blog de Choc

Trompettiste véloce et virtuose, Nicolas Folmer aime prendre des risques, faire des rencontres inattendues. Co-leader avec Pierre Bertrand du Paris Jazz Big Band, il trempe ses phrases fiévreuses et bien sculptées dans le bop. Très à l’aise au sein du quintette de René Urtreger, on l’a entendu diversifier son art au Duc des Lombards auprès du saxophoniste Bob Mintzer, de la pianiste Junko Onishi. Dans ce même club s’est constitué le présent quartette que co-dirige Daniel Humair, association à priori surprenante, le batteur frayant depuis plusieurs années avec de jeunes musiciens aventureux qui jouent leurs propres compositions, ouvrent de nouvelles voies à l’improvisation, inventent un autre jazz. Auprès d’eux, Nicolas Folmer fait figure de musicien classique. Ses pièces structurées et mélodiques ont toutefois séduit Daniel qui y introduit des métriques souples et ouvertes, la musique, souvent modale et jamais figée, favorisant interaction et jeu collectif. Le trompettiste reste toutefois le principal soliste de ce groupe né sur scène, mais enregistré ici en studio. Soignée, la prise de son restitue fidèlement les timbres des instruments. Faite de peau, de bois, et de métal, la batterie donne relief et épaisseur à la musique, Daniel Humair, peintre de la mesure, ajoutant de la couleur à ses rythmes. Sans cesse à l’écoute, la contrebasse de Laurent Vernerey anticipe le discours musical, propose lignes de force et points d’appui. S’il ne prend que de rares chorus, Alfio Origlio structure et cadre le discours musical, l’ancre dans une harmonie élégante et subtile. Nicolas Folmer peut à loisir moduler de longues phrases lyriques. Une rythmique réactive, un piano prompteur assurent ses arrières, apportent un mouvement inattendu à un flux sonore toujours surprenant. Les compositions, de Nicolas pour la plupart, bénéficient toutes d’une approche originale. Daniel confie au quartette Gravenstein et Galinette. Alfio apporte River Calme, pièce lumineuse dans laquelle brille son propre piano. Un vrai groupe est né. Souhaitons lui d’autres disques et de nombreux concerts.  

Août 2012 : C’est au studio Recall, un mas en pierre de taille au cœur d’un ancien domaine vinicole de cinq hectares aux portes des Cévennes, que Jacky Terrasson me fait découvrir les quatorze morceaux qu’il y a enregistrés. “Gouache” n’en contient que dix. Un onzième, D-ling, est disponible sur I Tunes. Le trompettiste Stéphane Belmondo est là aussi. Comme Jacky, un habitué des lieux, il y passe ses vacances, profite de l'été pour se détendre. Sur la photo ci-dessous, Stéphane et Jacky boivent à la santé de leur hôte, Philippe Gaillot. Stéphane vient de finir des prises destinées à un disque que prépare ce dernier, une tuerie dans laquelle, outre Jacky, jouent Mike Stern, Olivier Ker Ourio et Dominique Di Piazza. Musicien, arrangeur et ingénieur du son aux très grandes oreilles, Philippe a enregistré et assuré le mixage du nouveau disque du pianiste, un opus multicolore, Jacky passant parfois du Steinway au Fender Rhodes équipé d’une pédale wah wah, procédé utilisé dans la composition qui donne son nom à l’album. Outre Stéphane qui apporte les timbres magiques de son bugle et de sa trompette, Michel P brille à la clarinette b dans Try to Catch Me, le morceau d’ouverture. Construit sur un ostinato, il concilie rythmes latins et tempo décoiffant relevant du hip-hop. Bénéficiant d’une section rythmique superlative – Burniss Earl Travis à la basse électrique et à la contrebasse, Justin Faulkner à la batterie, Minino Garay aux percussions – “Gouache” fait la part belle au groove et contient des reprises aussi heureuses qu’inattendues. Les puristes qui n'affectionnent que les standards qu'ils connaissent se consoleront avec une version enlevée de Valse Hot que signa le grand Sonny Rollins. Car il fallait oser jazzifier Baby,méga tube récent (2010) de Justin Bieber, jeune chanteur canadien dont les photos tapissent les murs des chambres des ados. Plus surprenante encore, cette version de Rehab de la regrettée Amy Winehouse. Épurée et ralentie, elle devient ici un blues, une nouvelle création. Jacky n’hésite pas non plus à reprendre de très vieux morceaux telle cette version sensuelle de Je te veux, crée en 1903 par la chanteuse Paulette Darty. Son pianiste, Erik Satie, en composa la musique. Récipiendaire en 2011 de la prestigieuse Thelonious Monk Competition, Cécile McLorin Salvant, dont on apprécie pleinement le grain de voix dans un tel contexte, la chante ici magnifiquement. Associée à Oh My Love, composition de John Lennon extraite d’“Imagine”, son plus bel opus en solo, elle sera pour beaucoup la révélation de cet enregistrement. Autre surprise, cette modernisation de C’est si bon, une chanson du pianiste Henri Betti, longtemps accompagnateur de Maurice Chevalier qui, largement confiée aux percussions, relève ici de la musique des îles. Le morceau le plus émouvant de l’album reste toutefois Mother, composition de Jacky dont les harmonies de toute beauté enthousiasment, le pianiste véloce et virtuose laissant ici parler son cœur. Varié et inspiré, “Gouache” reste l’un de ses meilleurs albums, l’un de ses plus heureux. Le long et lumineux chorus qu’il s'accorde dans Happiness en témoigne.

Concert avec tous les musiciens de l’album le 6 septembre (20h00, Grande Halle de la Villette) dans le cadre du festival Jazz à la Villette.

Photo: Stéphane Belmondo et Jacky Terrasson en vacances au Studio Recall. A gauche, Philippe Gaillot © Pierre de Chocqueuse

Summertime, le temps des valises et de prendre le temps. Comme chaque année depuis bientôt quatre ans, votre blogueur de Choc met son blog en sommeil pour un doux farniente mérité. Rendez-vous en septembre avec des nouvelles des Michu et des concerts qui interpellent. Bonnes vacances à tous et à toutes.

Montage Photo © Pierre de Chocqueuse  

Dernières chroniques de disques avant la mise en sommeil de ce blog. Peu d’albums sont mis en vente en cette période estivale. Profitant de l’accalmie, quelques éditeurs malins mettent en circulation des enregistrements de jazzmen célèbres qui complètent avec bonheur leur discographie. Des concerts inédits de Bill Evans et de Keith Jarrett, des extraits de la dernière tournée de Return to Forever en son et en images accompagneront bains de mer, siestes, excursions en montagne et visites touristiques. J’ai rajouté John Taylor à cette sélection. Les disques de ce grand pianiste, le meilleur d’Angleterre, sortent sans aucune couverture médiatique et passent inaperçus. Dommage. Je vois bien les harmonies lumineuses de son nouvel opus éclairer notre été.

Keith JARRETT : “Sleeper” (ECM / Universal)

Cet enregistrement inattendu nous replonge dans les années 70, lorsque Keith Jarrett travaillait avec deux quartettes dont un européen, Jan Garbarek (saxophones ténor et soprano), Palle Danielsson (contrebasse) et Jon Christensen (batterie) étant alors de l’aventure. Cette dernière commença par “Belonging”, un enregistrement studio de 1974 qui donna son nom à la formation.  Elle se poursuivit avec “My Song“ en 1977. Deux ans plus tard, en mai 1979, le groupe se produisit au Village Vanguard de New York, prestation qui généra un double album live, “Nude Ants”. Auparavant, le Belonging Quartet s’était rendu au Japon, Tokyo l’accueillant pour plusieurs concerts en avril. La musique de l’un d’entre eux ressuscita en 1989, lorsque la firme ECM publia “Personal Mountains” à l’occasion de ses vingt ans d’existence. Une discographie réduite pour un groupe dont l’importance fut considérable dans l’histoire du jazz. On se réjouira d’autant plus de la parution de ce double CD, un “Dormeur”  (“Sleeper” ) qui se réveille après des années de mise en sommeil sur une étagère. Son enregistrement date du 16 avril 1979. Le lieu : le Nakano Sun Plaza de Tokyo. Cela explique que son répertoire recoupe les contenus de “Personal Mountains” et de “Nude Ants”. Avec “Sleeper”, nous possédons aujourd’hui trois versions d’Oasis et d’Innocence, deux de Personnal Mountains, Chant of the Soil, Prismet New Dance. On s’amusera bien sûr à les comparer pour découvrir qu’elles sont toutes différentes malgré les mélodies qu’elles possèdent en commun. Le seul « inédit » est ici So Tender que Jarrett reprendra avec Gary Peacock et Jack DeJohnette dans “Standards, Vol.2”. Le même trio nous donnera aussi une autre version de Prism en 1983. Ces morceaux ont toutefois été spécifiquement écrits par Jarrett pour son quartette européen. Ils n’ont pas pris de rides, semblent même avoir été joués hier, leur modernité les rendant intemporelles. On la doit à une formation soudée autour de son leader qui fait chanter un piano aussi intense que lyrique. Avec lui, capable de jouer des notes brûlantes et d’en souffler des tendres, Jan Garbarek fait entendre sa sonorité âpre et expressive qui influencera de très nombreux saxophonistes. Sa complicité avec Jarrett est particulièrement évidente dans leur interprétation de Personnal Mountainsdont la partie de piano semble décalée par rapport au thème que joue le saxophone. Vers sa quinzième minute, après une danse tribale confiée à une section rythmique très enveloppante que renforce Jarrett aux percussions, le morceau bascule avec l’apparition inattendue d’un second thème plus lyrique que le premier. La transition avec le morceau suivant, Innocence, étonne tout autant. Elle se fait de façon naturelle et se remarque à peine. Le tempo ralentit imperceptiblement. Palle Danielsson qui, un peu plus tard dans Chant of the Soil, va prendre un chorus rythmique époustouflant, fait sonner les harmoniques de sa contrebasse derrière un piano et un saxophone en parfaite osmose. La longueur de certains morceaux ne doit pas vous inquiéter. Introduit par Garbarek à la flûte, Oasis, une pièce modale incantatoire, dépasse les 28 minutes. Fermons les yeux : nous sommes dans une salle de concert, la musique suggère des images et fait monter au ciel.

Bill EVANS “Live at Art D’Lugoff’s Top of the Gate” (Resonance / Codaex)

Même s’ils n’y sont jamais allés, les amateurs de jazz ont entendu parler du Village Gate, club de New York situé au sous-sol du 160 Bleeker Street à Greenwich Village. Il ouvrit ses portes en 1958 et les ferma en 1993, tout comme la salle du rez-de-chaussée baptisée Top of the Gate que le propriétaire des lieux, Art D’Lugoff, avait transformé en club en 1964. Bill Evans s’y produisit quatre semaines en 1968 avec son trio. Eddie Gomez est son contrebassiste attitré depuis 1966. Un nouveau batteur, Marty Morell, l’a rejoint depuis peu. Bill ne lui demande pas de prendre de solos, mais d’assurer le swing et le tempo. Il a des problèmes avec ses batteurs, les souhaite discrets et a choisi Morell pour la délicatesse avec laquelle il caresse sa caisse claire, ponctue le flux musical aux balais, comprend et anticipe ses désirs. Nonobstant certaines escapades, Gomez restera onze ans à ses côtés et Morell sera pour lui une force d’entraînement jusqu’en 1975. Tous les trois participeront aux enregistrements de “What’s New” (en quartette avec Jeremy Steig), “Montreux II”, “The Tokyo Concert”, “But Beautiful” (avec Stan Getz). Toutefois lorsque le 23 octobre 1968 le jeune George Klabin enregistre au Top of the Gate deux sets complets du pianiste pour la WKCR-FM, radio de l’Université de Columbia, Morell connaît encore mal les compositions d’Evans, ce qui explique que Turn of the Stars soit la seule pièce de Bill au sein d’un répertoire de standards. La prise de son est remarquable pour l’époque. Klabin disposait d’un magnétophone deux pistes, une table de mixage stéréo et de quatre excellents micros dont un Neumann U67. Il effectua le mixage en direct ce qui explique la qualité moindre des deux premières plages, Emily et Witchcraft, morceaux au cours desquels il dut effectuer certains réglages. Ces inédits sont également d’un grand intérêt historique. Bill Evans reprend Witchcraft que contient “Portrait in Jazz”, un disque de 1959. On ne connaît pas de version plus ancienne de Here’s That Rainy Day qu’il interprète ici, et c’est le premier enregistrement en trio de Yesterdays, My Funny Valentine et Mother of Earl, une composition d’Earl Zindar dont il affectionne les thèmes. Evans joue un piano nerveux aux notes abondantes, articule avec nuance de longues phrases dont chaque segment semble prendre le temps de respirer. Sa frappe se conjugue à un toucher qui donne de la grâce à sa musique. En trio, il explore de nouveaux territoires harmoniques, applique au jazz un vocabulaire hérité du classique et s’efforce de présenter ses idées dans un langage musical clair et sensible. La présence d’Eddie Gomez à ses côtés est la garantie d’y parvenir. Digne héritier de Scott LaFaro, ce dernier impose sa contrebasse virtuose et chantante. Ses chorus nombreux le voient solliciter les harmoniques, les notes aiguës qui sonnent difficilement et que l’on va rarement chercher. Doublant fréquemment les lignes du piano, il invente ses figures mélodiques, rassure et enrichit un discours evansien en quête de perfection esthétique. 

RETURN TO FOREVER : “The Mothership Returns” (Eagle Records / Naïve)

Annoncé sans tapage médiatique comme tant d’autres disques qui nous tombent dessus en cette saison des pluies, cet enregistrement live de Return to Forever (2 CD et 1 DVD) est loin d’être anodin. Il fait suite à la tournée mondiale qu’assura l’an dernier une formation plusieurs fois remise sur pied depuis sa dissolution officielle en 1977. Chick Corea, Stanley Clarke et Lenny White qu’assistent Frank Gambale et Jean-Luc Ponty reprennent de larges extraits de leurs albums “Hymn to the 7th Galaxy” et “Romantic Warrior” dont la Medieval Overture, introduit leurs concerts au sein desquels abondent les passages acoustiques. Bien que jouant du piano électrique et de nombreux synthés, Chick Corea improvise fréquemment au piano, notamment dans The Romantic Warrior dont il masque longuement le thème. C’est encore au piano qu’il dialogue avec Jean-Luc Ponty, The Shadow of Lo et l’introduction du Concerto de Aranjuez consacrant leur entente. Car le violoniste n’a pas intégré la formation pour y faire de la figuration. Return to Forever IV reprend Renaissance, morceau que Ponty écrivit dans les années 70. Occasion pour lui de multiplier les échanges avec le piano et la guitare, de prendre de brillants chorus, d’apporter au groupe les couleurs uniques de son violon. Mêlé à la guitare électrique de Frank Gambale, son instrument donne du poids aux morceaux, Sorceress, Beyond the Seventh Galaxy, et School Days héritant d’une épaisseur sonore digne du rock. School Days reste bien sûr étroitement associé à Stanley Clarke, son créateur. Il y fait fièrement claquer les cordes de sa basse électrique, exhibe un jeu virtuose et un peu vain passant mieux en concert que sur disque. Les amateurs de jazz préféreront Renaissance et The Romantic Warrior, deux plages largement acoustiques. Le DVD contient d’autres versions bien filmées de After the Cosmic Rain et The Romantic Warrior, ainsi que deux documentaires sur le groupe, des interviews (sous-titrées) des musiciens se mêlant à des extraits de concerts.

John TAYLOR : “Giulia’s Thursdays” (Cam Jazz / Harmonia Mundi)

Ne partez pas en vacances sans avoir écouté “Giulia’s Thursdays”, nouvel album du pianiste John Taylor consacré à Carlo Rustichelli (1916-2004) compositeur attitré du réalisateur Pietro Germi. Une commande de Cam Jazz, firme italienne qui possède les droits de nombreuses musiques de film et les fait jouer par les jazzmen qui sont en contrat avec elle. On trouve ainsi à son catalogue Ennio Morricone par Enrico Pieranunzi (deux volumes), Armando Trovajoli par Antonio Faraò, et Fiorenzo Carpi par Edward Simon. Morricone est mieux connu que les autres, mais ce que les interprètes font de leurs musiques importe davantage que les partitions elles-mêmes. Celles de Rustichelli furent souvent destinées à des péplums tels que “Le fils de Cléopâtre” (Il Figlio Di Cleopatra) ou à des comédies pas toujours réussies. L’une des plus célèbres est “Divorce à l’Italienne”. Taylor donne une version neuve et méconnaissable de sa bande-son, recouvrant la mélodie de ses propres harmonies, la musique devenant aérienne et fluide. Avec lui, ses musiciens habituels, Palle Danielsson dont on retrouve avec plaisir la contrebasse, et Martin France à la batterie, un trio qui nous plonge dans un jazz fin et subtil malgré les tonalités souvent semblables des morceaux.

Keith Jarrett Belonging Quartet © Terje Mosnes / ECM Records

Juillet : les grandes villes se vident pour se remplir de touristes en ce mois estival qui voit fleurir les autocars bondés, les plages de sables improvisées et les embouteillages. Hier encore, le rire jusqu’aux oreilles, le vacancier plongeait joyeusement dans les vagues de la grande bleue, chevauchait fièrement le canard plastifié de sa progéniture ou choisissait la campagne et les bains de rivière dans lesquelles, rouges de confusion, barbotaient des écrevisses. Les mollets léchés par le soleil, le visage visité par des mouches insolentes, notre promeneur de grands chemins goûtait l’air pur de paysages peu fréquentés par ses semblables, l’homo sapiens s’y faisant plus rare que le papillon virevoltant et la coccinelle porte bonheur, la rhyzobius forestieri aux pattes recouvertes de petits poils qui lui permettent de se protéger du froid en hiver. Hier donc, le citadin prenait ses vacances dans des verts pâturages, des montagnes, ou au bord des mers de nos terres nourricières. Il les passe aujourd’hui dans d’énormes festivals, rassemblements de vedettes qui remplissent arènes, chapiteaux et pinèdes. Appréciant le jazz qui ressemble à du jazz, Monsieur Michu déplore ces réunions bruyantes qui s’ouvrent aujourd’hui à des musiques faciles et populaires. Les jazzmen n’y ont leur place que s’ils vendent des disques, bons ou mauvais, la valeur de leur musique restant secondaire dans ces vastes rassemblements où, effrayés, les oiseaux peinent à chanter, les abeilles à butiner. Gourmand, Monsieur Michu préfère téter les mamelles du jazz dans des clubs, des salles de taille moyenne qui offrent leurs chances à de jeunes et talentueux musiciens moins médiatisés. « Nous n’irons pas à New York » clament les Michu, car les jazzmen américains visitent Paris, s’installent en juillet au Duc des Lombards. Au même moment, le New Morning organise un festival « All Stars » et le Sunside propose son American Jazz Festiv’Halles, puis en août, pour la septième année consécutive, son festival Pianissimo. Occasion d’entendre Pierre de Bethmann, René Urtreger, Tony Tixier, Laurent de Wilde, Alain Jean-Marie, Antoine Hervé, Manuel Rocheman, nos meilleurs pianistes. Les Michu ne quitteront donc pas la capitale, préférant attendre octobre pour se rendre  au Festival Jazz en Tête de Clermont-Ferrand qui, du 23 au 27, fêtera ses 25 ans d’existence, un festival que fréquentent Jean-Paul, Bajoues Profondes, Jacques des Lombards et tous les mélomanes qui souhaitent écouter du jazz dans un festival de jazz. Les Michu ont également promis à Jacquot de l’emmener à Provins les 28 et 29 septembre assister à la première édition du Provins Duke Festival, premier festival européen dédié à Duke Ellington. C’est l’été, les étoiles du ciel fusent comme des balles de tennis les jours de grands tournois, le bitume ramollit sous les pieds des touristes accablés de chaleur et le parisien disparaît. Ce blog fera de même autour du 20 juillet pour renaître en septembre, s’accorder avec la douceur de l’automne et la rentrée des classes.

QUELQUES CONCERTS QUI INTERPELLENT

-Carte blanche à Dan Tepfer au Sunside les 2 et 3 juillet. En trio avec Stéphane Kerecki à la contrebasse et Anne Paceo à la batterie le premier soir, en duo avec le saxophoniste Ben Wendel (Kneebody) le second. Dan a enregistré avec lui un nouvel album qui doit sortir à la rentrée sur Sunnyside. Quant à Stéphane Kerecki, son disque avec le pianiste John Taylor est l’une des réussites de l’an passé. Dan Tepfer aime les rencontres. Excellent accompagnateur – il fait merveille dans l'album qu’il a enregistré avec Lee Konitz  - , il s’est forgé son propre vocabulaire harmonique et aime bousculer les tempos trop rigides, truffer ses phrases de dissonances, de notes inattendues. Les standards qu’il reprend provoquent émotion et surprise. Dan est aussi un amoureux de Bach dont il interprète librement les “Variations Goldberg qu’il découvrit jouées par Glenn Gould à l’âge de onze ans.   

-Personnage incontournable de la scène musicale néo-orléanaise, Dr John et ses musiciens se produiront à La Cigale le 4, faisant ainsi l’ouverture de la seconde édition du festival « Nous n’irons pas à New York » organisé par le Duc des Lombards. Pianiste, guitariste, chanteur à la voix inimitable, Malcolm John « Mac » Rebennack Jr. fut longtemps un musicien de studio avant de se lancer en 1968 dans une fructueuse carrière solo sous le nom de Dr. John The Night Tripper. Inspiré par l’Afrique, le vaudou, le funk, le rythm’n’ blues, le rock psychédélique “Gris-Gris” fut le premier d’une série d’albums flamboyants enregistrés pour Atlantic. Publié en 1973, produit et arrangé par Allen Toussaint et bénéficiant du soutien instrumental des Meters, l’album “In the Right Place” qui renferme le tube Right Place, Wrong Time, mélange de funk et de dixieland néo-orléanais, le plaça définitivement sur orbite. Après “City that Care Forgot”, disque dans lequel il s’insurge contre l’incurie de l’administration Bush qui n’a rien fait pour aider les victimes de l’ouragan Katrina qui dévasta sa ville en 2008, il sort aujourd’hui un nouvel opus, “Locked Down”, sur Nonesuch Records.

-Après avoir tourné en quartette l’été dernier avec le pianiste Mulgrew Miller, John Scofield a choisi de s’entourer d’un second guitariste, formule qu’il pratiquait naguère avec Mike Stern au sein du groupe de Miles Davis. Nul doute que ses échanges seront fructueux au New Morning le 5 avec Kurt Rosenwinkel. Possédant une sonorité de guitare spécifique, ce dernier fait entendre des intervalles inhabituels et innove sur un plan harmonique. Scofield fait partie des musiciens qui lui ont ouvert les portes du jazz. Il le rejoint au sein d’un nouveau groupe baptisé Hollowbody dont le bassiste n’est autre que son vieux complice Ben Street. Souvent associé à Scofield qu’il assiste dans ses disques, Bill Stewart complète la formation à la batterie.

-Le Fellowship Band du batteur Brian Blade existe depuis une quinzaine d’années, mais ses membres n’ont guère l’occasion de se produire sur scène, de se rassembler pour faire des disques. Très sollicités, Jon Cowherd (piano, claviers électriques, orgue à pompe), Myron Walden (saxophone alto, clarinette basse), Melvin Butler (saxophone ténor), Chris Thomas (contrebasse) et Brian Blade (batterie) ont peu de temps à consacrer à leur groupe. “Season of Changes” date de 2008 et un nouvel album, “Landmarks”, est prévu pour la rentrée. Même sans son guitariste, Kurt Rosenwinkel, on ne manquera donc pas le passage du Fellowship Band au Sunside le 12 et le 13. Sa musique : un habile mélange de jazz, de folk et de soul, Blade appréciant tout autant le jazz improvisé de Wayne Shorter dont il est le batteur que la musique de Joni Mitchell. Cette dernière chante d’ailleurs sur un titre de “Perceptual”, le deuxième album de la formation.

-Carte blanche à Aaron Goldberg au Duc des Lombards du 12 au 14. Le premier soir, le pianiste jouera sa musique avec Matt Penman à la contrebasse et Greg Hutchinson à la batterie. Le 13, le trio deviendra un quartette, Mark Turner le rejoignant au saxophone ténor et à clarinette. Enfin le 14 Guillermo Klein apportera au quatre musiciens les couleurs de ses pianos électriques. Klein et Goldberg ont récemment enregistré ensemble. Leur album s’intitule “Bienestan”. On peut préférer les albums en trio de Goldberg, notamment “Yes ! ” enregistré avec Omer Avital (contrebasse) et Ali Jackson (batterie), un disque dans lequel le pianiste en grande forme privilégie le blues et la tradition, fait chanter ses notes tout en n’oubliant pas d’émouvoir.

-Wilton Felder (saxophone ténor), Wayne Anderson (trombone) et Joe Sample (piano) constituèrent les Jazz Crusadersau début des années 60 avec Jimmy Bond et Stix Hooper, et enregistrèrent sous ce nom leurs meilleurs albums pour le label Pacific Jazz. En 1972, la formation devint les Crusaders, sa musique, un mélange de soul-jazz et de funk, se faisant plus commerciale. Réduit à un trio, le groupe se dissout en 1980 pour ressusciter dix ans plus tard. Aujourd’hui l’aventure continue et passe même par Paris rarement visité. Les Jazz Crusaders seront en effet au New Morning les 16 et 17 juillet pour deux concerts. En quintette, Nick Sample (basse) et Joël Taylor (batterie) complètent une formation que l’on voit peu souvent sur scène.

-Ambose Akinmusire au Sunside le 18 et le 19. Avec lui les membres de son quintette habituel : Walter Smith III au ténor, Sam Harris au piano, Harish Raghavan à la contrebasse et Justin Brown à la batterie. Produit par Jason Moran et publié l’an dernier, son album “When The Heart Emerges Glistening” (Blue Note) a obtenu le Grand Prix de l’Académie du Jazz. Depuis longtemps à ses côtés, ses musiciens jouent sans peine une musique présentant de nombreuses difficultés techniques, un jazz moderne imprégné de tradition et de musiques de son temps. Ouvert au hip hop qui nourrit les rythmes de ses compositions et leur donne un groove appréciable, Akinmusire a aussi baigné dans le gospel dès son plus jeune âge. Lauréat en 2007 de la Thelonious Monk Jazz Competition, il fascine par la tendresse de ses ballades, par les délicates phrases mélodiques qu’il cisèle tel un orfèvre. Avec lui le jazz prend des risques, mais se revêt aussi d’habits précieux.

-Wynton Marsalis et le Lincoln Center Orchestra à l’Olympia le 19. Le trompettiste en est le directeur artistique, le dirige et écrit pour lui des partitions. Créé en 1988, l’orchestre a toutefois pour vocation d’interpréter les compositions et arrangements des géants du jazz. Les musiciens du groupe de Marsalis en sont membres et leurs noms nous sont familiers. On retrouve ainsi Walter Blanding aux saxophones ténor et soprano, Dan Nimmer au piano, Carlos Henriquez à la contrebasse et Ali Jackson Jr. à la batterie. Le big band comprend aussi les trompettistes Ryan Kisor et Marcus Printup, le tromboniste Vincent Gardner, les saxophonistes Ted Nash et Victor Goines. Pour cette tournée, le Lincoln Center Orchestra s’offre un chanteur et pas n’importe lequel puisque Grégory Porter partagera la scène avec Wynton et ses musiciens. Un grand concert en perspective.

-Christian Scott au New Morning le 21 avec Matthew Stevens (guitare), Kris Funn  (contrebasse), Jamire Williams (batterie), tous trois membres de son quintette. Le pianiste de cette tournée est Fabian Almazan, musicien d’origine cubaine, un ancien élève de Kenny Barron à la Manhattan School of Music. Quant au trompettiste, il vient de sortir “Christian aTunde Adjuah” , un copieux double CD, tant par sa durée que par son contenu, dans lequel il mêle tradition et innovations, explore de nouveaux territoires avec fougue et lyrisme. Son instrument y occupe une place importante. Tuttis acrobatiques, longues phrases tranquilles et mélancoliques évoquant le Miles Davis des années 60, Scott étonne par sa puissance imaginative, son habileté à élargir le jazz en l’ouvrant à d’autres musiques.

-Les occasions d’écouter le pianiste Harold Mabern dans un club parisien se font plus fréquentes depuis 2009. Cette année-là, en juillet, le pianiste se produisit au Duc des Lombards avec le saxophoniste Eric Alexander. Il revint deux ans plus tard, en novembre 2011, mais au Sunside, avec John Weber à la contrebasse et Joe Farnsworth à la batterie qui seront avec lui au Duc le 22. Influencé par Phineas Newbornson mentor auquel il dédia une de ses compositions Blues for Phineas, et par Horace Silver, Mabern, né en 1936, reste une des légendes du piano. Il joue un bop puissant et mélodique, sa main gauche assurant les basses, la droite, fluide, plaquant quantité de notes perlées. Ne dédaignant pas jouer en accords, Mabern tire une grande dynamique d’un instrument avec lequel il forgea sa réputation dans les années hard bop, travaillant avec Miles Davis, Lee Morgan, Freddie Hubbard, Sonny Rollins et d’autres grands du jazz.

-Toujours au Duc des Lombards, on retrouve Harold Mabern et son trio les 24 et 25 au sein du quintette du saxophoniste Bobby Watson que complète l’excellent Jim Rotondi à la trompette. Étudiant théorie et composition à l’Université de Miami, Watson se lia d’amitié avec Pat Metheny et Jaco Pastorius avant de gagner New York et de devenir à 24 ans le directeur musical des Jazz Messengers d’Art Blakey. Très actif dans les années 80, plus discret ces dernières années, il demeure un altiste à la sonorité brûlante, un disciple inspiré de Cannonball Adderley et de Jackie McLean dont il possède la fougue, le fort tempérament.

-On l’a vainement attendu au New Morning en février. Steve Kuhn devait s’y produire en quartette avec le saxophoniste Donny McCaslin. Le Duc des lombards rattrape le coup les 26 et 27, invitant le pianiste avec Steve Swallow qui joue de la basse dans son nouvel album ECM, et Billy Drummond à la batterie. Choc Jazz Magazine / Jazzman en juin, “Wisteria” contient d’anciens morceaux de Kuhn précédemment enregistrés avec des cordes et une superbe composition de Carla Bley, Permanent Wave, que le trio reprendra certainement. Pianiste aux harmonies raffinées, Kuhn peut aussi bien jouer dans la tradition du bop que du jazz modal, Bud Powell et Bill Evans ayant tous deux influencé son piano. Il fut aussi pendant quelques mois le pianiste de John Coltrane auquel il rend hommage dans “Mostly Coltrane”, l’un de ses plus beaux opus.

-Ran Blake et Sara Serpa au Sunside le 27 pour une autre sorte de jazz, plus près du cœur que du swing. Blake fait depuis longtemps entendre un piano unique aux notes sombres et rêveuses. Ses accords parcimonieux, son approche minimaliste de la phrase envoûtent l’auditeur aussi sûrement qu’un hypnotiseur patenté. Certains d’entre-nous se souviennent d’un concert en solo inouï donné au Théâtre du Ranelagh lors de la parution de “Wende”, un de ses plus beaux disques. Ran Blake a toujours aimé travailler avec des chanteuses. Après Jeanne Lee dont il a magnifiquement servi la voix, il met en orbite celle étonnante de Sara Serpa, une portugaise native de Lisbonne qui fut une de ses élèves au New England Conservatory de Boston. Ils ont enregistré un disque ensemble en 2010, “Camera Obscura” . Le piano troue la pénombre et éclaire une voix unique que nous pourrons découvrir en toute intimité.

-Avec Rasul Siddik (trompette), Katy Roberts (piano), Dominique Lemerle (basse) et Ichiro Onoe (batterie), Hal Singer (saxophone ténor) donnera son dernier concert parisien au Sunside le 28. Né à Tulsa (Oklahoma) en 1919, il reste le seul survivant du grand orchestre de Roy Eldridge qu’il rejoignit en 1944. Don Byas, Lucky Millinder, Sir Charles Thompson et Duke Ellington (le temps d’une tournée en 1949) s’attachèrent ses services. Il accompagna aussi Ray Charles, Dinah Washington et Wilson Pickett. Installé en France depuis 1965, il y a publié ses mémoires, “Jazz Roads” (Edition n°1), bouquin passionnant écrit avec sa femme Arlette, livre publié en 1990 qu’il convient de lire et de relire, mais qui n’est plus édité. Al venait d’achever le tournage de “Taxi Blues”, film de Pavel Lounguine dans lequel il tient son propre rôle.

-Sunset - Sunside : www.sunset-sunside.com

-La Cigale : www.lacigale.fr

-New Morning : www.newmorning.com

-Duc des Lombards : www.ducdeslombards.com

-Olympia : www.olympiahall.com

Crédits Photos : Dan Tepfer, Harold Mabern, Steve Kuhn © Pierre de Chocqueuse – John Scofield © Mark Hess – Ambrose Akinmusire © Matt Marshall – Christian Scott © Kiel Adrian Scott / Concord Records – Bobby Watson © Lafiya Watson – Hal Singer © Martine Thomas – Dr. John, The Fellowship Band, Aaron Goldberg, The Jazz Crusaders, Wynton Marsalis & The Lincoln Center Orchestra, Ran Blake &  Sara Serpa © Photos X/D.R.