La musique d’un film dont nous ne
savons pas grand-chose. Réalisé par Stefano Landini, un obscur metteur en scène, “7/8“ (Sette Ottavi en italien) a été présenté lors de plusieurs festivals européens en 2006,
mais n’a toujours pas été projeté sur les écrans français. Difficile de juger de sa valeur à la lecture de son seul synopsis et de donner un point de vue sur la relation que la musique entretient
avec ses images. Sur cette dernière, le dossier de presse d’EMI donne peu de renseignements. On y apprend qu’elle fut complémentaire et qu’enregistrer cette musique fut un vrai défi pour le
trompettiste contraint d’en entreprendre la composition au milieu d’une tournée de plus de cent dates. Le film se déroule en Italie pendant la seconde guerre mondiale, en plein fascisme
mussolinien et traite des problèmes que les musiciens de jazz connurent avec la censure. Le jazz s’est alors implanté en Italie, la politique culturelle anti-américaine du régime n’ayant pas
empêché Louis Armstrong d’y donner des concerts en 1934. Le jazz que l’on entend dans le film date pourtant d’une époque plus tardive. Influencé par Miles Davis
tant sur le plan de la sonorité que de la musique, Paolo Fresu joue un jazz moderne qui intègre le vocabulaire du bop, mais aussi les subtilités harmoniques de la musique
classique européenne. Fidèle à son propre langage, le trompettiste sarde le simplifie par des grilles harmoniques relevant souvent du blues et place au premier plan la mélodie. Construits sur des
riffs, certains morceaux en semblent dépourvus, mais les solistes les inventent aux cours de leurs improvisations à l’instant même où ils s’expriment et le disque regorge de compositions
lyriques. En apesanteur, Fresu en souffle les notes légères et transparentes. Son phrasé est élégant et sensuel, sa sonorité de couleur bleu ciel d’une douceur paisible. Il travaille depuis
vingt-cinq ans avec le même quintette et entretient une relation privilégiée avec Tino Tracanna son saxophoniste. Leurs instruments exposent souvent les thèmes à l’unisson, se
parlent, dialoguent. Le piano de Roberto Cipelli arbitre leurs échanges. La section rythmique n’enferme jamais leurs propos dans des tempos rigides. Ces derniers, lents ou
médiums favorisent un discours fluide, souvent méditatif. Relevant du bop, Free Up et Gio’s Cervi’s Anatole sont les seuls morceaux rapides. Construits sur des modes,
Ascensore per il paradisio et Dark Theme font beaucoup penser à “Kind of Blue“. Dans le premier, la contrebasse d’Attilio Zanchi joue un motif de pédale à la
contrebasse. Dans Dark Theme, l’instrument égrène les notes d’All Blues et rythme le tempo languide d’une mélodie fantomatique qui semble naître de l’imagination des solistes.
Trois morceaux enregistrés live pendant le tournage doublent les versions studios. Le guitariste Max Carletti se joint au quintette sur deux d’entre eux. On l’entend
davantage dans un Sette Ottavi au climat pesant. Si l’illustratif The Shooting ressemble à une musique de film, les autres thèmes sont loin d’être de courtes séquences sonores exigées par l’action. Bénéficiant
d’un minutage généreux (soixante-quatorze minutes), ce disque n’a pas besoin de porter des images. Sa belle musique se suffit à elle-même.
T
chez Marabout puis six ans plus tard par les Nouvelles Editions Oswald (NéO) en 1982, il est aujourd’hui réédité par les Editions Terre de Brume. Un archéologue tente ici de
ressusciter la momie d’une reine égyptienne qui régna du vingt-neuvième au vingt-cinquième siècle avant Jésus-Christ. Le livre commence comme un polar. Par la mystérieuse agression de notre
égyptologue dans une pièce entièrement close. Plongé dans un étrange état cataleptique, il en sort frais et dispos après trois jours. Normal, il est l’un des seuls à pouvoir redonner vie à la
momie de la reine
G
Jean Genet 
C
U
Pedron au saxophone alto et Jean-Yves Jung au piano rejoignent ainsi Diego Imbert et Franck Agulhon, le trio du saxophoniste se
transformant en sextette. Reste à trouver des morceaux. Inspiré, Beuf compose un répertoire tout neuf. « J’ai écrit nuit et jour, (…) tout orchestré dans un état d’euphorie créatrice que je
n’avais jamais connu auparavant. Je n’avais pas à chercher. Je trouvais naturellement. » confie-t-il à Pascal Anquetil. Jouée dans le Jazz Club de Dunkerke, la musique y est
enregistrée live au cours de quatre nuits de concerts. Les instruments à vent s’assemblent pour exposer les thèmes à l’unisson, les reprendre entre les improvisations des solistes. Ces
derniers travaillent sur des grilles harmoniques linéaires favorisant le swing. Sushi, Smile et Trouble in my Glass, morceau dans lequel le piano répond aux
souffleurs, héritent d’un balancement funky. Dans Suspect Noise, le ténor et le trombone jouent un riff avant de révéler le thème en compagnie de l’alto. Sylvain Beuf
introduit magnifiquement Ballade pour Rapha (son fils Raphaël) et Pierrick Pedron fait de même dans Les notes bleues, le titre le plus mingusien du disque. On
pense à Goodbye Pork Pie Hat, tant au niveau du thème, que des couleurs qui 
l’habillent. Particulièrement inspiré, l’alto y chante avec un grand lyrisme. Denis Leloup affirme
sa très grande maîtrise instrumentale et prend un chorus mémorable dans Suspect Noise. Les interventions en solo de Jean-Yves Jung sont moins convaincantes, mais l’intro
de Baïkal Lake ne manque pas d’idées et le pianiste accomplit un formidable travail d’accompagnateur, en phase avec une section rythmique fluide et souple et de tout premier ordre. La
prise de son de l’album manque toutefois de relief et ne rend pas toujours justice aux ensembles. Il faut donc écouter le groupe sur scène d’autant plus que les arrangements ne brident jamais
l’imagination des solistes. De nouvelles couleurs, de nouvelles combinaisons instrumentales restent possibles. Denis Leloup jouait ainsi de la trompette basse dans Ballade
pour Rapha et Les notes bleues lors du concert du groupe au New Morning le 31 mars dernier. S’offrant des improvisations beaucoup plus longues (le chorus d’alto de Pierrick
Pedron dans Baïkal Lake fut un des grands moments de la soirée), Sylvain Beuf et ses musiciens reprirent dans l’ordre de l’album tous les morceaux de “Joy“,
l’excellence de ce sextette se voyant en tous points confirmé.
consacré à la musique de McCoy Tyner. Ils furent tous vendus en quelques minutes). Fondé en 2004, Le SF Jazz Collective rassemble chaque année pour des
concerts huit musiciens de jazz autour du répertoire d’un musicien célèbre. Après Ornette Coleman, John Coltrane, Herbie Hancock,
Thelonious Monk, Wayne Shorter et McCoy Tyner, la musique d’Horace Silver est cette année à l’honneur. Chaque membre du groupe
arrange un thème et apporte une composition nouvelle, une commande du SF Jazz, organisation à but non lucratif financée par diverses fondations (National Endowment for the Arts, Aaron Copland
Fund for Music, The Phyllis C. Wattis Foundation). Après Joshua Redman et Joe Lovano, Mark Turner officie au ténor. Le
trompettiste Avishai Cohen remplace Dave Douglas (et avant lui Nicholas Payton). Les autres membres de la formation sont Miguel
Zenón au saxophone alto, Robin Eubanks au trombone, Edward Simon au piano, Stefon Harris au vibraphone, Matt Penman à
la contrebasse et Eric Harland à la batterie. Un all-stars qu’animent plus particulièrement Avishai Cohen et Miguel Zenón. 
Loquace et chaleureux, le jeu
d’alto de ce dernier est à l’opposé de celui de Mark Turner au ténor. Zenón bavard, joue à foison des notes brûlantes. Turner étend longuement les siennes, exprime un langage
plus secret et intérieur qu’exubérant. Arrangée pour les vents, son adaptation chorale de Peace traduit une pensée délicate, une sensibilité qui s’exprime par de longues phrases
mélancoliques jouées dans l’aigu de l’instrument, l’apparente froideur de son timbre dissimulant un grand lyrisme. Arrangé par Eric Harland, Señor Blues bénéficie d’une
approche rythmique souple et inventive. La contrebasse mobile et mélodique de Matt Penman donne des ailes au batteur dont la polyrythmie très personnelle apporte beaucoup à la
modernisation d’une musique reposant sur le socle de la tradition. Retravaillés, Lonely Woman, Cape Verdean Blues, Sister 
Sadie héritent ainsi
de nouveaux rythmes. Tout comme Song For My Father, l’un des morceaux les plus célèbres de Silver. Arrangé par Edward Simon, il bénéficie d’un arrangement très différent
de l’original. Né au Venezuela, installé à New York depuis 1989 et auteur d’un excellent disque en trio sur CamJazz (“Unicity“ en 2006), Simon trouve un complice en la personne de Stefon
Harris. Vibraphone et piano mêlent délicatement leurs sonorités, installent des tapis de notes qui profitent aux solistes. Robin Eubanks ajoute souvent son trombone aux
unissons des saxophones et improvise avec expressivité, la musique s’enrichissant de glissandos, de judicieux effets de growl. Avishai Cohen éblouit par ses chorus
acrobatiques, tant dans une version très enlevée de Sister Sadie que dans sa Suite for Horace Silver concluant le premier set d’un concert épatant.
A
Records et jamais réédité en
CD ». « Mais leur disque de la semaine, du reggae, une merde inaudible » ajouta-il furibard. Jean-Paul fait partie des nombreux amateurs de jazz qui n’écoutent plus TSF
« déçus par une programmation au sein de laquelle toute une partie de l’histoire du jazz et la plus créative est scandaleusement délaissée ». Je vous confie que du haut de ses presque
deux mètres, Jean-Paul méprise beaucoup le jazz moderne. Je l’ai connu, il y a quelques années. Au New Morning. Il est venu à mon secours lorsqu’un saxophoniste mécontent de mes remarques sur ses
hurlements incongrus s’apprêtait à me fracasser le crâne de son instrument. Parler aux musiciens de leur musique n’est pas sans risques, leur ego surdimensionné leur faisant parfois perdre la
tête. « Bientôt (ajoute Bernard), ils seront tous au chômage. Les nouveaux robots sur lesquels je travaille poursuivront l’œuvre de
-Jeremy Pelt 
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l’entendre chanter le poète
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-Christine Flowers
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rêveuses et cristallines pèse tout son poids de justesse et de beauté.
-John Scofield 
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-Jean Michel Pilc 
S
aussi bon que jamais.
Jean-Jacques Pussiau (en photo avec Richie Beirach) qui reprend du service comme producteur, annonce un nouveau disque à la rentrée sur OutNote, le nouveau label dont il s’occupe, un
live intitulé “Re-Dial“. Très active dans les années 80, la formation n’a presque jamais connu de changement de personnel. Ron McClure et Billy Hart ont très vite remplacé
George Mraz et Al Foster après l'enregistrement du premier album, le groupe acquérant ainsi sa sonorité définitive. Car
harmonie classique européenne. Cette dernière tient une place
importante dans un piano à l’esthétique raffiné qui tempère les longues improvisations aventureuses de Liebman. Les deux hommes se connaissent si bien que l’un semble toujours savoir ce que l’autre
va faire. Richie Beirach joue une musique d’une grande liberté tonale et possède une science harmonique qui lui permet de toujours dialoguer, d’anticiper la phrase musicale. Assagi, Liebman
souffle moins de phrases brûlantes, tord moins le cou à ses notes. Cette sérénité non exempte de force se retrouve dans les ballades parfois jouées au ténor. Dave en joue aujourd’hui beaucoup. Le
son est volumineux, puissant, torride dans une version de Freedom Jazz Dance très enlevée, le saxophoniste modulant toujours des sons extrêmes, mais se plaisant aussi à décliner de beaux
thèmes oniriques. La différence entre les deux hommes est ainsi moins marquée, le contraste entre leurs instruments moins affirmé. La musique gagne ainsi en fluidité. Quant au groupe - et l’ami
Papy me le souffle à l’oreille - , s’il a depuis longtemps acquit sa pleine maturité, il gagne désormais en sagesse.
Brad Mehldau, on aime l’entendre improviser au
piano. Il possède un rare sens de la forme et construit ses chorus avec une logique qui leur donne un aspect achevé. Le concert qu’il donna en solo au théâtre du Châtelet le 3 mars prêta pourtant à
polémique. Martelant les accords d’un ostinato, le pianiste se lança d’emblée dans un maelström de notes qu’il fit tourner jusqu’à épuisement, le sien et celui du public. Mehldau exposa ensuite une
jolie mélodie bluesy vite abandonnée pour un épais tourbillon de notes gonflées aux hormones orchestrales. Ce n’est qu’avec The Needle and the Damage Done qu’il revint à une
certaine simplicité, la mélodie de Neil Young se voyant magnifiée par des tours de passe-passe harmoniques, notes dansantes et féeriques posées par des doigts au toucher délicat. Brad fit de
même avec I’m Old Fashioned et My Favorite Things, s’attachant à mettre en valeur les notes des thèmes par de longues phrases ressemblant à des vagues. Inspiré par la beauté de
leurs lignes mélodiques, il leur invente de nouvelles harmonies, entrouvre en temps réel les portes d’un monde sonore inexploré, dans une éternité de l’instant qui semble indéfiniment durer. Il en
va tout autrement lorsque le choix de son répertoire le conduit à une surenchère harmonique, aussi vaine qu’étouffante. Ses reprises apparaissent alors comme de véritables tours de Babel sonores
dont les architectures massives ne semblent plus reposer sur un sol mélodique (si toutefois un tel amoncellement de notes permet de reconnaître les mélodies qu'il reprend). Gêné dans sa
concentration par les palabres d’un premier rang bavard, Brad Mehldau écourta sa prestation, offrit un seul rappel à un public divisé, les enthousiastes et les déçus héritant d’un concert un
peu court.
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