blog de Choc

JEUDI 24 septembre

Présentation au Duc des Lombards de leur saison 2009/2010. Responsable de la programmation du club, Jean-Michel Proust nous annonce des concerts alléchants. Lonnie Smith en trio, Diane Schuur, le trio de Stéphane Kerecki avec Tony Malaby, Antoine Hervé avec François et Louis Moutin, Lee Konitz et Curtis Stigers sont attendus en novembre. James Moody, Butch Warren, Mark Murphy, Curtis Fuller, le Charlie Haden Quartet West, Yaron Herman, Enrico Pieranunzi, Jean Michel Pilc avec Billy Hart doivent se produire au Duc les prochains mois. Le concert qui suivit le cocktail de presse m’incita à rester. Le Jean Toussaint – Sangoma Everett Quartet réunit quatre personnalités indéniables qui s’investissent profondément dans leur musique, du bop moderne, hard ou lyrique selon l’humeur des musiciens et le répertoire abordé. Méconnu, Jean Toussaint est un des géants du saxophone, l’un des rares ténors à posséder un son et qui raconte une histoire sur son instrument. L’homme a fait ses classes au sein des Jazz Messengers d’Art Blakey. Il joue excellemment de suaves lignes mélodiques, connaît parfaitement l’histoire de cette musique et la trempe dans le blues de manière tout à fait naturelle. S’il sort des notes chaudes et colorées, souffle des attaques profondes et utilise tout le registre de son instrument, Jean Toussaint n’est pas seul à assurer le leadership de ce quartette. Au piano, Kirk Lightsey place de judicieux accords avec une grâce toute féline. Loin de se laisser déborder, il assure un piano funky, joue des rythmes que n’aurait pas désavoué Horace Silver. Le drumming très physique de Sangoma Everett et la solide contrebasse de Riccardo Del Fra assurent un tempo sans faille. Portés par nos quatre mousquetaires, le splendide Vera Cruz de Milton Nascimento et deux compositions de Wayne Shorter aux harmonies flottantes, Mahjong et Pinocchio firent l’objet de versions mémorables. Jean Toussaint sort un magnifique recueil de concerts (“Paris & London Live Sessions“) le 5 novembre sur Space Time Records. Prêtez-y deux oreilles attentives.

 VENDREDI 2 octobre

Daniel Humair fête ses cinquante ans de carrière au Théâtre du Châtelet. L’événement attendu combla nos espérances, et malgré l’absence de musiciens dont l’emploi du temps rendait impossible leur présence, le concert souvent enthousiasmant enchanta un public exigeant. Divisé en deux parties, il commença confus, la contrebasse puissante de Jean-Paul Celea couvrant le piano de François Couturier. Les responsables de la sonorisation firent vite le nécessaire et la musique de Benjamin Britten devint audible, tout comme celle, fort belle, de l’Adagietto de la 5ème symphonie de Gustav Mahler, pièce superbement jazzifiée par les trois hommes, les thèmes partiellement empruntés au répertoire classique, servant une musique raffinée. Après Canticle, une composition de John Surman introduite habilement par la contrebasse, le trio devint quartette avec Louis Sclavis, pour jouer une musique plus abstraite, le clarinettiste lui apportant un flux de notes sauvages et agressives. La tempête se dissipa pour accueillir l’Allegretto de la 7ème symphonie de Beethoven et une jolie ballade dans laquelle François Couturier glissa un chorus de piano aux notes tendres et romantiques. Daniel accueillit son Baby Boom après l’entracte, plantant ses tambours de guerre dans une musique aventureuse, véritable laboratoire musical plein de fantaisie. Avec Christophe Monniot et Matthieu Donarier aux saxophones, Manu Codjia à la guitare et Sébastien Boisseau à la contrebasse, Daniel s’amuse à se surprendre. Le batteur aime jouer avec eux des compositions ouvertes, tissu de propositions en gestation constante et ne se répétant jamais. Improvisations free, volcaniques ou d’un grand lyrisme, les timbres deviennent couleurs et les bruits se font notes pour chanter Mood Indigo de Duke Ellington, l’un des grands moments de la soirée. Après une version décoiffante d’Akagera, jungle sonore nous ramenant à la grande époque du trio Humair, Jeanneau, Texier, le batteur rappela Jean-Paul Celea pour quelques morceaux en trio avec John Scofield. Ce dernier possède un son et un phrasé bien à lui. Sa guitare parle le langage du blues et du gospel. Lonely Woman et un traditionnel dont le titre m’échappe témoignèrent de l’opportunité de cette rencontre qui s’acheva comme le veut la tradition par une jam session finale. Sur scène, trois saxophones, deux guitares, deux contrebasses et un piano chantèrent le blues, firent danser des tourbillons de notes multicolores. J’allais oublier Daniel jubilant et heureux derrière ses caisses. Un sacré jubilé !

VENDREDI 9 octobre

Elise Caron et Lucas Gillet au Triton. Bien que d’accès facile en métro, Les Lilas n’est pas tout près du Paris d’où je viens, mais pour Elise, on traverserait la Manche à la nage. J’avais très envie d’entendre live “A Thin Sea of Flesh“, magnifique recueil de poèmes de Dylan Thomas mis en musique par Lucas Gillet. Publié au printemps dernier, l’album distille un charme irrésistible. Sur la scène du Triton, les couleurs superbes de l’album furent parfaitement restituées par Elise, Lucas (au piano et aux synthétiseurs) et cinq autres musiciens (David Aubaile, claviers et flûte ; Fernando Rodriguez, guitare ; Jean Gillet, basse électrique ; Pascal Riou, batterie ; Thomas Ostrowiecki, batterie), Phil Reptile à la guitare rejoignant le groupe à la fin du concert. Cette “mise en mélodie“ commence par un long prélude instrumental installant une ambiance, la musique bénéficiant d’arrangements étudiés. In the Beginning : percussions et batterie installent un rythme qui prend chair avec la voix qui chante et déclame une poésie très musicale. Les morceaux exigent une grande précision tant instrumentale que vocale et font beaucoup penser à la pop anglaise des années 70. On entend Henry Cow, John Greaves, Caravan, National Health, mais aussi Genesis (The Tombstone Told When She Died) dans les orchestrations colorées de Lucas Gillet, étranges comptines aux textes obscures et hermétiques. Elise envoûte par une voix chaude et sensuelle. Sa tessiture lui permet de chanter sur plusieurs octaves, d’exprimer une large palette d’émotions. Elle peut aussi chanter du jazz et ceux qui la découvriront dans "Un soir au Club", un film de Jean Achache dont elle est l'actrice principale (sortie le 18 novembre) risquent d’être surpris par le phrasé qu’elle adopte et maîtrise. Sa voix répond à la flûte de David Aubaile dans The Force that Through the Green Fuse, et au piano de Lucas Gillet dans le très beau The Hunchback in the Park, un souvenir d’enfance de Dylan Thomas. Deux pièces sont particulièrement réussies : Paper and Sticks, seul texte réaliste de Thomas qui, de ce fait, voulait l’exclure de ses œuvres complètes, et And Death Shall Have No Dominion (le morceau préféré d’Elise). Introduit par un hang, sphère de métal sonnant comme un steeldrum, les instruments entrent progressivement habiller un thème magnifique. Les accords rêveurs d’une guitare enveloppent délicatement une voix très pure qui fait battre le cœur.
Photos © Pierre de Chocqueuse

Deuxième album enregistré en duo par Gary Peacock et Marc Copland après le très beau “What It Says“ pour Sketch Records en 2002, “Insight“ porte bizarrement le même nom qu’un disque solo de John Taylor également produit par Philippe Ghielmetti pour le défunt label Sketch. Perfectionniste, à la recherche d’autres variations possibles, Marc Copland réenregistre souvent les mêmes thèmes, leur donne à chaque fois un son, une couleur harmonique particulière. Avec Gary Peacock et Paul Motian, il nous a déjà offert une version en trio de All Blues dans “Voices“, second volet de ses “New York Trio Recordings“. Marc joue aussi ce thème en solo dans “Time Within Time“ (hatOLOGY). Autre pièce de Miles Davis proposée ici, Blue in Green fut également gravé par Copland lors de la séance new-yorkaise de juin 2006 qui donna lieu à son premier disque en duo avec Peacock. Ne cherchez pas le morceau sur “What It Says“. Il n’existe que sur un CD promotionnel qui était offert avec le n°546 de Jazz Magazine. La version en est plus courte et Gary joue une contrebasse plus musclée, attaque ses notes de manière plus agressive. Contrairement à All Blues qui ouvre le disque, Blue in Green convient bien au piano sensible et raffiné de Copland qui aime à en colorer délicatement l’harmonie. Marc  l’a d’ailleurs repris deux autres fois ces dernières années, en duo avec David Liebman (“Bookends“) et en quartette avec John Abercrombie, Drew Gress et Jochen Ruckert (“Marc Copland And“), deux disques publiés sur le label hatOLOGY. River’s Run de Copland a fait l’objet de deux autres versions en duo et en trio. The Pond, un original de Peacock, est construit sur un ostinato, de même que The Wanderer, une pièce courte et onirique qui semble avoir été improvisée en studio. La main droite du pianiste égraine des harmonies étranges, de courtes phrases jouées legato. La contrebasse apparaît brièvement avant la coda. Mieux agencé, Matterhorn fait davantage  rêver. Si Rush Hour génère de nombreux échanges, Goes Out Comes In, voit les deux instruments monologuer avant de se rejoindre et magnifiquement dialoguer. Benediction joliment introduit à la contrebasse, et le délicieux Cavatina de Stanley Myers, contiennent des harmonies qui semblent tomber du ciel. Les accords étonnent et respirent, Marc donne les plus subtiles nuances à ses notes grâce à la finesse de son toucher et à son jeu de pédales qui en modifie subtilement les sonorités. Deux standards achèvent de convaincre : In Your Own Sweet Way de Dave Brubeck et Sweet and Lovely. Loin de constituer des redites, les versions proposées débordent d’invention. On les applaudit des deux mains.

MARDI 22 septembre

La nuit du Jazz Turc. Difficile d’assister à tous les concerts que proposent ce soir-là les clubs de la rue des Lombards. Initialement prévu à 20 heures, celui du Murat Öztürk trio est repoussé à 21 heures 15. Je commence donc mon périple musical par le Sunside qui accueille une légende. Aydin Esen ne s’est pas produit en France depuis plusieurs années. En 1989, il arrive à Paris avec son sac à dos, participe à la première édition du Concours International de Piano Martial Solal et le remporte à la surprise générale. Personne ne connaît alors ce pianiste né à Istanbul en 1962. Douze ans d’étude au conservatoire de sa ville natale qu’il complète à Berklee et à la Juilliard School lui assure un solide bagage technique. François Lacharme s’empresse alors de lui faire enregistrer un disque en trio chez JMS. Aydin tient également le piano dans “Edges“, un opus de Daniel Humair pour Label Bleu. Sa grande affaire reste “Anadolu“ enregistré à New York en 1992, un disque qui rassemble de formidables musiciens (Jon Faddis, Dave Liebman, Bob Mintzer, Dave Holland, Peter Erskine) et démontre le talent d’arrangeur du pianiste compositeur. En 2000, Aydin enregistra un superbe album en trio avec Miroslav Vitous et le batteur Vinnie Colaiuta. Universal ne jugea pas opportun de le sortir en France. La musique qu’il contient n’est guère éloignée de celle qu’il nous fit entendre au Sunside. A la basse électrique, Selcuk Karaman n’a certes pas l’étoffe de Vitous, mais l’énergie que dégage le trio est pour le moins impressionnante. Aydin Esen enthousiasma par ses voicings de rêve. La main gauche ne quitte guère le clavier du piano et fait entendre un ostinato envoûtant, la droite virevolte et joue divers synthés qui donne des couleurs à la musique. Possédant un toucher extrêmement fin, il contrôle parfaitement l’attaque et la résonance de ses notes. Ses harmonies délicates enrichissent un jeu souvent rythmique que drive avec bonheur Volkan Oktem à la batterie.
Le set terminé – une bonne heure de musique inventive et surprenante - , je cours au Duc écouter Murat Öztürk. Né en Lorraine en 1973 d’un père turc et d’une mère italienne, le pianiste a suivi les cours de piano de la Bill Evans Piano Academy de Paris et a enregistré deux albums passés inaperçus. Mieux produit et contenant d’excellentes compositions, le troisième risque de le faire connaître à un public plus large. Murat joue un piano souvent modal aux harmonies raffinées, fait entendre peu de notes, mais les choisit avec goût. Il s’entend très bien avec la contrebasse chantante et mélodique de Gautier Laurent. Son batteur Olivier Strauch joue par contre un peu fort compte tenu de l’approche minimaliste du piano, un jeu tout en douceur dans lequel compte la moindre nuance. Murat nous offrit  quelques morceaux de son nouveau disque - un Fog’s Frog Blues très réussi, une version de Crossing my Bridge un peu décevante par rapport à celle, miraculeuse, de l’album – , mais aussi Soyle

VENDREDI 11 septembre

Jazz à la Villette : Jacky Terrasson et Hank Jones en solo interpellent. Le concert que le premier donna à Marciac cet été avec son nouveau trio, deux jeunes musiciens qui portent le même nom mais ne sont pas de la même famille (Ben Williams à la contrebasse et Jamire Williams à la batterie) fut stupéfiant. A la Villette, face à face avec lui-même, il se contenta d’être bon. Possédant expérience, énergie et technique, le pianiste ne peut donner un mauvais concert, et passés les laborieux premiers morceaux, nous eûmes droit à d’excellents moments, Jacky retrouvant son piano, son jeu très physique, pour un magnifique calypso, un blues plein de notes bleues, une ballade mémorable. Dans sa loge, il me confia n’avoir pas aimé le Steinway au touché très dur de la Villette. L’instrument n’a nullement dérangé Hank Jones, 91 ans, mémoire vivante de l’histoire du jazz. L’aîné des frères Jones joue un piano en voie de disparition. A lui seul, son jeu est une synthèse d’Art Tatum et de Fats Waller, ses premiers modèles, mais aussi de Teddy Wilson, Earl Hines, Nat « King » Cole et Bud Powell. Hank ne joue pourtant pas de bop, même lorsqu’il reprend Thelonious Monk et Wes Montgomery. Son piano allège et condense les styles de ces pianistes. Un sens harmonique de l’accord le conduit à un jeu linéaire et transparent, sobre et parcimonieux. Contrairement à Jacky Terrasson, il économise ses gestes. Ses mains seules trahissent le mouvement. S’il éprouve une certaine difficulté à se déplacer, il est en pleine possession de ses moyens derrière son piano. Il s’accorde toutefois une courte pause entre chaque morceau, récupère en prenant le temps de citer le titre du standard qu’il va jouer. Ceux qu’il reprend ont pour nom Bluesette, A Child is Born, Skylark, Stella by Starlight, Body and Soul, Twisted Blues, In a Sentimental Mood, On Green Dolphin Street, ‘Round Midnight… Les versions concises qu’il en donne dépassent rarement les trois minutes. Hank fait respirer chaque note, fait sonner clairement chaque accord. Ses improvisations élégantes suivent toujours la ligne mélodique. Le rythme est léger balancement. Deux mains parfaitement complémentaires tirent de ces thèmes leur suc quintessenciel.

Hank Jones se produira en trio avec George Mraz à la contrebasse et Martijn Vink à la batterie le samedi 10 octobre à 20h30 au TNT de Toulouse dans le cadre du Festival Jazz sur son 31. http://www.jazz31.com

MERCREDI 16 septembre

Fly au Sunside, un trio pas comme les autres. A parité égale avec le saxophoniste Mark Turner, Larry Grenadier à la contrebasse et Jeff Ballard à la batterie défrichent et explorent de nouveaux espaces de liberté. Ici pas de leader, mais trois musiciens qui rendent sensibles des compositions complexes sur un plan harmonique et rythmique, des morceaux tout à la fois abstraits et d’une grande douceur. Le discours est intimiste, une conversation amicale entre trois instruments qui combinent leurs timbres et obtiennent une sonorité de groupe parfaitement identifiable. Mark Turner joue du soprano, mais c’est surtout au ténor qu’il affirme sa personnalité. Il utilise fréquemment le registre aigu de l’instrument, souffle de longues phrases lyriques et tranquilles. Jeff Ballard possède une frappe sèche, des tambours un peu graves, des cymbales au son plus mat que cristallin. L’épais tissu rythmique qu’il tisse avec la contrebasse ronde et boisée de Larry Grenadier peut très bien se suffire à lui-même, fonctionner de manière autonome. Véloce, Grenadier détache ses notes avec puissance et autorité. Sa contrebasse parle, chante, danse, commente, ancre la musique dans le groove. L’homme peut assurer une simple pédale ou tenir un langage d’une grande richesse mélodique. Sky & Country, Lady B, Super Sister et une version étonnante de Mad About the Boy, ballade écrite par Noël Coward, occupent l’espace du premier set. Les musiciens concentrés s‘écoutent en permanence et multiplient les échanges, véritables sauts dans l’inconnu qu’autorise une parfaite connaissance de l’harmonie. La  musique riche et profonde  d’un groupe novateur.
Photos © Pierre de Chocqueuse

Après un premier enregistrement pour ECM en solo en 2005 et plusieurs disques avec Enrico Rava, notamment le très beau “New York Days“ publié cette année sous le nom du trompettiste, Stefano Bollani sort un premier disque en trio pour la firme munichoise avec une section rythmique pour le moins inattendue : deux jeunes musiciens danois avec lesquels le pianiste italien a tourné au Danemark et en Scandinavie en 2002, année où il les a rencontrés. Le contrebassiste Jesper Bodilsen et le batteur Morten Lund ont à peu près son âge. Ils ont écouté les mêmes disques et partagent les mêmes options esthétiques, d’où la grande cohésion de leur trio. “Stone in the Water“ s’ouvre sur une délicieuse mélodie de Caetano Veloso. Les trois hommes prennent tout leur temps pour la faire scintiller. Ici point de musique énergique et sauvage. Tout est calme, volupté, silence entre les notes. Stefano et ses complices laissent respirer la phrase musicale, la développent et la transcendent en complète interaction. Jesper Bodilsen signe les deux thèmes suivants. Le premier, Orvieto, contient de bien belles notes. Un piano chante avec feeling et improvise avec brio. Une contrebasse ronde et mélodique l’écoute et lui répond. Une batterie marque discrètement le tempo. Edith n’est pas plus rapide. Le piano se greffe sur l’ostinato que joue la contrebasse. La main gauche se fait pesante et grave puis s’efface pour faire parler la basse. Stefano Bollani organise ses chorus avec un grand sens de la forme dans une perspective constamment mélodique. Ses doigts dansent et font rêver. Son touché délicat se fait miel dans Brigas nunca mais, un thème d’Antonio Carlos Jobim entièrement repensé. Ses propres compositions possèdent un léger parfum latin : Il cervello del pavone résonne de notes tintinnabulantes ; Un sasso nello stagno, une mélodie superbe, presque fragile dans sa simplicité, frappe l’oreille. Le pianiste use à bon escient de sa virtuosité, joue Francis Poulenc (Improvisation 13 en la mineur) avec intelligence, respect et gravité. Ses voicings assemblent les plus belles notes possibles. Un grand musicien assurément.