique, orgue, clavinet) et pose des couleurs chatoyantes sur ses musiques.

-Au Triton le 31 octobre (18h45), Aldo Romano fêtera la sortie de “Reborn” (Le Triton / L’autre distribution), un album qui ne sera mis en vente que le 13 novembre. Le club avait accueilli le batteur en mai 2019 pour une série de concerts dont il avait carte blanche. Entouré par ses amis,  “Reborn” en fait entendre les meilleurs moments. Enregistrés avec Mauro Negri à la clarinette, Géraldine Laurent au saxophone et son vieux complice Henri Texier à la contrebasse, Annobón et Petionville baignent dans une belle lumière méditerranéenne. Avec Baptiste Trotignon au piano et Darryl Hall à la contrebasse, Aldo reprend Dreams and Waters, un morceau qui donne son nom à l’un de ses disques et qu’il a souvent joué. Enrico Rava se rajoute au trio dans une magnifique version de Positano que contient “Inner Smile”, un opus de 2011. Yoann Loustalot (trompette), Glenn Ferris (trombone) et Michel Benita (contrebasse) entourent le batteur sur deux plages, une version surprenante de Il Piacere dans laquelle Aldo retrouve le pianiste Jasper Van’t Hof aux claviers complétant ce programme séduisant.

 -Sunset-Sunside : www.sunset-sunside.com

-Espace Sorano : www.espacesorano.com/saison/

-Bal Blomet : www.balblomet.fr

-Jazz sur Seine : www.parisjazzclub.net/fr/events/festival-jazz-sur-seine-2020

-Espace Carpeaux : www.infoconcert.com/salle/espace-carpeaux-a-courbevoie-155/concerts.html

-Le Triton : www.letriton.com

-New Morning : www.newmorning.com

-Duc des Lombards : www.ducdeslombards.com

-Jazz en Tête : www.jazzentete.com

-La Dynamo de Banlieues Bleues : www.banlieuesbleues.org/dynamo/le-programme/

-Studio de l’Ermitage : www.studio-ermitage.com

 

Crédits Photos : Hal Singer © Olivier Arandel – Laurent Coulondre © Pierre de Chocqueuse – Mélanie Dahan, Raphaël Pannier, Anne Ducros © Jean-Baptiste Millot – Jean-Pierre Como Quintet © Guillaume Saix – Benjamin Moussay © Stéphanie Griguer / ECM – David Linx © Shelomo Sadak – Multiquarium Big Band © Véronique Sourisse – Henri Texier Chance Quintet, Orchestre National de Jazz © Sylvain Gripoix – Jean-Philippe Viret Trio © Grégoire Alexandre – Chrisophe Marguet / Guillaume de Chassy / Andy Sheppard © Jérôme Prébois – Bruno Angelini & Daniel Erdmann © Romu Ducros  Matthieu Bordenave © Adrian Schätz / ECM – Alexis Valet, Alexandre Saada © Photos X/D.R.

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8 juillet 2020 3 08 /07 /juillet /2020 13:37
Pause d'été

Ami(e)s lecteurs et lectrices, comme chaque été je mets ce blog en sommeil, un peu plus tôt cette année car confiné cinquante-cinq jours dans un appartement parisien, même confortable, donne envie d’avoir devant ses yeux d’autres paysages. Je m’étais promis de consacrer moins de temps à l’actualité du jazz. La Covid-19 qui a brutalement interrompu la sortie des disques et fermé les salles de concerts, m’a pourtant conduit à écrire davantage. Des chroniques sur des albums Blue Note quelque peu oubliés et une étude sur le jazz et le cinéma que je reprendrai à la rentrée ont largement occupées mes loisirs. Il vous faudra patienter pour lire la suite de cette saga que j’espère achever à l’automne car des vacances m’attendent. Je vous abandonne aux vôtres pour prendre les miennes. Passez tous un bel été et rendez-vous en septembre.

 

Photo X/D.R.

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6 juillet 2020 1 06 /07 /juillet /2020 09:32
Ambrose AKINMUSIRE : “On the Tender Spot of Every Calloused Moment”  (Blue Note / Universal)

Dans “On the Tender Spot of Every Calloused Moment”, une nouveauté de juin, Ambrose Akinmusire s’interroge sur la place des Noirs dans une Amérique raciste qui assassine impunément certains de ses enfants. Enregistré avant le meurtre de George Floyd à Minneapolis le 25 mai dernier, il témoigne de l’engagement politique de l’artiste et est parfaitement d’actualité.

En dédiant une de ses compositions, My Name is Oscar, à Oscar Grant, tué en 2009 à Oakland par un policier alors qu’il n’était pas armé, Ambrose Akinmusire dénonçait déjà les violences policières dans “When The Heart Emerges Glistening”, son premier disque pour Blue Note (le second de sa discographie), un album que prolonge “On the Tender Spot of Every Calloused Moment”. En colère, il interpelle également les forces de l’ordre qui tirent sur des Noirs désarmés dans Free, White And 21, un des morceaux d’“Origami Harvest”, un album déroutant de 2018 dans lequel le trompettiste s’efface derrière le compositeur.

 

Son instrument se retrouve à nouveau au premier plan dans ce nouvel opus enregistré avec ses musiciens habituels, un quartette dont il est le principal soliste. Avec lui,  Sam Harris, son pianiste depuis “The Imagined Savior Is Far Easier to Paint” en 2014, Harish Raghavan, bassiste qu’il rencontra au Thelonious Monk Institute of Jazz, et Justin Brown déjà présent à la batterie dans “Prelude… To Cora”, son premier disque enregistré en 2007, l’année où il remporta la prestigieuse Thelonious Monk International Jazz Competition. Avec eux, Ambrose Akinmusire élabore une musique savante d’une écoute difficile, un jazz moderne et urbain qui intègre le hip-hop, la soul, le gospel et le funk et ouvre de nouvelles perspectives mélodiques et rythmiques au jazz afro-américain. Portés par une section rythmique inventive qui affectionne les tempos fluctuants et les métriques irrégulières, piano, contrebasse et batterie se voyant étroitement associés à la trame orchestrale de la musique, le trompettiste souffle, module et cisèle les longues notes détachées d’une musique labyrinthique et ambitieuse.

 

Amour, poésie, mais aussi fureur, désespoir et pleurs irriguent les lignes mélodiques expressives du trompettiste, son phrasé délié baignant dans le blues. Un blues contemporain qui, éloigné de ses grilles habituelles, prend ici diverses formes. Il est ainsi présent dans les notes plaintives et sombres du mélancolique Yessss, dans celles, funèbres et chagrinées, de Reset, morceau dans lequel le trompettiste tire des notes poignantes de son instrument. On le trouve aussi dans Cynical Sideliners, une étrange berceuse qu’interprète Geneviève Attardi, seule voix de l’album avec celle de Jesus Diaz. Ce dernier intervient dans Tide of Hyacinth, une composition de forme très libre qui intègre des rythmes afro-cubains dans sa partie centrale. Hommage à Roy Hargrove disparu en 2018, Roy, pièce intensément lyrique et émouvante, s’inspire d’un cantique religieux et Mr. Roscoe (Consider the Simultaneus) est dédié à Roscoe Mitchell l’un des fondateurs de l’Art Ensemble of Chicago, une des sources d’inspiration du trompettiste. Dans Hooded Procession (Read the Names Aloud), un Fender Rhodes sonne le glas d’une procession funèbre à la mémoire des disparus. Un enfant citait leurs noms dans Rollcall for those Absent, un des morceaux de “The Imagined Savior Is Far Easier to Paint”. Ici la musique elle-même les évoque, une musique d'une force peu commune dont la tristesse indicible soulève l’émotion.

 

Photos © Saito Ogata

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1 juillet 2020 3 01 /07 /juillet /2020 09:56
Éloge de la lecture

Juillet. Le Sunside*, le Baiser Salé et le Triton ont ouvert leurs portes dans le respect du protocole sanitaire. Le Duc des Lombards** annonce la reprise de ses concerts le vendredi 3. On bouge, on se déplace, mais avec précaution. Heureux de pouvoir à nouveau circuler dans les rues récemment désertées de la capitale, le parisien attablé aux terrasses des cafés profite des beaux jours, du soleil retrouvé. Sous le regard blasé du garçon agile qui virevolte entre les tables pour servir le client, il respire un air pollué par un trop plein de véhicules aux gaz malodorants. Plongé dans la lecture d’un épais bouquin, il n’en est pas incommodé, reste sourd aux voitures qui klaxonnent, aux ambulances qui pinponnent. Son livre lui ouvre les portes d’un monde qui lui fait oublier le sien. Sans quitter la chaise sur laquelle il reste assis, il se promène dans le temps, rencontre des personnages et accompagne leurs aventures.

 

Ceux du Haut Pays que Jean Giono dépeint dans “Ennemonde et autres caractères” et “L’Iris de Suse” que je viens de relire sont même inoubliables. Giono décrit avec précision leurs physiques, leurs sentiments, leurs caractères bien trempés, mais le lecteur les voit avec ses propres yeux. S’attachant à eux, il appréhende sans pouvoir rien y changer les situations troubles aux dénouements incertains que l’auteur lui impose. Car ce dernier tire les fils d’un récit auquel notre imaginaire participe mais dont il a le dernier mot. L’intrigue d’un livre est parfois mince, mais on se laisse porter par le rythme des phrases, la petite musique enfermée dans ses pages.

 

Une œuvre littéraire donne parfois de grandes réussites cinématographiques mais il est souvent préférable de lire le livre avant de voir le film. Bien qu’émerveillés par la mise en scène de David Lean, les très nombreux spectateurs du “Docteur Jivago” sont loin d’avoir tous lu le chef-d’œuvre de Boris Pasternak. Son épaisseur a pourtant contraint les scénaristes à tailler dans le récit pour en réduire l’intrigue. La même chose est arrivée au gros roman de John Steinbeck “À l’Est d’Éden” qu’Elia Kazan adapta à l’écran en 1955. Confiant le rôle principal à un James Dean inexpressif, et ne gardant que la dernière partie de l’ouvrage, Kazan a réduit cette grande fresque familiale à un simple psychodrame et trahit l’écrivain. S’il peut lui servir de support et, par son succès, le rendre populaire, un film ne peut se substituer à un livre dont l’auteur raconte lui-même l’histoire. En parcourant ses pages c’est sa voix même que l’on entend. La beauté de sa langue, son parler imagé, sa poésie, y sont conservés intacts.  

 

On peut très bien rester chez soi avec un livre, mais juillet invite à prendre des vacances, à quitter les villes pour la campagne, la mer ou la montagne. Dans ses bagages, des livres, pour voyager plus loin, changer d’époque et de lieux. Télérama vient récemment de révéler les 100 livres préférés de sa rédaction. « 100 livres pour une bibliothèque idéale » titre le magazine. Existe-t-elle ? Je pense que non. Une bibliothèque n’est jamais idéale car toujours en devenir, agrandie par la découverte de nouveaux livres.

 

Dans la sélection que publie Télérama, certains m’interpellent. Je ne les ai pas tous lus mais “Le Maître et Marguerite” de Mikhaïl Boulgakov, “Ada ou l’ardeur” de Vladimir Nabokov et “Le Maître du Haut Château” de Philip K. Dick, des incontournables, sont à placer dans vos valises. Je vous invite également à découvrir deux ouvrages de ma propre bibliothèque “Le Temps où nous chantions” de Richard Powers et “Les Saisons de la nuit” de Colum McCann. Le premier aborde le racisme de l’Amérique à travers le destin de trois enfants aux ascendances juives et noires. Ses nombreuses pages sur la musique sont admirables. Consacré aux sans-abri qui vivent dans les tunnels qu’empruntent les trains traversant New-York, le second est tout aussi émouvant.

 

Comme chaque année à la même époque, ce blog sera prochainement mis en sommeil. Soyez prudents, portez des masques et bonnes lectures.    

*Le club organise en juillet et en août son festival Pianissimo. Au programme de cette XVème édition, les pianistes Jackie Terrasson (le 3 et le 4 juillet), Paul Lay (le 7 et le 8), Fred Nardin (le 10 et le 11), Alain Jean-Marie (le 15 et le 16) , Laurent de Wilde (le 23 et le 24), Leila Olivesi (le 25), Yonathan Avishai (le 28 et le 29), Vincent Bourgeyx (le 30), Carine Bonnefoy (le 31), Pierre de Bethmann (le 4 et le 5 août), Franck Amsallem (le 6), Baptiste Trotignon (le 7 et le 8), Marc Benham (le 11), Laurent Coulondre (le 12 et le 13), Benjamin Moussay (le 19), René Urtreger (le 21 et le 22) et Ramona Horvath (le 23) pour ne citer que ceux qui m'interpellent. La plupart de ces pianistes sont attendus en trio. Ramona Horvath, Leila Oliveisi et Franck Amsallem se produiront en quartette. Benjamin Moussay présentera en solo “Promontoire”, son premier disque pour ECM). Deux concerts par soir en général. En outre, le trio de Laurent Courthaliac animera des jam sessions tous les lundis de juillet et les lundis 3, 10 et 17 août (entrée gratuite). On consultera le site du Sunside pour les horaires et le programme complet du festival.

 

**Thomas Enhco (piano) et Stéphane Kerecki (contrebasse) sont attendus au Duc des Lombards les 15 et 16 juillet et le Florian Pellissier Quintet les 17 et 18 (concerts à 19h30 et 21h45).

 

-Sunset-Sunside : www.sunset-sunside.com

-Duc des Lombards : http://www.ducdeslombards.com

 

Reading on the Beach © Photo X/D.R.

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22 juin 2020 1 22 /06 /juin /2020 10:00
Danilo Pérez & Kurt Elling © Anna Webber

Danilo Pérez & Kurt Elling © Anna Webber

Big Wheel” de Thomas Grimmonprez, je l’ai trouvé d’occasion chez Gibert Joseph quelques jours avant le confinement. “8 Kindred Spirits” de Charles Lloyd et “New Visions” d’Enrico Pieranunzi étaient également commercialisés avant que la Covid-19 ne contraigne les rares magasins qui vendent encore des disques à fermer leurs portes le 17 mars. Me refusant à vous encourager à les acheter sur internet ou sur des plateformes de téléchargement, j’ai préféré attendre leurs réouvertures pour vous en parler. “The Love Songs”, que m’a envoyé le saxophoniste Manuel Hermia, l’un de ses trois cosignataires, est l’un des rares CD que j’ai reçu lors de cette nécessaire réclusion. “Secrets Are The Best Stories” de Kurt Elling et “Freya” de Tineke Postma ont fait l’objet de chroniques dans le numéro d’avril de Jazz Magazine mais ne paraissent que maintenant. “Promontoire”, un projet en solo du pianiste Benjamin Moussay et “Songs For A Flying Man” de l’inclassable Alexandre Saada devaient aussi sortir en avril. Par ordre alphabétique, en voici les chroniques.

Kurt ELLING :

“Secrets Are The Best Stories”

(Edition Records / UVM)

Chanteur au phrasé exceptionnel, Kurt Elling aime poser des mots sur les musiques des autres. Ce nouveau disque, l’un de ses meilleurs, emprunte une partie de son matériel thématique à Jaco Pastorius, Django Bates, Vince Mendoza et Wayne Shorter que Danilo Pérez, le pianiste de cet album, a beaucoup accompagné. Avec Elling, Pérez en a choisi les musiciens. Les deux hommes se connaissent depuis longtemps et les morceaux de Django Bates qu’ils interprètent en duo sont très réussis. Pérez apporte également des compositions sur lesquelles le chanteur, inspiré par la littérature, a mis des paroles. Gratitude est dédié au poète Robert Bly et Beloved à Toni Morrison disparue l’an dernier. Porté par le drumming musclé de Jonathan Blake, le saxophoniste Miguel Zenón y prend un chorus incandescent. Chantée en espagnol, une belle version de Rabo de Nube du chanteur et guitariste cubain Silvio Rodríguez complète le répertoire.

Thomas GRIMMONPREZ :

“Big Wheel” (OutNote / Outhere Music)

Enregistré en quartette, ce disque est le fruit d’une séance pas comme les autres tant l’entente semble avoir été parfaite entre les musiciens. À l’écoute des uns des autres, ces derniers improvisent sur les thèmes simples et chantants du batteur Thomas Grimmonprez qui les rythme de manière à toujours les laisser respirer. Tout en assurant un tempo infaillible, Jérôme Regard réagit constamment aux propositions des solistes. Sa contrebasse (ou celle de Matyas Szandai dans trois morceaux) s’intègre à la riche polyphonie de timbres que tissent le piano de Benjamin Moussay et la guitare de Manu Codjia. Ce dernier qui tire mille couleurs de son instrument est ici particulièrement inspiré. Souvent modale et bien que non dénuée d’une certaine tension dans Sweet Cake et Hypnosis notamment, la musique, aussi rêveuse qu’interactive, provoque un rare bonheur d’écoute.

Manuel HERMIA / Pascal MOHY / Sam GERSTMANS :

“The Love Songs”

(Jazz Avatars / L’autre distribution)

Saxophoniste belge, Manuel Hermia s’intéresse à toutes sortes de jazz mais aussi aux musiques du monde dont il introduit des instruments dans ses disques. Je n’ai pas été convaincu par son récent album avec l’Orchestra Nazionale Della Luna (“There is Still on Earth” sur BMC Records), mais “The Love Songs”, enregistré en trio, est très séduisant. Au programme quelques standards célèbres, des « Love Songs » que les trois hommes interprètent avec tendresse et sensibilité, la musique, rythmée par une contrebasse faussement nonchalante (Sam Gerstmans), se passant très bien de batteur. Manuel Hermia souffle de longues phrases chantantes dans ses saxophones (ténor et alto) et nous offre une version émouvante de Soul Eyes que John Coltrane n’aurait probablement pas reniée. Découvert auprès de Mélanie De Biasio, Pascal Mohy  joue peu de notes mais organise judicieusement ses chorus. I Aime You (de Manuel Hermia) et You Don’t Know What Love is en témoignent.

Charles LLOYD :

“8 – Kindred Spirits Live from the Lobero Theatre”

(Blue Note / Universal)

Le 15 mars 2018, à l’occasion de ses 80 ans, Charles Lloyd réunissait autour de lui les musiciens de son quartette – Gerald Clayton (piano), Reuben Rogers (contrebasse) et Eric Harland (batterie) – et invitait le guitariste Julian Lage et l’organiste Booker T. Jones. La prestation de ce dernier n'est disponible que dans un coffret de luxe en édition limitée qui contient l’intégralité du concert. Le présent disque et le DVD qui l’accompagne en proposent les meilleurs moments, quatre longs morceaux qui suffisent à notre bonheur. Dream Weaver qui donne son nom au premier album Atlantic du saxophoniste bénéficie d’une fascinante introduction modale. La Llorona (un traditionnel), Part 5, Ruminations et Requiem sont souvent joués par le saxophoniste qui les a enregistrés plusieurs fois. On lui pardonnera ses notes approximatives, tant ses improvisations ruisselantes de feeling sont touchées par la grâce.   

Benjamin MOUSSAY :

“Promontoire” (ECM / Universal)

Il utilise souvent de nombreux claviers, mais le piano acoustique reste son instrument de prédilection. C’est sur ce dernier que Benjamin Moussay a enregistré son premier disque en solo, “Promontoire”, qui relève autant du jazz que de la musique classique européenne qu’il a étudiée au Conservatoire de Strasbourg avant de se consacrer au jazz. Soigneusement ciselées et souvent improvisées, ses courtes pièces (des miniatures tant elles sont brèves) révèlent un musicien romantique qui fait chanter les notes des belles mélodies qu’il invente. Associées à des paysages, à des portraits (Théa, celui de sa jeune sœur), elles nous invitent à en imaginer les images. Si trois morceaux de l’album ont été conçus pour accompagner celles de “Nana”, un film muet de Jean Renoir, la montagne reste sa principale source d’inspiration, un pic rocheux du massif des Vosges qui reste cher à son cœur donnant son nom à l’album.

Enrico PIERANUNZI Trio :

“New Visions” (Storyville / UVM)

S’il aime composer des thèmes mélodiques et les faire chanter par son piano, Enrico Pieranunzi apprécie aussi d’être bousculé par des rythmiques qui le poussent au dialogue et à changer ses habitudes. Entendu auprès du trio de Christian McBride, le drumming lourd et musclé du batteur Ulysses Owens Jr. avec lequel il enregistre pour la première fois le conduit à tenir compte des métriques irrégulières que propose ce dernier et à adopter un jeu plus dur et plus tendu. Quant à Thomas Fonnesbæk, il allie une sonorité ample et puissante à des attaques impressionnantes et apporte une seconde voix mélodique à la musique. Ils ont déjà joué et enregistré ensemble – “Blue Waltz” sur Stunt Records en 2017. Que ce soit dans les pièces improvisées de l’album ou dans les délicieuses ballades qu’il contient, leur complicité inventive force l’admiration.

Tineke POSTMA :

“Freya” (Edition Records / UVM)

Septième album de la saxophoniste hollandaise depuis “Sonic Halo” (Challenge Records) enregistré en 2014 avec Greg Osby, “Freya” (déesse de la fertilité germano-scandinave) marque pour elle un nouveau départ. Influencée par sa découverte en 2015 au North Sea Jazz Festival de la formation Made in Chicago de Jack DeJohnette, Tineke Postma imagine une musique ouverte dans laquelle est mis en avant le discours collectif, l’implication des solistes qui y déposent leurs propres idées mélodiques et les font circuler. Si Kris Davis joue du piano dans quelques morceaux, la trompette cuivrée et expressive de Ralph Alessi reste le principal interlocuteur de son saxophone, un alto le plus souvent. Avec eux, Matthew Brewer à la contrebasse et à la basse électrique et Dan Weiss à la batterie tissent une toile rythmique souple et mobile qui encadre mais n’enferme jamais les improvisations, le jeu interactif confié à des musiciens talentueux étant constamment privilégié.

Alexandre SAADA :

“Songs For A Flying Man”

(Labrador / Proper Music Group)

Après un disque réjouissant avec la chanteuse Clotilde Rullaud dans lequel le jazz, la soul music et le folk font bon ménage, Alexandre Saada tourne le dos au jazz et à l’improvisation pour se faire le chantre d’un univers musical aussi séduisant que l’était la pop music sophistiquée des années 60 et 70. Recueil de chansons souvent autobiographiques écrites avec la chanteuse Mélissa Bon, “Songs For A Flying Man” est aussi le fruit d’un minutieux travail de studio. Alexandre Saada sait mettre en valeur les mélodies délicieuses qu’il porte en lui. Une instrumentation à chaque fois différente les habille, ce qui donne à son album une grande variété de couleurs et d’ambiances. Ses nombreux claviers (piano, orgue, clavinet), les guitares électriques et acoustiques de Laurent Brifo, la contrebasse d’Alexandre Perrot et la batterie de Bertrand Perrin sont au cœur d’un dispositif orchestral qui accueille d’autres instruments, proches et ami(e)s contribuant aux parties vocales d’un opus en apesanteur.

Photo : Danilo Pérez & Kurt Elling © Anna Webber

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12 juin 2020 5 12 /06 /juin /2020 09:23
Jazz : sur quelques films et leurs musiques (4ème partie)

Quelques musiques de films de Joseph Losey

Convoqué à Washington devant la Commission des activités anti-américaines au début des années 50, Joseph Losey, refusant de s’y rendre, prit le chemin de l’exil. Installé à Londres, il attira l’attention avec “Time Without Pity” (“Temps sans pitié”) en 1957, puis avec “The Criminal” (“Les Criminels”) en 1960. Harold Pinter,* qu'il rencontre peu après, va lui écrire les scénarios de trois de ses meilleurs films : “The Servant” en 1963, “Accident” en 1967 et “The Go-Between” (Le Messager”), Palme d’or au Festival de Cannes en 1971, la partie anglaise de son œuvre lui apportant une renommée internationale.

 

*Écrivain, poète, dramaturge, scénariste, metteur en scène et acteur britannique, Harold Pinter (1930-2008) reçut le prix Nobel de littérature en 2005. Pinter a également écrit le scénario de “The Last Tycoon” (“Le Dernier nabab”) d’Elia Kazan (1976) et celui de “The French Lieutenant’s Woman” (“La Maîtresse du lieutenant français”) de Karel Reisz avec Meryl Streep et Jeremy Irons dans les rôles principaux. En tant qu’acteur, il apparaît brièvement dans “The Servant” et “Accident” de Losey.

Excellent film noir sorti sur les écrans américains sous le nom de “The Concrete Jungle”, “The Criminal” (“Les Criminels”) se déroule en partie dans une prison anglaise parmi des gardiens corrompus, des détenus violents, et des bandes rivales qui tentent d’imposer des lois impitoyables que l’on ne peut violer sous peine de mort. As des cambriolages, Johnny Bannion (Stanley Baker) se retrouve à nouveau derrière les barreaux après un hold-up dont il a caché le butin. Mike Carter (Sam Wanamaker), un autre détenu, organise son évasion afin qu’il révèle l’endroit où il l’a dissimulé, mais si Bannion a commis le vol, il a oublié qu’il n’en a pas été le commanditaire et que ce dernier donne les ordres…

 

Outre une belle photographie en noir et blanc de Robert Krasker, “The Criminal” bénéficie d’une partition très jazz du saxophoniste (alto et soprano) et clarinettiste John Dankworth qui, depuis 1953, possédait son propre big band. Cleo Laine qu’il épousa en 1957 en était la chanteuse. Pleine de swing et d’énergie, la musique fut enregistrée le 1er et le 5 juillet 1960* avec une formation de seize musiciens dans laquelle Dankworth et Peter King jouent du saxophone alto et Kenny Wheeler est l’un des quatre trompettistes.

 

Les tempo rapides de Riverside Song, Freedom Lane et Treasure Drive dynamisent le film et réservent de magnifiques chorus d’altos parkériens. Dankworth combine fort bien les timbres des instruments de son orchestre comme en témoigne son arrangement d’After the Party, le morceau le plus réussi de sa partition. Cleo Laine y chante Thieving Boy qui ne figure pas sur le 45 tours Columbia édité cette année-là.

 

*C’est en 1960 que John Dankworth débuta sa carrière de compositeur de musiques de films. Outre celle de “The Criminal”, il écrivit cette année-là celle de “Saturday Night and Sunday Morning” (“Samedi soir, dimanche matin”) pour Karel Reisz, film qui lança l’acteur Albert Finney.

 

“The Criminals” Générique (Thieving Boy chanté par Cleo Laine)

www.youtube.com/watch?v=BChPzBS_i-E 

Jazz : sur quelques films et leurs musiques (4ème partie)

Également de la période anglaise de Joseph Losey, “The Servant”, est l’un de ses chefs-d’œuvre. Un riche et oisif aristocrate (James Fox) engage un majordome pour s’occuper de la maison londonienne qu’il a récemment acquise. Manipulateur et cynique, ce dernier (Dirk Bogarde) utilise sa maîtresse qu’il fait passer pour sa sœur pour prendre de l’ascendant sur lui, le maître dominé et soumis, devenant l’esclave de celui qui est censé le servir. Outre un scénario d’Harold Pinter qui sans jamais directement l’évoquer sous-entend l’homosexualité des personnages, cette sulfureuse plongée dans leurs rapports pervers bénéficie d’une belle photo en noir et blanc de Douglas Slocombe, d’une mise en scène brillante*, et d’une musique très originale de John Dankworth que l’on voit jouer du jazz dans un cabaret au début du film. Cette séquence mise à part, l’aspect trouble et malsain du scénario s’accompagne d’une partition raffinée dans laquelle le jazz est davantage présent dans le choix et le timbre des instruments que dans la musique elle-même, les harmonies de cette dernière appartenant à la tradition classique européenne**. Des cordes interviennent dans celle du générique. Souligné par un ensemble de saxophones, l’alto de Dankworth expose le thème principal. Subtilement colorée par les anches, délicatement rythmée par des pizzicati de cordes, la musique se fait grinçante et dissonante à la fin du film, lorsque le maître de maison se traîne aux pieds de son majordome. Chanté par Cleo Laine, All Gone passe souvent sur l’électrophone du salon, sa mélodie langoureuse accentuant le trouble qu’occasionnent certaines scènes.

 

*Étant tombé malade pendant le tournage, Joseph Losey communiquait ses instructions par téléphone à Dirk Bogarde qui contribua également à la réalisation du film.

 

**Si la partition sophistiquée de “The Servant” relève bien du jazz, celle d’“Accident”, également de John Dankworth, en est très éloignée. La musique est d’ailleurs très peu présente. Quelques scènes font entendre une harpe et un saxophone alto improvisant autour de brefs motifs mélodiques. Tourné en 1966, ce film très maîtrisé reçut le prix Spécial du Jury au festival de Cannes l’année suivante.

 

“The Servant” (Bande-annonce) www.youtube.com/watch?v=WdkWn1xoN34

Un an plus tôt, en 1962, Joseph Losey a réalisé “Eve”* (“Eva”), une production franco-britannique au noir et blanc irréel adaptée d’un roman de James Hardley Chase qu’il va partiellement renier. À Venise, Tyvian Jones (Stanley Baker), un écrivain qui a publié sous son nom un livre écrit par son frère décédé, s’éprend d’Eve (Jeanne Moreau), une femme fatale qui s’interdit d’aimer et d’être aimée. Obsédé par Eve qui se refuse à lui, Tyvian en devient le jouet. Probablement hanté par la bande-son d’“Ascenseur pour l’échafaud”, Losey souhaitait associer son personnage masculin au chant crépusculaire de la trompette de Miles Davis. Quant à la solitude d’Eve, sa souffrance intérieure, la voix rauque et émouvante de Billie Holiday devait l’exprimer. De cette dernière, le cinéaste n’eut droit qu’à deux chansons, Willow Weep for Me et Loveless Love. Miles réclamant trop d’argent, Losey demanda à Michel Legrand une musique censée évoquer le timbre mélancolique de sa trompette. Les arrangements que Gil Evans avait écrit pour les disques du trompettiste servirent de modèle à une partition quelque peu baroque aujourd'hui très datée. Si le jazz occupe une place importante dans le film  – joué en entier, Willow Weep for Me accompagne toute une scène –, Losey, privé de la musique de Miles, met sa science de la mise en scène au service d’un scénario peu étoffé et d’une histoire peu crédible qui, loin de nous toucher, accumule les clichés.

 

*Dans son livre “Jazz et Cinéma” (Éditions Cahiers du Cinéma, 2000) déjà cité, Gilles Mouëllic fait grand cas du film et lui consacre plusieurs pages alors qu’il passe étrangement sous silence des réussites de Losey dont John Dankworth composa les musiques.

Deux autres films britanniques

Monteur sur des films de Charles Crichton, Robert Hamer et Alexander Mackendrick, puis producteur associé  – “The Ladykillers” de Mackendrick –, Seth Holt (1923-1971) passa une bonne partie de sa trop brève carrière à travailler pour les studios Ealing qu’il rejoignit en 1943. Sorti sur les écrans en 1958, “Nowhere to Go” (“Le Criminel aux abois”), son premier film en tant que réalisateur, fut aussi l’avant dernier que produisit le célèbre studio britannique alors vendu à la BBC. Tiré d’un roman de Donald Mackenzie, il bénéficie d’un scénario habile de l’écrivain et dramaturge Kenneth Tynan et d’une bande-son de Dizzy Reece, un trompettiste de hard-bop jamaïcain qui vit alors en Angleterre. Reece a déjà participé à plusieurs sessions londoniennes pour le label Tempo lorsqu’il compose la musique de ce film policier d’une grande noirceur, la seule de sa discographie. Elle accompagne la cavale de Paul Gregory (George Nader), évadé de prison lâché par le milieu après la mort accidentelle de son associé. Traqué par la police, il se réfugie au pays de Galles grâce à la nièce d’un commissaire de police (Maggie Smith dont c’est le premier rôle au cinéma). Blessé, il trouve la mort dans l’accident du camion qu’il a dérobé pour s’enfuir.

Publiés en 45 tours sur Tempo Records, quatre titres sont gravés à Londres en quartette le 2 octobre 1958 avec Tubby Hayes (saxophones ténor et baryton), Lloyd Thompson (contrebasse) et Phil Seamen (batterie). Exposé à l’unisson par les deux souffleurs, le générique (Main Title), un blues aux notes saccadées , s’enrichit de brefs chorus de trompette et de baryton avant sa coda. Associé au crescendo dramatique de la mise en scène, sa mélodie tranchante comme un rasoir est reprise dans The Sunset Scene accompagnant les scènes champêtres qui vont conclure le film*. Également construit sur une grille de blues, The Search évoque les Jazz Messengers et la première partie de The Escape and Chase est entièrement dévolu à des percussions. La musique offre bien sûr quelques excellents solos bien timbrés. Toujours en 1958, Dizzy Reece enregistra à Paris “Blues in Trinity”, le premier des quatre albums qu’il réalisa pour Blue Note. Tubby Hayes s’y distingue au ténor.

 

*Le cinéaste Basil Dearden est parfois crédité comme son co-réalisateur alors que “Nowhere to Go”, qui existe en DVD depuis 2013, n’est pas mentionné dans sa filmographie.

Très librement adapté d'“Othello” de Shakespeare, “All Night Long” (“Tout au long de la nuit”) se déroule presque entièrement dans un club de jazz londonien au début des années 60. Invitée avec son mari à fêter son anniversaire de mariage, une célèbre chanteuse qui a interrompu sa carrière (Marti Stevens) se voit sollicitée par un batteur ambitieux (Patrick McGoohan) qui souhaite l’avoir comme vedette dans l’orchestre qu’il projette de monter. Ne parvenant pas à la convaincre, ce dernier fait alors croire à son mari lui-même musicien (Paul Harris) que sa femme a une liaison avec le manager de son groupe. Accusée d’infidélité, elle parviendra à prouver son innocence. Réalisé par Basil Dearden en 1962, le film respecte la règle des trois unités du théâtre classique : unité de temps, de lieu et d’action, cette dernière se déroulant en temps réel et au même endroit (le club de jazz) bien que quelques scènes soient filmées en extérieur. Patrick McGoohan fait un Iago très convaincant et Paul Harris, un acteur afro-américain dont c’est la première apparition à l’écran, est parfait dans le rôle d’Othello. Bénéficiant d’un noir et blanc très soignée d’Edward Scaife*, “All Night Long” fait aussi entendre un jazz d’excellente facture qui s’intègre parfaitement au scénario.

 

*Cadreur (“The Third Man” de Carol Reed, “Black Narcissus” de Michael Powell) et chef opérateur réputé, il a collaboré à une cinquantaine de films majoritairement britanniques dont “Khartoum” de Basil Dearden (1966) avec Charlton Heston et Laurence Olivier. Chef opérateur de la seconde équipe sur “Pandora and the Flying Dutchman” d’Albert Lewin (1951), il a également assuré les prises de vue de cinq films de John Huston.  

 

Profitant de la présence à Londres de Dave Brubeck et de Charles Mingus, le réalisateur les invita à tenir leurs propres rôles dans le film et à participer à sa bande-son en grande partie composée par Philip Green*. Auteur de nombreuses partitions pour le cinéma et la télévision, ce dernier a déjà composé les musiques de six films de Basil Dearden lorsqu’il se voit confier celle d’“All Night Long”. Sa fonction première est de donner poids et tension à certaines scènes, le générique d’ouverture mettant ainsi en avant une batterie virtuose associée au personnage joué par Patrick McGoohan. Grâce à une orchestration faisant appel à d’excellents jazzmen britanniques que Green laisse improviser, cette bande-son s’écoute très bien sans les images qui lui sont associées. Charles Mingus tient la contrebasse dans Noodlin’ et Sapphire (qui est aussi le titre d’un film de Dearden dont Green a composé la musique) met en valeur le saxophone alto de Johnny Scott qui joue de la flûte dans Scott Free, une de ses compositions. Tubby Hayes qui s’y distingue au vibraphone et co-signe The Chase avec Green, se fait aussi entendre au ténor. En quintette, Dave Brubeck interprète deux de ses thèmes (It’s a Raggy Waltz, Blue Shadows in the Street) et Fall Guy, morceau parkérien et acrobatique de John Dankworth, permet à ce dernier de briller à l’alto.

 

*La musique du film a été publiée en 1961 sur les labels Fontana (en Angleterre) et Epic (aux États-Unis). 

“All Night Long” (Bande-annonce) www.youtube.com/watch?v=T9BOe-af7y4

Jazz : sur quelques films et leurs musiques (4ème partie)

Nuit italienne

Tourné en 1960 et sorti l’année suivante, second volet d’une trilogie comprenant “L’Avventura” (1960) et “L’Éclipse” (1962), “La Notte” (“La Nuit”) est un des joyaux du cinéma introspectif de Michelangelo Antonioni, celui de l’incommunicabilité, de la vacuité des êtres et des choses et de l’érosion du temps. Difficile de résumer le film qui décrit l’ennui d’un couple (Marcello Mastroianni et Jeanne Moreau) en train de se défaire. Contenant de nombreuses scènes inoubliables, très maîtrisé sur un plan esthétique, et superbement photographié et cadré (Gianni Di Venanzo et Pasquale de Santis), il se déroule entre l’après-midi d’un samedi et l’aube livide d’un dimanche qui voit s’étreindre le couple naufragé. Entre-temps, cet homme et cette femme qui n’arrivent plus à se comprendre et ne savent plus s’aimer ont vécu une longue nuit d’errance et de solitude dans la villa et les jardins des Gherardini, riche industriel milanais qui avec son épouse, reçoivent de nombreux invités*.

 

Comprenant Eraldo Volontè au saxophone ténor, Alceo Guatelli à la contrebasse et Ettore Ulivelli à la batterie, le quartette de jazz du pianiste et compositeur Giorgio Gaslini** anime la soirée. Antonioni commanda à Gaslini la musique de son film après avoir été séduit par “Tempo e Relazione”, un enregistrement de 1957 dans lequel le compositeur associe jazz moderne et dodécaphonisme. Relevant surtout du blues, celle de “La Notte” est bien différente. Quasiment absente des quarante premières minutes du film, elle trouve tardivement sa place dans le décor, sa longue séquence nocturne imposant une musique qui se prête à la danse. Intégré à l’action, le jazz de Gaslini devient une présence visible entendu en temps réel par les acteurs. Jeanne Moreau et Marcello Mastroianni ont devant eux Gaslini et son orchestre (augmenté d’un guitariste) lorsqu’ils assistent à un strip-tease acrobatique dans un night-club. Construit sur une grille de blues, Voci dal Fiume est repris sous un autre titre et dans une autre version chez les Gherardini, dont la fille Valentina est interprétée par Monica Vitti.

 

Installés dans le parc de leur propriété, Gaslini et ses musiciens y font danser leurs invités. Parfois couverte par les dialogues et les bruits de la fête, la musique est plus ou moins audible selon l’endroit où se trouvent les acteurs que la caméra accompagne dans leurs déambulations. On y entend un cha-cha-cha lointain, une valse lente au bord de la piscine (Valzer Lento), un blues (Blues All’Alba), et même un morceau proche du rock’n’roll (Ballo di Lidia) lorsque Jeanne Moreau se dirige vers la piste de danse et s’approche des musiciens. Au petit matin, après qu’un orage ait contraint les invités à se réfugier dans la maison, la musique reprend, plus douce et plus sensuelle. Déjà entendu dans le night-club, Blues All’Alba (Blues de l’aube) étale ses notes séduisantes, sa mélodie accompagnant un paysage brumeux qu’éclairent les rayons d’un pâle soleil.

 

*Parmi-eux, méconnaissable sans sa barbe, l'auteur du best-seller “Le Nom de la Rose”, l'écrivain et universitaire Umberto Eco

 

**Figure importante du jazz italien, Giorgio Gaslini (1929-2014) reste méconnu en France. Excellent pianiste, c’est aussi un compositeur et arrangeur habile qui s’est intéressé à la musique contemporaine. Outre “Tempo e Relazione” présenté au deuxième festival de jazz de San Remo en 1957 qui tente le rapprochement du jazz et de la musique dodécaphonique, Ornette Coleman et Cecil Taylor lui inspire en 1964 une suite ambitieuse “Dall’Alba all’Alba”, puis deux ans plus tard enregistre “Nuovi Sentimenti” (“New Feelings”) une œuvre pour dix musiciens,  dans laquelle interviennent Don Cherry, Enrico Rava, Steve Lacy et Gato Barbieri. Il est également l’auteur du premier opéra jazz italien : “Colloquio con Malcom” (1970). Enregistrée en 1960, “La Notte”, reste sa plus célèbre musique de film. Partiellement incluse dans le CD n°2 de l’intégrale chronologique que Soul Note consacre à Giorgio Gaslini, elle a été éditée dans sa totalité (18 plages dont plusieurs alternates) sur le label Soundtrack Factory et au Japon sur Think! Records.  

 

“La Notte” (Bande-annonce) http://www.youtube.com/watch?v=zLOjTDfkAk4

Jazz : sur quelques films et leurs musiques (4ème partie)

Crédits photos : Dirk Bogarde & James Fox / John Dankworth dans “The Servant”  – Monica Vitti / Marcello Mastroiani & Jeanne Moreau dans “La Notte” © Photos X/D.R.

 

À suivre…

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2 juin 2020 2 02 /06 /juin /2020 10:11
Une liberté sous surveillance

Juin. Après 55 jours de confinement (durée de l’isolement que subirent en 1900 les Européens assiégés à Pékin dans le quartier des ambassades et des légations étrangères), les villes retrouvent progressivement leur aspect habituel. À Paris, profitant du beau temps, les promeneurs redécouvrent les joies du shopping, envahissent à nouveau les parcs et les jardins dont les arbres ont retrouvé leurs feuilles pour se prélasser au soleil, fréquentent à nouveau les bouquinistes des quais de Seine à la recherche de livres épuisés. Le parvis de Notre-Dame est désormais accessible à tous. Dans les rues, vélos et trottinettes brûlent à nouveau les feux rouges. Les motos pétaradent et les voitures trop nombreuses font du sur place aux heures de pointe.

 

Si les salles de concert et les restaurants resteront fermés jusqu’au 22, ces derniers peuvent désormais utiliser leurs terrasses (bien que rien ne soit prévu en cas de pluie) et les magasins accueillir avec précaution leurs clients. Paris Jazz Corner a rouvert ses portes. Gibert Joseph également. On y avance masqué, ganté ou les mains protégées par le gel hydro-alcoolique que l’on nous offre avant d’en franchir l’unique porte d’entrée. Le virus traîne peut-être sur les livres, les disques, les DVD, les emballages plastifiés qui les recouvrent. Ces mesures qui nous rappellent que nous sommes encore constamment en danger ne risquent-elles pas de provoquer faillites et licenciements et de propager de nouveaux virus, ceux du chômage et de la précarité ?   

 

La prudence est telle que l’on peut se demander comment feront les restaurateurs confrontés à des règles de distanciation leur obligeant à retirer une table sur deux de leurs établissements ? Les clubs de jazz risquent également d’être pénalisés par un trop plein d’ordonnances restrictives. S’il reste relativement facile d’espacer les sièges du New Morning, que faire des nombreux auditeurs agglutinés près du bar qui restent debout pendant les concerts ? Comment les contraindre à rester éloignés les uns des autres et à porter des masques ? Le Duc des Lombards dont l’espace est déjà confiné, va-t-il pouvoir réduire sa jauge de moitié ? C’est ce que compte faire le Sunside dès sa réouverture le 22 juin, avec au programme une jam session autour de Cedar Walton animé par David Sauzay. La salle du bas, le Sunset, n’ouvrira pas avant septembre. Pour compenser le manque à gagner, les concerts seront doublés (deux sets à 19h30 et à 21h30, ce qui se pratique déjà au Duc).

 

En juin seront enfin commercialisés des albums qui auraient dû paraître en avril et en mai. Quelques nouveautés importantes sont également attendues – Ambrose Akinmusire, Marcin Wasilewski Trio avec Joe Lovano –, mais les sorties de disques se feront surtout à partir de septembre. Cela me permet de poursuivre mon étude sur le jazz et le cinéma qui m’amène à revoir des films et à écouter leurs bandes-son. Il me sera toutefois difficile de l’achever avant l’été. D’ici là, le monde qui n’est déjà plus celui que nous avons connu aura peut-être encore changé. On peut donc aisément patienter.

 

Illustration © X/D.R.

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25 mai 2020 1 25 /05 /mai /2020 09:40
André Hodeir © Jean-Pierre Leloir

André Hodeir © Jean-Pierre Leloir

Les musiques de films d’André Hodeir

Disparu en 2011 à l’âge de quatre-vingt-dix ans, André Hodeir qui aurait eu cent ans le 22 janvier prochain est l’un des rares compositeurs de jazz français à s’être hissé au niveau des plus grands. On lui doit près de soixante-dix musiques de films* parmi lesquelles celles de nombreux courts métrages. Si toutes ne sont pas de valeur égale, elles restent souvent plus intéressantes que les films dont elles accompagnent les images. Certaines témoignent de l’évolution de sa musique et sont d’importants jalons d’une œuvre malheureusement trop peu jouée et diffusée aujourd’hui.

 

* Outre les cinéastes dont je parle dans mon texte, André Hodeir composa seul ou avec Henri Crolla des musiques pour des films de Georges Franju, Gilles Grangier, Alain Jessua, Agnès Varda (“Ô saisons, ô châteaux” tourné en 1957), Pierre Prévert, Paul Grimault, Yves Ciampi (“Le Vent se lève” en 1958), Marcel Camus, Yves Allégret et Jean Aurel pour ne pas tous les citer. “Ô saisons, ô châteaux” est disponible dans “Varda tous courts” (Tamaris), un coffret de 2 DVD réunissant seize courts métrages. André Hodeir a également assuré la direction d’orchestre de la musique que Guy Bernard composa pour “Les Statues meurent aussi”, un court métrage anticolonialiste sur l’art africain qu’Alain Resnais cosigna avec Chris Marker et Ghislain Cloquet en 1953.

 

“Les Statues meurent aussi” (Film complet) : http://www.youtube.com/watch?v=OoyCXA8eTf0

C’est en 1949, rue Chaptal, dans le bureau que Charles Delaunay occupait au siège de la revue Jazz Hot, qu’André Hodeir rencontra Jacques-Yves Cousteau. Ce dernier achevait le montage d’un court métrage, “Autour d’un récif”, « un ballet de poissons » pour lequel il souhaitait une musique de jazz. Violoniste de formation classique, le futur auteur des livres phares de la critique de jazz que seront “Hommes et problèmes du jazz” (1954) et “Les Mondes du jazz” (1970) proposa de l’écrire et l’enregistra la même année avec l’orchestre de Tony Proteau augmenté de Kenny Clarke à la batterie et de quelques solistes, Bernard Peiffer au piano étant le seul musicien autorisé à improviser dans un poème aquatique d’inspiration ellingtonienne.

 

Ce n’était pas la première fois qu’André Hodeir écrivait pour un cinéaste. Trois ans plus tôt, pour les besoins d’un film de Raoul André, “Le Village de la colère”, Django Reinhardt l’avait chargé d’orchestrer pour orchestre symphonique et chœur quelques-uns de ses voicings de guitare et sa célèbre composition Manoir de mes rêves. Ayant découvert qu’écrire de la musique de film pouvait lui permettre d’assurer sa subsistance, Hodeir s’associa avec le guitariste Henri Crolla*. Ce dernier lui apportait des thèmes qu’il mettait en forme et orchestrait. “Sant-Paou”, un court métrage que Robert Mariaud réalisa en 1950 et dans lequel Yves Montand chante le thème principal, inaugura leur collaboration.

 

*Né en 1920, auteur de nombreuses chansons et guitariste compositeur de plusieurs disques de jazz, Henri Crolla (1920-1960), était un proche de Django Reinhardt, des frères Prévert, du réalisateur de films d’animation Paul Grimault et de Simone Signoret qui rencontra grâce à lui Yves Montand. Possédant de nombreuses relations dans le milieu du cinéma, il cosigna avec André Hodeir de nombreuses musiques pour des courts métrages et des documentaires, et à partir de 1955, celles de plusieurs longs métrages. “Saint-Tropez Blues” (1960) est la dernière qu’ils firent ensemble, Henri Crolla disparaissant cette année-là en octobre. Hubert Rostaing est également crédité comme compositeur aux génériques de “Cette sacrée gamine” (1955) et d’“Une Parisienne” (1957), deux comédies de Michel Boisrond avec Brigitte Bardot.

Après la musique d’“Autour d’un récif” encore sous influence ellingtonienne, celle de “Saint-Tropez, devoir de vacances”, un court métrage de Paul Paviot tourné en 1952 sur des commentaires de Boris Vian qui apparaît à l'écran avec Michel Piccoli , Éléonore Hirt et Juliette Gréco, annonce une première mutation stylistique. Hodeir a écouté les sessions de “Birth of the Cool” que Miles Davis a enregistrées en nonet. Impressionné par les arrangements de Gil Evans, Gerry Mulligan et John Lewis, il abandonne le grand orchestre pour un ensemble de neuf musiciens qui annoncent le Jazz Groupe de Paris. De cette partition, Hodeir va en tirer une suite d’orchestre, “Saint-Tropez”, qui fit l’objet d’un enregistrement l’année suivante*. Dans sa deuxième partie, la grammaire et le vocabulaire du bop nourrissent un contrepoint qu’Hodeir pense et organise en musicien de jazz et non en musicien classique inféodé au vocabulaire de la musique baroque. Ses mouvements mélodiques ne possèdent pas encore la fluidité des pièces qu’il écrira plus tard, mais, comme le fait remarquer Pierre Fargeton**, ils montrent bien le bénéfice que le jazz peut tirer des instruments lorsqu’ils sont au service d’un compositeur qui sait les mettre en valeur.  

 

*Christian Bellest (trompette), Nat Peck (trombone), Hubert Rostaing (clarinette et saxophone alto), Bobby Jaspar (saxophone ténor), William Boucaya (saxophone baryton), Bernard Peiffer (piano), Pierre Michelot (contrebasse), Pierre Lemarchand (batterie) et Raymond Le Sénéchal (vibraphone) en sont les musiciens. Le CD “André Hodeir, The Vogue Sessions” (Vogue/BMG) contient également la musique écrite pour “Autour d’un récif” ainsi que l’album intitulé “Essais” enregistré avec le Jazz Groupe de Paris en décembre 1954. L’une des plages, Paraphrase sur Saint-Tropez, est construite sur un interlude musical du film de Paul Paviot.

 

**On lira avec intérêt le gros livre que Pierre Fargeton a consacré à André Hodeir en 2017, ouvrage préfacé par Martial Solal et récompensé la même année par l’Académie du Jazz : “André Hodeir, le jazz et son double” (Éditions Symétrie).

 

 

Une Parisienne”, un film que Michel Boisrond réalisa en 1957 avec Brigitte Bardot dont on trouvera la musique dans le CD “Jazz & Cinéma vol.5” (Collection Jazz in Paris / Universal), est la première partition d’André Hodeir qui traite la voix comme un instrument. Son générique, Paris B.B., fait entendre un ensemble de cuivres (trois trompettes et trois trombones) derrière celle de Christiane Legrand vocalisant sur des onomatopées dans le registre le plus aigu de sa tessiture. Pete Rugulo le reprendra trois ans plus tard dans son disque “Behind Brigitte Bardot” (Warner), habillé d’un nouvel arrangement.

 

 

 

Largement atonal, “Le Palais Idéal” est une suite en sept mouvements réunissant deux trompettes, un trombone, trois saxophones, un vibraphone (Jean-Pierre Drouet), une contrebasse et une batterie. André Hodeir l’écrivit pour un court métrage de dix-sept minutes que le cinéaste Ado Kyrou*tourna en 1958 sur la construction du facteur Cheval dans la Drôme. Le recueil “Jazz et Jazz” (Fontana) en contient une version enregistrée par le Jazz Groupe de Paris deux ans plus tard avec un personnel quelque peu différent.

 

Composée en 1958 lors d’un séjour près de Lisbonne, la partition de “Chutes de pierres, danger de mort”, court métrage et premier film du compositeur Michel Fano**, donne à André Hodeir l’occasion d’inventer un langage onomatopéique pour la voix de Christiane Legrand qui dialogue avec le saxophone alto d’Hubert Rostaing. Remaniée, la musique deviendra en 1960 sa Jazz Cantata, une œuvre en sept parties dans laquelle le compositeur utilise pour la première fois la technique d’improvisation simulée, le compositeur écrivant les improvisations des musiciens, ces derniers les interprétant comme des acteurs travaillant sur les dialogues d’un film.

 

*Écrivain et cinéaste, Ado Kyrou créa en 1950 la revue L’Âge du cinéma et fut l’un des collaborateurs de la revue Positif.

 

**Coproducteur des films d’Alain Resnais “Hiroshima mon amour” (1959) et “L’Année dernière à Marienbad” (1961), Michel Fano composera les musiques de la plupart des films d’Alain Robbe-Grillet. “Chutes de pierres, danger de mort” est visible sur son site :

www.michelfano.fr/

Film violent et sans grand intérêt de Claude Bernard-Aubert racontant les amours contrariés d’une Noire et d’un Blanc, “Les Tripes au soleil”* (1959) inspira à André Hodeir une partition pour grand orchestre – cinq trompettes, quatre trombones, cinq saxophones, xylophone, marimba, deux vibraphones, groupe vocal (trois femmes et trois hommes) et voix de soprano. Christiane Legrand, en est la soliste avec Roger Guérin (trompette) et Pierre Gossez (saxophone alto). Dans cette œuvre en quatre parties tirée de la musique du film, le compositeur cherche à utiliser autrement le blues et les riffs employés par les jazzmen. Il y approfondit surtout des recherches formelles qui vont le conduire à écrire, quelques années plus tard, “Anna Livia Plurabelle” (1966) et “Bitter Ending” (1972).

 

*Disponible en CD, sa musique est aujourd’hui couplée avec “Jazz et Jazz”, mais aussi réunie avec d’autres musiques de films dans “Jazz & cinéma vol.3” (Collection Jazz In Paris / Universal).

Dernière collaboration d’Henri Crolla avec André Hodeir, “Saint-Tropez Blues”* (1960), un film oubliable et oublié de Marcel Moussy interprété par Marie Laforêt et Jacques Higelin contient quelques belles pages de jazz. Retravaillées par Hodeir, Paris Saint-Tropez et Barbecue I et II, devinrent Trope à Saint-Trope et Osymetrios I et II, anagramme de Misterioso et hommage revendiqué à Thelonious Monk dont Hodeir admirait la musique.

 

*La B.O. de “Saint-Tropez Blues” est disponible dans le CD “Jazz & Cinéma vol.5” (Collection Jazz in Paris / Universal). Trope à Saint-Trope et Osymetrios I et II sont inclus dans l’album “Jazz et Jazz“ publié sur Fontana en 1960 et réédité en CD par Universal avec la B.O. du film “Les Tripes au soleil”.     

Une des dernières musiques de films qu’André Hodeir composa après la mort d’Henri Crolla fut celle de “L’Écume des jours”* de Charles Belmont. Le compositeur y utilise une instrumentation inhabituelle qui n’est pas sans évoquer les sonorités d’“Anna Livia Plurabelle” qu’il a enregistré quelques mois plus tôt en juin et juillet 1966. L’orchestration fait appel à une guitare électrique, un vibraphone, une flûte, une harpe, un hautbois, une, voire deux clarinette(s) dont une clarinette basse, une section rythmique (contrebasse et batterie) et un chœur de jeunes filles, celui de la Maîtrise de l’O.R.T.F. Tourné en 1967 avec de jeunes acteurs – Jacques Perrin, Marie-France Pisier –, et sorti en salles deux mois avant mai 68, le film fourmille d’inventions visuelles (le pianocktail) et sonores dues à Pierre Henry. D’une grande fraîcheur poétique, il est beaucoup plus réussi que sa réputation le laissait entendre et Boris Vian n’y est pas trahi. « C’est un film qui a la grâce » déclara en 1968 Jean Renoir à la Mostra de Venise. Brillamment orchestrée, sa musique lumineuse contribue à la dramaturgie du plus célèbre récit romanesque de Vian. Probablement enregistrée en septembre 1967, elle fit l’objet d’un 45 tours Philips comprenant cinq titres : Colin et les orphelines, L’Enlèvement, Bigle-moi, La Chambre de Chloé et Sortie de Chloé.

 

*Grâce à François Roulmann et Christelle Gonzalo, auteurs d’“Anatomie du Bison”, Prix du livre de Jazz 2019 décerné par l’Académie du Jazz, le film vient d’être édité en DVD. Il sera commercialisé à partir du 10 juin, mais on peut déjà se le procurer à la librairie de Christelle Gonzalo (Sur le fil de Paris, 2, rue de L’Ave Maria, 06.81.80.64.45) ou dans celle de François Roulmann (12 rue Beautreillis, 06.60.62.98.03), toutes deux dans le 4ème arrondissement de Paris.

 

Jacques Prévert parle du film de Charles Belmont :   www.dailymotion.com/video/xzf7dn

 

André Hodeir jouant sur le « pianocktail » fabriqué pour le film de Charles Belmont “L’Écume des jours”, document aimablement fourni par Pierre Fargeton © Archives André Hodeir / photo X/D.R. 

Jazz : sur quelques films et leurs musiques (3ème partie)

Crédits photos : André Hodeir © Jean-Pierre Leloir – Photo du film de Paul Paviot “Saint-Tropez, devoir de vacances” © Photo X/D.R.

Merci pour vos commentaires.

À suivre…  

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18 mai 2020 1 18 /05 /mai /2020 10:47
Jazz : sur quelques films et leurs musiques (2ème partie)

L’âge d’or du jazz à Hollywood (2) 

L’année même de la sortie de “Shadows” (1959), Otto Preminger adaptait à l’écran le best-seller que le juge John D. Voelker avait publié quelques mois plus tôt sous le nom de Robert Traver : “Anatomy of a Murder” (“Autopsie d’un meurtre”). Le lieutenant Frederick Manion (Ben Gazzara) qui a assassiné l’homme qui a violé son épouse est-il coupable de meurtre ? Avocat bohème et inactif, Paul Biegler (James Stewart) accepte d’assurer sa défense. Preminger en commanda la musique à Duke Ellington. Avant de l’enregistrer avec son orchestre fin mai et début juin 1959, ce dernier passa du temps sur le plateau et assista à la projection des rushes. Étroitement lié à la dramaturgie du film, le jazz ellingtonien traduit le caractère des personnages, l’évolution de leurs sentiments et apporte à chaque scène son atmosphère particulière. Un blues aux riffs de cuivres tonitruants et un rythme binaire accompagnent l’inoubliable générique de Saul Bass, la bande-son devenant intimiste lorsqu’elle se fait entendre dans un bar en arrière-plan, ou lors de la promenade nocturne que s’offrent James Stewart et Lee Remick (Laura Manion). Sensuelle et élégante, parfois tendue et angoissante, la musique est si bonne qu’elle se suffit à elle-même, s’écoute très bien sur disque, sans les images qu’elle accompagne. Sur les écrans américains le 1er juillet 1959, “Anatomy of a Murder” obtiendra la même année le Lion d’Or de la Mostra de Venise et de nombreux Oscars dont celui du meilleur film.

 

“Anatomy of a Murder” (Générique de Saul Bass) : www.youtube.com/watch?v=QccJ2L-7DVk

 

Toujours en 1959, un autre musicien afro-américain, le pianiste John Lewis, se vit confier la musique de “Odds Against Tomorrow” (“Le Coup de l’escalier”), un film policier de Robert Wise avec Robert RyanHarry Belafonte, et Shelley Winters dans les rôles principaux, un casse qui se termine mal à cause du racisme de l’un des personnages. Ce n’était pas la première fois que Lewis travaillait avec un cinéaste. Deux ans auparavant, Roger Vadim lui avait commandé la bande-originale de “Sait-on jamais…” (“No Sun in Venice”), un film souffrant malheureusement d’un scénario déficient. Avec le Modern Jazz Quartet, il en improvisa la musique dans un studio de New York à partir des images. En 1958, il signait celle de “Cities of People”, un documentaire commandé par les Nations Unies, composant à cette occasion le thème Under the Jasmine Tree.

 

Pour “Odds Against Tomorrow”, Lewis s’y prit différemment, se faisant longuement raconter l’histoire du film avec Wise et visionnant les rushes afin que sa musique puisse coller au plus près aux images. Un orchestre de 22 musiciens (4 trompettes, 4 cors d’harmonie, 2 trombones, 1 tuba et 1 flûte sous la responsabilité de Gunther Schuller rien que pour les cuivres !) l’enregistra à New York, les 16, 17 et 20 juillet 1959 pour United Artists. Si Milt Jackson, Percy Heath et Connie Kay sont présents, John Lewis préféra confier le piano à Bill Evans, le guitariste Jim Hall complétant la section rythmique. Le film sortit aux États-Unis en octobre et en janvier 1960 en France. Jean-Pierre Melville considérait sa musique comme la meilleure bande originale de film jamais écrite. Lorsqu’il réalisa “Le Cercle Rouge” en 1970, il commanda à Éric Demarsan une partition se rapprochant le plus possible de celle de Lewis. Toujours pour United Artists, ce dernier enregistra six titres de sa B.O en octobre 1959 avec le Modern Jazz Quartet sous le titre “Music from Odds Against Tomorrow”.

Jazz : sur quelques films et leurs musiques (2ème partie)

Réalisé en 1961 par Robert Rossen “The Hustler” (“L’Arnaqueur”), un excellent film noir, renferme une étonnante bande-son publiée la même année sur Kapp Records et rééditée en CD en 2011 sur Trunk Records. Son auteur, Kenyon Hopkins, n’est pas un jazzman. Auteur de plusieurs symphonies, il composa les musiques de “Baby Doll” pour Elia Kazan, “12 Angry Men” (“Douze hommes en colère”) pour Sidney Lumet et “This Property is Condemned” (“Propriété interdite”) pour Sydney Pollack. Celle de “The Hustler” relève bien du jazz. Elle rassemble dix-sept musiciens parmi lesquels Phil Woods et Jerome Richardson aux saxophones, Bernie Glow et Joe Wilder aux trompettes, Jimmy Cleveland et Frank Rehak aux trombones, la section rythmique étant assurée par Barry Galbraith (guitare), Hank Jones (piano), Milt Hinton (contrebasse) et Osie Johnson (batterie). Adapté d’un livre de Walter Tevis, un auteur de roman noir et de science-fiction, et tourné en scope noir et blanc, “The Hustler” raconte l’histoire d’Eddie Felson (Paul Newman), un spécialiste du billard qui se fait passer pour un joueur débutant afin de plumer ses adversaires. Pour prouver sa valeur, il va affronter Minnesota Fats (Jackie Gleason), invaincu depuis quinze ans…Martin Scorsese en réalisa une suite en 1986, “The Color of Money” (“La Couleur de l’argent”) avec Paul Newman et Tom Cruise.

 

“The Hustler” (Bande-annonce) :  www.youtube.com/watch?v=67faCqmcXjE 

Quelques films français des années 40 et 50

À la Libération, le jazz, musique de la jeunesse et des « zazous » investit les caves de Saint-Germain-des-Prés. Tenants du swing, adeptes d’un be-bop tout juste naissant et amateurs de New-Orleans Revival* se partagent les caves germanopratines. A partir de 1946, Claude Luter, un jeune musicien de l’orchestre de Claude Abadie, trouve un engagement au Lorientais, une grande cave dépendant de l’hôtel des Carmes. Le dixieland que le clarinettiste joue avec ses musiciens, les Lorientais, attire une jeunesse avide de vivre et de danser après les années de guerre. Cette jeunesse, Jacques Becker en dresse un portrait sincère et attachant dans “Rendez-vous de juillet” qu’il réalisa en 1949 et qui obtint cette année-là le Prix Louis-Delluc. Becker aime le jazz mais si son film semble en partie improvisé, il l’a longuement préparé se rendant très souvent rue des Carmes pour observer les comportements des jeunes gens dont il raconte l’histoire à travers ses comédiens (Daniel Gélin, Nicole Courcel, Brigitte Auber et Maurice Ronet qu'il fait jouer dans la formation de Luter. Mowgli Jospin (le frère de Lionel) en est le tromboniste. Le trompettiste Rex Stewart se joint à elle dans une des scènes d’un film qui immortalise avec tendresse le Saint-Germain-des-Prés de l’après-guerre.

 

*Bien que Sidney Bechet soit alors une immense vedette populaire, le New-Orleans Revival n’est pourtant qu’un épiphénomène dans la marche que le jazz a entrepris pour se moderniser. Né au début des années 40 dans les clubs de Harlem, le be-bop va bien davantage se répandre en Europe et susciter l’enthousiasme des jeunes cinéastes.

 

Jacques Becker parle de son film et de son intérêt pour le jazz (archives INA) :

www.youtube.com/watch?v=aZcJknEfc-o

 

Une scène de “Rendez-vous de juillet” tournée au Lorientais.

www.youtube.com/watch?v=4ORER0VyEZ4 

Michel Legrand avait déjà à son actif quelques musiques et orchestrations pour le cinéma, notamment celle de “Razzia sur la chnouf”, musique de Marc Lanjean*, lorsqu’il composa celle de “Rafles sur la ville”, film policier de Pierre Chenal** tourné en 1957 avec Charles Vanel et Michel Piccoli dans les rôles principaux. Ce dernier, un policier, utilise le neveu et la maîtresse de Vanel, un truand responsable de la mort d’un de ses collègues, pour l’attirer dans un piège. Il parvient à l'arrêter, mais les choses ne se passent pas comme prévu. Très apprécié de Bertrand Tavernier, bénéficiant d’excellents acteurs et d'un scénario tiré d’un roman d’Auguste Le Breton, “Rafles sur la ville” reste un modèle de construction. Les scènes travaillées et concises lui donnent un rythme rapide, les comédiens parvenant à donner aux personnages qu’ils interprètent une dimension humaine saisissante. Dans “J’ai le regret de vous dire oui”, livre coécrit avec Stéphane Lerouge, Michel Legrand parle très peu de la musique de ce film. La trouvant brillante, il reconnaît l’avoir écrite sous l’influence d’Alex North et de la partition de “Sur les quais” (Leonard Bernstein). Enregistrée avec un grand orchestre comprenant des cordes et des cuivres dont les stridences éclatent au générique, la sienne relève du jazz que Legrand va magnifiquement servir l’année suivante avec “Legrand Jazz” (Philips/Universal), disque en grand orchestre réunissant des géants du jazz américain (Miles Davis, Ben Webster, Phil Woods, Art Farmer) et dans lequel il confirme son talent d’arrangeur.

 

*Pianiste des orchestres de Ray Ventura et de Jacques Hélian et auteur de chansons (Maladie d’amour), Marc Lanjean (1903-1964) signa plusieurs dizaines de musiques de films.

 

**Un peu oublié aujourd’hui, on doit à Pierre Chenal (1904-1990) “La Maison du Maltais” (1938), “Le Dernier tournant” (1939), première adaptation et sans doute la meilleure du livre de James M. Cain “Le Facteur sonne toujours deux fois” , et “L’Assassin connaît la musique” (1963), une comédie noire dans laquelle Paul Meurisse est éblouissant.

 

“Rafles sur la ville” est visible en entier sur youtube (durée 78 minutes). Pourquoi s’en priver : 

www.youtube.com/watch?v=LfvnhQvxfAY

Jazz : sur quelques films et leurs musiques (2ème partie)

En 1957, profitant de la présence à Paris de Miles Davis dans le cadre d’une tournée européenne organisée par l’imprésario Marcel Romano et conseillé par Jean-Paul Rappeneau également passionné de jazz, Louis Malle persuada le trompettiste de faire la musique de son premier film dont il venait de terminer le tournage, “Ascenseur pour l’échafaud”. Miles le visionna avant d’en enregistrer nuitamment la bande-son au Poste Parisien quelques jours plus tard en présence du réalisateur et de Jeanne Moreau. Se voyant confier des ébauches de thèmes aux grilles harmoniques relativement simples, les musiciens réunis avec lui en studio* improvisèrent sur les scènes projetées en boucle qu’ils devaient illustrer. Plusieurs prises furent nécessaires et un écho fut rajouté au montage afin d’accentuer l’aspect dramatique de la musique. Pour Louis Malle, cette dernière ne devait pas coller à l’image mais lui servir de contrepoint, de commentaire. Accompagnant le générique, la promenade nocturne de Florence (Jeanne Moreau) sur les Champs-Élysées, elle contribue beaucoup à l’atmosphère crépusculaire du film (Prix Louis-Delluc 1957) et lui confère son unité. Publiée en France l’année suivante, sa musique, un 33 tours 25 cm Fontana**, obtint le Grand Prix du disque de l’Académie Charles Cros.

 

*Barney Wilen (saxophone ténor), René Urtreger (piano), Pierre Michelot (contrebasse) et Kenny Clarke (batterie).

  

**Un disque aujourd’hui réédité en vinyle (25 cm) et à l’identique par Sam Records. L’intégralité de la séance d’enregistrement a été éditée en CD en 1988 par Polygram.

 

“Ascenseur pour l’Échafaud” (Bande-annonce) :

http://www.youtube.com/watch?v=SjfQWZ84_bw 

Si “Des femmes disparaissent”, un film policier d’Édouard Molinaro dialogué par Albert Simonin ne brille pas par l’originalité de son scénario, sa musique qu’apporte les Jazz Messengers d’Art Blakey retient l’attention. Depuis le concert qu’ils avaient donné à l’Olympia en novembre 1958, ces derniers étaient devenus les coqueluches des amateurs de jazz de la capitale. Avec Lee Morgan à la trompette, Benny Golson au saxophone ténor, Bobby Timmons au piano, Jymie Merrit à la contrebasse et Art Blakey à la batterie, les Messengers alignaient alors l’une des meilleures formations de son histoire. En décembre 1958, sous la direction artistique de Marcel Romano, elle enregistra dix-huit morceaux parfois très courts qui furent édités sur Fontana l’année suivante. Art Blakey composa quelques originaux, mais par manque de temps et de préparation, le groupe reprit sous d’autres titres des morceaux de son répertoire, le célèbre Whisper Not de Benny Golson devenant Ne chuchote pas, tour de passe-passe qui ne dérangea personne.

 

Malgré un scénario imaginé par le duo Boileau-Narcejac* et Gérard Oury, “Un Témoin dans la ville”, film policier de 1959 d’Édouard Molinaro, la traque nocturne d’un chauffeur de taxi assassin (Lino Ventura), a quelque peu vieilli. Pas sa bande-son, que le cinéaste, toujours conseillé par Marcel Romano, confia à Barney Wilen, le plus américain des jazzmen français. Âgé de 25 ans, Barney est déjà célèbre. Prix Django Reinhardt 1958 de l’Académie du Jazz, membre du combo qui, autour de Miles Davis, venait d’enregistrer la musique d’“Ascenseur pour l’échafaud”, le saxophoniste avait déjà publié plusieurs albums sous son nom et était à l’aube d’une brillante carrière. Le trompettiste Kenny Dorham et le pianiste Duke Jordan vinrent spécialement à Paris enregistrer la partition, Paul Rovère (contrebasse) Kenny Clarke (batterie) et Barney (au ténor et au soprano) complétant la formation. Le disque Philips édité la même année contient les versions complètes des morceaux enregistrés pour le film.    

 

*Les livres de Pierre Boileau et Thomas Narcejac, célèbres auteurs de romans policiers, ont souvent inspirés les cinéastes. “Celle qui n’était plus” fut porté à l’écran en 1954 par Henri-Georges Clouzot en 1954 (“Les diaboliques”), “D’entre les morts” par Alfred Hitchcock en 1958 (“Vertigo”) et “Maléfices” par Henri Decoin en 1961.

 

”Un Témoin dans la ville” Générique et thème principal :

http://www.youtube.com/watch?v=p_sn4o7Y6kk

Portrait d’une jeunesse oisive, cynique et désabusée « lâchée dans un monde qui se débine », “Les Tricheurs” que Marcel Carné réalisa en 1958 est loin d’approcher ses chefs-d’œuvre des années 30 et 40*, mais reste un film attachant. Ses protagonistes sont des êtres fragiles qui boivent et vont de fêtes en fêtes pour oublier leur mal de vivre. Orchestré par un Laurent Terzieff machiavélique, le jeu de la vérité auquel se livrent Mic (Pascale Petit) et Bob (Jacques Charrier) est celui du mensonge. Nos tricheurs écoutent du jazz dans les bars de Saint-Germain-des-Prés qu’ils fréquentent, au Caveau de la Huchette dans lequel se produit Maxim Saury et son New Orleans Sound, dans les surprises-parties qui les tiennent éveillés jusqu’à l’aube. Profitant d’une tournée européenne du JATP**, Marcel Carné fit enregistrer quatre titres à ses musiciens. Utilisés comme musique d’atmosphère dans le film, joués sur des juke-box et des tourne-disques et partiellement couverts par les voix des acteurs, ils méritent d’être écoutés dans de bonnes conditions. Des morceaux de Chet Baker, Gerry Mulligan (Bernie’s Tune), Fats Domino, Buddy Rich, Lionel Hampton (Crazy Hamp) complètent la bande-son du film. Oscar and Pete’s Blues de Pete Rugolo en est le générique.

 

*Drôle de drame”, “Le Quai des Brumes”, “Hôtel du Nord” et surtout “Les Enfants du Paradis”, le plus grand film du cinéma français.

 

**Jazz at the Philharmonic. En sont membres en 1958 : Roy Eldridge & Dizzy Gillespie (trompette), Stan Getz, Coleman Hawkins & Sonny Stitt (saxophones), Oscar Peterson (piano), Herb Ellis (guitare), Ray Brown (contrebasse), Gus Johnson (batterie).

Quatrième film de Roger Vadim, “Les Liaisons dangereuses 1960” n’a d’intérêt que sa musique. Ses acteurs, Gérard Philippe, Jeanne Moreau et Boris Vian qui tient un petit rôle, ne parviennent pas à sauver cette adaptation fadasse du roman sulfureux de Choderlos de Laclos. Ayant achevé son tournage en avril 1959, Vadim qui souhaitait au plus vite monter de la musique sur ses images avait chargé Marcel Romano de demander à Thelonious Monk d’en écrire la musique. Après avoir vainement tenté de faire venir ce dernier à Paris – dépressif, le pianiste venait de passer une semaine dans hôpital psychiatrique –, Romano arriva à New-York à la fin du mois de juin. Après avoir visionné une copie de travail, Monk accepta finalement de se charger de la bande-son, l’enregistrant au Nola Penthouse Sound Studios le 27 juillet 1959*. N’ayant toutefois aucun nouveau morceau à proposer, il joua six de ses compositions, une improvisation autour d’un blues et un gospel, sans tenir compte de la durée des scènes. Seuls quelques extraits de sa musique seront utilisés**. Par précaution, Romano avait également demandé au pianiste Duke Jordan une musique pour “Les Liaisons”. Avec Barney Wilen au saxophone ténor, Art Blakey et ses Jazz Messengers l’enregistrèrent quelques jours plus tard. Vadim en intégra des extraits dans son film. Il fit de même avec les morceaux de Monk, les plaçant souvent derrière des dialogues et lui accordant la musique du générique. On croyait le reste perdu jusqu’à la découverte en 2014 de l’intégralité de la séance dans les archives de Marcel Romano. Sam Records, la commercialisa le 22 avril 2017, jour du Disquaire Day.

 

*Charlie Rouse et Barney Wilen (saxophone ténor), Thelonious Monk (piano), Sam Jones (contrebasse) et Art Taylor (batterie) en sont les musiciens.

 

**We’ll Understand It Better By and By illustre les retrouvailles de Valmont (Gérard Philippe) et de Marianne dans une petite chapelle savoyarde. Well, You Needn’t est joué pendant la réception que donnent les Valmont au début du film. Une version en quartette de Pannonica accompagne les images de la première rencontre entre Valmont et la jeune Marianne Tourvel. Joué en solo, Crepuscule With Nellie est la musique du générique.

Tourné avec une équipe réduite et traité comme un documentaire, “Deux Hommes dans Manhattan” (1958) rend hommage aux films noirs américains que Jean-Pierre Melville, son auteur, a toujours apprécié. Le temps d’une nuit, un journaliste et un photographe (le cinéaste et Pierre Grasset) déambulent dans Manhattan à la recherche d’un diplomate disparu qu’ils retrouvent décédé d’une crise cardiaque. L’intrigue policière est mince, son dénouement décevant, mais l’histoire n’a guère d’importance. Le véritable sujet du film est New York, ses bars, ses rues, ses néons et son jazz. Melville en confia la musique à Christian Chevallier et à Martial Solal. Chargé des scènes finales, ce dernier fait tourner un ostinato de piano envoûtant que rythment des percussions, sept minutes d’une musique sous tension. L’errance des deux journalistes les conduit à assister dans les studios Capitol à l’enregistrement d’une chanson, Street in Manhattan*, puis d’écouter, dans un bar au petit matin, la formation du trompettiste Bernard Hulin.

 

*Glenda Leigh, son interprète est accompagnée par Christian Chevallier (vibraphone), Art Simmons (piano), Paul Rovère (contrebasse) et Kansas Fields (batterie).

 

“Deux Hommes dans Manhattan” (Générique) : http://www.youtube.com/watch?v=hscbw3iFLOU

Glenda Leigh : Street in Manhattan : http://www.youtube.com/watch?v=Ks-epIHT38I     

Jazz : sur quelques films et leurs musiques (2ème partie)

En 1959, conseillé par Jean-Pierre Melville, Jean-Luc Godard commanda à Martial Solal la musique de son premier film, “A Bout de souffle”*, film emblématique marquant la naissance de la Nouvelle Vague**. D’une durée initiale d’environ deux heures dix, Godard le réduisit à une heure vingt-sept, coupant à même les plans et parfois de façon abrupte, les fragmentant et les contractant pour leur donner du rythme. Le montage était quasiment terminé lorsque Solal assista à une projection de travail. Tourné en caméra muette et postsynchronisé plus tard, le film, privé de sons, avait encore très peu de dialogues. Godard les écrivait au fur et à mesure du tournage sur des tables de bistro et, à l’étonnement de ses acteurs déconcertés par sa méthode de travail, les leur soufflait pendant les prises, tout comme il leur donnait sur place des indications de jeu.

 

*Le film reçut en 1960 le Prix Jean Vigo et le Prix de la Meilleure Mise en Scène au Festival de Berlin. Un long chapitre de la biographie de Jean-Luc Godard par Antoine de Baecque (Arthème Fayard/Pluriel) est consacré à “A Bout de souffle”. Édité par Studio Canal, le DVD du film contient un documentaire très intéressant sur son tournage réalisé par Claude Ventura en 1993, “Chambre 12, hôtel de Suède”.

 

**Le terme fut pour la première fois employé par Françoise Giroud dans une enquête sociologique de l’Express en 1957. Pour certains historiens du cinéma, “La pointe courte” d’Agnès Varda (1954) est le premier film de la Nouvelle Vague” ; pour d’autres, il s’agit du “Beau Serge” que Claude Chabrol acheva de tourner en février 1958.

 

Constamment modifié, le scénario se construisait au jour le jour : recherché pour le meurtre d’un motard, un malfrat monté à Paris cherche à récupérer l’argent qu’on lui doit avant de gagner Rome avec une jeune américaine avec laquelle il tente de reprendre une liaison. Dénoncé par cette dernière, il est finalement abattu par la police. Une histoire simple, mais portée par des dialogues très modernes pour l’époque, par une Jean Seberg délicieuse avec son accent, sa jeunesse et sa coupe à la garçonne, par les répliques si naturelles qu’on peut les croire improvisées de Jean-Paul Belmondo. Jusqu’à la fin du tournage, Godard hésita à le faire mourir. Georges de Beauregard, le producteur du film, lui avait imposé Raoul Coutard comme chef opérateur. Longtemps correspondant de guerre en Indochine, ce dernier ne craignait pas les situations difficiles, les scènes improvisées tournées rapidement. Les prises furent peu nombreuses et les répétitions aussi. Légère, la caméra était portée à bout de bras ou à l’épaule, le tournage se faisant entièrement en lumière naturelle.

 

Ayant accepté d’en écrire la musique, Martial Solal travailla au chronomètre, écrivant de brèves séquences musicales adaptées aux situations dans lesquelles se trouvaient les personnages « Il fallait des cordes pour Jean Seberg sur les Champs-Élysées, des cuivres pour la fuite, des solistes – sax alto ou vibraphone – pour le côté tragique.* » Si Godard cherchait à rompre avec toute narration de forme classique, Solal, qui n’avait reçu aucune indication du cinéaste, en resta à une partition de jazz assez conventionnelle. Avec son regard de musicien qu’il partage avec John Cassavetes dont le film “Shadows” possède des points communs, Godard la retravailla, reprenant comme leitmotiv les cinq notes associées à Belmondo** dès le début du film et déclinés par l’orchestre ou le piano, répétant à maintes reprises de brefs segments musicaux. Son montage agressif les intègre totalement à un film dont les coupes et les raccords approximatifs dynamisent la narration. Nerveux et rythmés, ils lui donnent fraîcheur et spontanéité, comme si les situations auxquelles les personnages étaient confrontés se déroulaient sous nos yeux.


 

*Propos confiés à Stéphane Lerouge pour le livret du CD Emarcy/Universal qui en contient la musique. Outre Martial Solal au piano, les solistes en sont Roger Guérin (trompette), Pierre Gossez (saxophone alto), Michel Hausser (vibraphone), Paul Rovère (contrebasse) et Daniel Humair (batterie). Enregistré en février 2013, “Vaguement Godard” (Illusions) , un disque en solo du pianiste Stéphan Oliva consacré à quelques musiques des films du cinéaste, contient celle d’“A Bout de souffle” repensée sous forme de suite. Ruptures de rythmes, dissonances et moments de pure tendresse y cohabitent avec bonheur.

 

**Jean-Paul Belmondo et Martial Solal sont également tous les deux au générique d’“Échappement libre”, un amusant film policier que Jean Becker réalisa en 1964 et dont Solal composa la musique.

 

“A Bout de souffle” (Bande-annonce) : http://www.youtube.com/watch?v=4BzJ2UR_QmQ

 

Crédits photos : Jeanne Moreau & Miles Davis au cours de la séance d’enregistrement d’“Ascenseur pour l’échafaud” au Poste Parisien © Cohen – James Stewart & Ben Gazzara dans “Anatomy of a Murder” – Paul Newman & Jackie Gleason dans “The Hustler” – Jean-Paul Belmondo & Jean Seberg dans “A Bout de souffle”  – Jean-Luc Godard © Photos X/D.R.

 

Merci pour vos commentaires.

À suivre…  

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