24 avril 2009
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Guitariste de formation classique, Marc Sinan se produit en solo et au sein d’orchestres de chambre ou symphonique depuis plus de
quinze ans. Bien qu’impliqué dans la musique contemporaine, il fait ses débuts chez ECM avec un projet personnel lié à sa double culture – son père est allemand et sa mère turco-arménienne - , un
mélange de musiques orientales et occidentales, répertoire original rassemblant chansons et improvisations modales. L’album raconte l’histoire d’Aicha bint Abi Bakr (613-678),
dernière femme du prophète Mahomet, la « Mère des Croyants » des Sunnites. Les textes s’inspirent de passages du Coran, des neuf livres des hadiths (les paroles du prophète) et
de poèmes persans anciens. La pianiste Julia Hülsmann les met en musique, les habille de mélodies limpides et apaisantes, en phase avec l’aspect religieux des textes. Les membres
de son trio habituel – Marc Muellbauer à la contrebasse et Heinrich Köbberling à la batterie – l’accompagnent. Outre Marc Sinan à la guitare,
l’album, réunit la chanteuse serbe Yelena Kuljic et Lena Thies, une altiste classique séduite par les musiques improvisées. L’orchestration reste volontairement
sobre et dépouillée ; les musiciens jouent peu de notes, mais font magnifiquement sonner leurs instruments. Quelques accords de piano ou de guitare suffisent à porter une voix expressive qui
explicite le récit. Seul ou associé au piano et à la guitare pour colorer un thème, le chant de l’alto est celui des oiseaux des jardins sur l’Oronte. Dans You Open My Eyes, la dernière
chanson, les musiciens improvisent autour d’un court motif mélodique que répète le piano. Dans Son Taksim, l’instrument offre de magnifiques accords à la guitare qui développe et égrène
les pas d’une courte danse. Contrebasse et batterie commentent délicatement une musique modale qui s’enroule doucement sur elle-même, rythment des improvisations souvent proches du jazz. Les
morceaux joués en trio relèvent davantage de la tradition orientale. Marc Sinan les a rapportés de Turquie. Kamil Hodja, un imam, a accepté d’improviser pour lui
dans la tradition maqâm et ses transcriptions ont fourni la musique de Sure 6/51 et Sure 81, deux courtes pièces au flux harmonique lent et majestueux. Suite ottomane explorant
des modes au sein de compositions préétablies, “Fasil“ envoûte, séduit par sa richesse tant musicale que spirituelle et rend audibles les murmures de l’âme.
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Chroniques de disques
19 avril 2009
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Comme je vous l’avais annoncé le 29 mars
dernier, il n’y a pas eu de quinzaine du blogueur de Choc dimanche dernier. J’avais prévu de redémarrer cette rubrique le 26 avril, mais compte tenu des nombreux concerts qui m’ont tenté, je crois
préférable de la mettre en ligne dès aujourd’hui. Reste à donner un autre nom à une rubrique indisciplinée qui apparaît et disparaît à sa guise dans les colonnes de ce blog, rubrique dont il sera
difficile de garder un rythme de parution en mai. Ses nombreux jours fériés et ses ponts interpellent. En outre, une recrudescence de mes activités professionnelles rend difficile la régularité de
cette rubrique jusqu’à l’été. Elle changera donc provisoirement de nom et deviendra en mai “les sorties irrégulomadaires du blogueur de Choc“. Concerts, films, livres, pièces de théâtre, disques
vous seront ainsi proposés avec davantage de souplesse, mais pas toujours lorsque vous les attendez. Laissez-vous surprendre et suivez le 
blogueur de Choc.
SAMEDI 28 mars
Randy Weston et les Gnawas au théâtre Claude Lévi-Strauss du musée du quai Branly. Une déception. Né en 1926,
Weston fatigué s’économise, joue peu de piano. Il fascine encore dans le registre grave du clavier, plaque des accords dissonants et étranges, mais laisse le plus souvent ses musiciens (toujours
les mêmes) assurer le spectacle. Alex Blake son contrebassiste en fait ainsi des tonnes, utilise son instrument comme une guitare, slape ses notes et multiplie les effets de trémolos.
Benny Powell se fait vieux et peine au trombone. Reste Talib Kibwe à la flûte et au saxophone alto pour colorer une musique décousue et lui apporter un peu de chaleur. Lorsque Weston
et son groupe font silence, les Gnawas entonnent quelques chants envoûtants, les trois cordes de leurs guembris ou hajhoujs (sorte de luth dont la caisse de résonnance est une peau de
dromadaire) assurent les basses, leurs qraqebs ou karkabas (grosses castagnettes en métal) et le tambour du maâlem rythmant leurs danses. Malheureusement la musique qu’ils donnent à entendre est
davantage celle d’une fête profane que d’une cérémonie religieuse, comme si les Gnawas en déplacement ne voulaient que distraire et rester à la surface des choses.
LUNDI 30 mars
Soixante-dixième anniversaire des disques Blue Note. Un All Stars comprenant quelques-uns des musiciens du label fêtent l’événement au théâtre du Châtelet.
Flavio Boltro à la trompette, Stefano di Battista aux saxophones alto et soprano, Joe Lovano (en petite forme) au saxophone ténor, Jacky Terrasson au piano, Ron
Carter à la contrebasse et Payton Crossley à la batterie font ainsi revivre avec plus ou moins de réussite quelques grands standards du catalogue. Un beau programme avec Juju de
Wayne Shorter, Cheese Cake de Dexter Gordon, Peace d’Horace Silver, The Sidewinder de Lee Morgan sans oublier la fameuse Blues March
écrite par Benny Golson pour Art Blakey et ses Jazz Messengers, mais le concert mal préparé – les musiciens n’ont eu que trois heures pour répéter - ne laisse pas un
souvenir impérissable. Seul Jacky Terrasson dont les chorus fiévreux ruissellent de lumineuses notes bleues parvient à tirer son épingle du jeu.
Plus intéressante, mais pas faite pour chauffer une salle, la musique intimiste proposée en première partie de programme par le quartette de Ron Carter fut plutôt mal perçue. Le
contrebassiste joue un jazz de chambre sensible et raffinée qui se goûte davantage dans l’intimité d’un club. Au piano, Stephen Scott brode des harmonies délicates, improvise avec bonheur de jolies phrases
mélodiques. Payton Crossley caresse tendrement les peaux de ses
tambours. Mais la révélation du concert reste la découverte de Rolando Morales-Matos, le percussionniste de la formation. En parfaite osmose avec le batteur, utilisant de très nombreux
instruments, il donne une grande souplesse rythmique à la musique et lui apporte de superbes couleurs.
MARDI 31 mars
Musée du quai Branly 10 heures 15 : Christine Albanel, ministre de la culture et de la 
communication, remet les insignes de Commandeur dans l’ordre des
Arts et des Lettres à Roy Haynes et ceux de Chevalier à Stacey Kent et Médéric Collignon. Dans un français parfait, Stacey Kent prononce un discours dans lequel elle
ouvre son cœur et nous confie toute l’admiration qu’elle éprouve pour la culture française. Boute-en-train, Médéric Collignon grimace et fait rire, l’humour de ses propos masquant de façon
pudique sa grande sensibilité.
SAMEDI 4 avril
Guillaume de Chassy au Duc des Lombards dans un répertoire en partie consacré aux compositions d’Andrew Hill,
pianiste « inclassable, lunaire, à la fois avant-gardiste et enraciné dans la tradition du jazz…un phare dans ma propre recherche artistique » dixit Guillaume, fin connaisseur d’une musique qui ne
ressemble pas à la sienne. Ils ne partagent pas la même esthétique, ne jouent pas le même piano, mais pratiquent tous deux un jeu économe et s’intéressent à la forme. Profondément enraciné dans une
tradition africaine, Hill fascine par l’univers qu’il parvient à créer avec peu de notes. Il les espace par des intervalles inhabituels, 
pratique une polyrythmie riche en décalages rythmiques et en
dissonances. Il invente parfois des thèmes très simples que l’oreille conserve toujours en mémoire, Pumpkin et sa courte séquence de notes est l’un d’eux. Guillaume le reprend ainsi que
Yokada Yokada, Refuge, For Emilio, mais leur donne d’autres couleurs, les fait autrement respirer. Il ne joue pas non plus son piano habituel, raccourcit ses voicings
pour de courtes phrases mélodiques entre lesquelles il place des silences inhabituels. Stéphane Kerecki en profite pour faire abondamment chanter sa contrebasse. Il exploite avec agilité les
sinuosités de la ligne mélodique et s’offre des solos expressifs et physiques. Le flux harmonique ralenti, Fabrice Moreau prend le temps de donner des couleurs à ses rythmes, les allonge,
les diffracte, nous surprend par les teintes toujours changeantes qu’il apporte au tissu percussif dont les mailles distendues offrent une grande liberté aux solistes.
LUNDI 6 avril
Les belles histoires de l’oncle Antoine à l’auditorium St-Germain. Ce mois-ci Antoine Hervé raconte Charles Mingus, un homme blessé et révolté au
cœur plein d’amour et de rage, un musicien qui porta de nombreuses casquettes, celles de compositeur, d’arrangeur et de contrebassiste. Antoine en parle avec humour, livre des anecdotes amusantes
sur le parcours de ce géant du jazz, personnage haut en couleurs et aux colères célèbres. Il explique fort bien sa musique et le petit 
groupe de musiciens qu’il a réuni pour la jouer impressionne.
Jean-Charles Richard au saxophone soprano et au baryton dans Moanin’, Michel Benita à la contrebasse pour colorer et chanter les mélodies, Philippe “Pipon“ Garcia à la
batterie font ainsi revivre avec bonheur quelques grandes œuvres mingusiennes, Pithecanthropus Erectus, Goodbye Pork Pie Hat, Fables of Faubus, Moanin’, et
Reincarnation of a Lovebird leur inspirant des improvisations aussi personnelles que réjouissantes. On les entend prendre beaucoup de plaisir à jouer cette musique, ce répertoire qui leur
va comme un gant et qu’ils enrichissent de leurs propres idées. Pourquoi pas un album ?
MERCREDI 8 avril
La petite ville s’appelle Les Pavillons-sous-Bois. Elle est située à l’est de Paris, entre Bondy et Le Raincy et son
Espace des Arts accueille Charles Lloyd et son New Quartet Il faut connaître ou avoir un bon plan de la banlieue parisienne pour le trouver. Banlieues Bleues a heureusement prévu une
navette porte de Bagnolet. Elle nous ramène à temps pour un dernier métro. Emmanuel courageux m’accompagne et ne regrette pas une aventure dont nous sommes revenus sain et sauf. Assurant la
première partie, le groupe du trompettiste afro-anglais Byron Wallen n’a pas réellement convaincu. Il réunit de bons musiciens autour de compositions passables que l’on oublie vite. Quelques
bons chorus interpellent. Charles Lloyd 
aussi. Il fait partie des
légendes du jazz, appartient à une génération de musiciens presque disparue qui joue avec le cœur. Son instrument exprime des émotions, parle le langage de l’âme, en transmet la beauté sensible.
Même les fausses notes – Lloyd en souffle quelques-unes – ne gênent pas trop le discours musical, une force tranquille et apaisante qui soulève et transporte. Fatigué, le saxophoniste peine à
trouver sa sonorité au ténor. On lui pardonne un début de concert claudiquant car Lloyd joue avec une sensibilité énorme et les trois hommes qui l’accompagnent éblouissent. Reuben Rogers à
la contrebasse et Eric Harland à la batterie constituent une paire rythmique exceptionnelle. Ce dernier développe une polyrythmie inventive et ne cesse de surprendre. Lloyd a toujours très
bien choisi ses pianistes. Jason Moran, le dernier en date, possède un jeu aussi singulier que celui de Thelonious Monk, Herbie Nichols ou Andrew Hill. Il plaque des
accords dissonants, joue des notes inhabituelles, possède un langage moderne, neuf et personnel profondément ancré dans le blues et la tradition. Musicien lyrique et sensible, Lloyd excelle dans
les ballades. Joués en fin de programme, The Water is Wide et Rabo de Nube furent les grands moments d’un concert émouvant.
JEUDI 9 avril
J’entraîne Phil Costing au Sunside pour écouter le pianiste Alexandre Saada en quartette. Il y présente
“Panic Circus“, son nouvel album, une fantaisie pop jazz bien accueilli par la critique, un enregistrement sans prétention, mais plein de jolies couleurs et de bon plans mélodiques. Il contient
même deux chansons que les groupes britanniques de la fin des années 60 auraient très bien pu inscrire à leur répertoire, une musique colorée et joyeuse qu’Alexandre trempe dans un grand bain de
jazz électrique. Les sonorités de son Fender Rhodes relié à des pédales de distorsion se mêlent à celles du saxophone ténor de Sophie Alour et créent des paysages musicaux qui rappellent les
premiers temps de la fusion. Jean-Daniel Botta joue de la basse électrique et chante ; à la batterie, Laurent Robin marque les rythme avec beaucoup d’énergie. Très travaillée sur le
plan du son, leur musique séduit surtout par sa fraîcheur. Phil, content, achète leur album qui agit un peu comme la petite madeleine de Proust et véhicule bien des souvenirs.
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La quinzaine du blogueur de Choc
14 avril 2009
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Pendant cinq mois, de janvier à mai 2007, le
Paris Jazz Big Band se produisit un jeudi par mois au Trabendo, parc de la Villette, dans un programme chaque fois différent. Tous les concerts furent enregistrés et ce coffret
de trois CD dont la parution coïncide avec les dix ans d’existence de l’orchestre en propose de larges extraits. Les trois premiers programmes, “Paris 24 h“, “Mediterranéo“ et “A suivre“ ont fait
l’objet d’enregistrements studio, mais jouée live, la musique apparaît beaucoup plus excitante, spontanée et fluide. Le quatrième programme, un hommage au pianiste Bernard Maury
disparu en août 2005, tourne autour de Bill Evans que Bernard admirait particulièrement. Zool Fleischer, Eric Legnini et Pierre de
Bethmann occupent tour à tour le piano. Les œuvres des deux premiers sont arrangées par Pierre Bertrand et Nicolas Folmer, patrons talentueux de ce
magnifique orchestre et auteurs de la plupart des formidables compositions inscrites à son répertoire. Le cinquième programme rassemble les travaux de trois compositeurs et arrangeurs français et
québécois : Ivan Jullien (un arrangement de Nostalgia in Time Square de Charles Mingus), Laurent Cugny (Moya, une pièce
magnifique) et François Théberge. Le Paris Jazz Big Band a convié chaque mois des musiciens à le rejoindre - Louis Winsberg, André
Ceccarelli, Christophe Wallemme et Minino Garay pour n’en citer que quelques-uns - , tous ajoutant une note personnelle, mélodique ou rythmique, à la
musique. Les arrangements très variés font donc appel à une large palette d’instruments et de rythmes. Les sons cristallins du piano Fender se mêlent aux riffs des instruments à vent, la
formation s’accommodant très bien de quelques instruments électriques pour séduire, envelopper d’une chaleur concertante l’auditeur subjugué. Intégrant aussi bien le langage du blues que le
vocabulaire d’un bop modernisé à son répertoire, l’orchestre offre une musique aux textures sonores et aux couleurs changeantes, et surprend par la variété des paysages qu’il propose. Encadrés
par des sections rythmiques souples et mobiles, par une masse orchestrale aussi légère qu’élégante, les solistes brillent par la qualité de leurs improvisations, chaque pièce leur laissant le
temps de longuement s’exprimer. Denis Leloup fait ainsi merveille au trombone dans Iona, une composition de Nicolas Folmer trempée élégamment dans le
funk. Ce dernier impressionne dès qu’il embouche sa trompette. Sur le même instrument, Fabien Mary enchante dans Sueño de niño et Pierre de Bethmann et
Zool Fleischer éblouissent au piano, le premier dans Pra Baden et Fragile, le second dans Air Comme René, une de ses compositions. Merci à
Sylvain Beuf, Stéphane Chausse (pour le magnifique chorus de clarinette de Biguine), Alfio Origlio, Pierre Bertrand
(épatant au ténor dans Incertitude) et Stéphane Guillaume pour leur contribution à ce bien bel album.
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Chroniques de disques
9 avril 2009
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François Couturier sort peu d’albums. Ceux qu’il
nous confie témoignent du travail d’un musicien discret et exigeant qui ne joue jamais de notes inutiles. Fin mélodiste, le pianiste n’exhibe jamais gratuitement sa technique, mais la met au
service des beaux paysages sonores qu’il invente. Fasciné par l’œuvre du cinéaste Andreï Tarkovski, il fit paraître en 2006 sur ECM “Nostalghia – Song for Tarkovsky“, un magnifique album de
compositions inspirées par ses films qui contiennent peu de musique. Viatcheslav Ovtchinnikov puis Edouard Artemiev se la partagent, ce dernier, un électro-acousticien, n’apportant
que des sons. Avec “Solaris“ (1972), la musique classique rentre parcimonieusement dans l’univers du cinéaste. Jean-Sébastien Bach, son compositeur préféré avec Giovanni Battista Pergolèse
et Henry Purcell, se fait entendre dans trois de ses films. François n’a pas cherché à illustrer des images. Il pose son propre regard sur l’œuvre de Tarkovski et met en musique les émotions
qu’elle suscite. Une vision qu’il confie à un quartette à l’instrumentation inhabituelle. 
Piano, violoncelle, accordéon et
saxophone soprano donnent des couleurs souvent très sombres à la musique et restituent la noirceur des films de Tarkovski. Relevant de la musique classique occidentale, l’harmonie engendre ici des
improvisations d’une lenteur majestueuse, véritables méditations spirituelles proches de cette esthétique du silence que partagent certains enregistrements ECM. Les mélodies fascinent par leur
gravité, leur lyrisme, l’austère lumière intérieure qu’elles expriment. Couturier a puisé certaines de ses idées dans l’œuvre de Bach et le “Stabat Mater“ de Pergolèse. Il cite
également le thème d’une sonate pour piano et violoncelle d’Alfred Schnittke. Deux des acteurs préférés de Tarkovski, Erland Josephson et Anatoli Solonitsyne (l’inoubliable
Andreï Roublev) lui ont également inspiré des musiques. De même les extraordinaires images du “Sacrifice“ filmées par Sven Nykvist, le chef opérateur du grand Ingmar
Bergman.
Après de nombreux concerts donnés par le quartette, la plupart en Suisse et en Allemagne, “Nostalghia – Song for Tarkovski“ fut présenté dans une version audiovisuelle
à Montbéliard en janvier 2008, puis à Strasbourg et à Nevers. L’apostrophe / théâtre des Arts de Cergy-Pontoise le programmait le 3 avril. Pendant une heure et quart, François Couturier et
ses musiciens - Anja Lechner au violoncelle, Jean-Louis Matinier à l’accordéon, Jean-Marc Larché au saxophone soprano - jouent et improvisent sur des photos d'archives, des
extraits des sept films du défunt metteur en scène. A la régie, Andreï Tarkovski, le propre fils du cinéaste décide des visuels, peut les ralentir ou ajouter des séquences filmées si les
improvisations se prolongent. Il est difficile de savoir quand commencent ces dernières. Elles se confondent avec les thèmes mélancoliques que les musiciens développent rêveusement sur des images
de toute beauté. Un grand moment magique et envoûtant.
Photos Anja Lechner - François Couturier & Andreï Tarkovski © Pierre de
Chocqueuse. Photo de groupe en concert © L' - Arnaud Vasseur
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Vu et Entendu
5 avril 2009
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Avril : Pâques et ses fêtes : le blogueur fatigué compte sortir un peu moins et prendre des vacances. Comme je vous l’ai annoncé, la prochaine quinzaine du
blogueur de Choc sera mise en ligne le dimanche 26. Pour vous faire patienter, des chroniques de disques et des papiers sur quelques concerts appréciés alimenteront ce blog. N’ayant pas trouvé le
temps de rédiger cet édito plus tôt, ceux que je vous recommande sont moins nombreux que d’habitude. Je me répète, mais je tiens à préciser à mes nouveaux lecteurs (vous êtes de plus en plus
nombreux et je vous en remercie), que le blogdechoc n’a pas vocation d ‘annoncer des concerts. Vous en trouverez la liste quasi exhaustive dans Jazzman et Jazz Magazine ou consultez les programmes
des clubs en visitant leurs sites. Je vous propose mes coups de cœur, les concerts de musiciens que je suis depuis des années. Ils peuvent mal jouer un soir, ne pas être en forme et désappointer.
Le risque d’être déçu reste toutefois minime lorsqu’on connaît leur musique, leur capacité à rebondir et à inventer. Le disque est en crise, mais il y a pléthore de nouveaux enregistrements. Il en
sort tous les mois des centaines. La plupart font entendre des musiciens impressionnants de technique, mais peu me touchent vraiment. Je craque ces jours-ci sur le triple album explosif du Paris
Jazz Big Band, sur quelques disques ECM souvent à la frontière du jazz et d’autres traditions musicales (“Fasil“ de Marc Sinan), sur le prochain disque de l’ONJ consacré à
Robert Wyatt, sur d’autres encore, mais d’abord quelques concerts.
-Le dimanche 5, soirée Paris Jazz Club rue des Lombards autour de Freddie Hubbard (le même billet donne accès aux trois clubs) : Alex Tassel
Quartet au Sunside, Eric Le Lann au Baisé Salé et Stéphane Belmondo au Duc. Avec ce dernier, un pianiste que l’on entend pas souvent : Kirk Lightsey.
-Le saxophoniste Dmitry Baevsky a fait sensation il y a quelques mois au Duc. Il s’y produit à nouveau le 6, en quartette. Son guitariste, Joe Cohn, est le fils du légendaire
saxophoniste Al Cohn. Le même soir à 19 heures 30, à l’auditorium St Germain, Antoine Hervé donne sa leçon de jazz et la consacre à Charles Mingus.
-Le 8, dans le cadre du Festival Banlieues Bleues, Charles
Lloyd investit Les Pavillons-sous-Bois et son Espace des Arts. Jason Moran, Reuben Rogers et Eric Harland l’accompagnent.
-Le 9 avril, au Sunside, Alexandre Saada présente “Panic“ un nouvel album plein de couleurs et de fantaisie. Pop, jazz électrique, peu importe, car cette musique joyeuse et rétro a
beaucoup de charme. Le même soir, Marjolaine Reymond, chanteuse pas comme les autres, fascinera le public du Triton.
-Les 10 et 11 avril à 22 heures, dans la cave voûtée du restaurant Autour de Midi, rue Lepic, Mourad Benhammou et ses Jazz Workers (Fabien Mary à la trompette, Pierre
Christophe au piano) proposent un hard-bop musclé et inventif.
-Saxophoniste exigeant, Jérôme Sabbagh vient jouer sa
musique en trio au Sunside le 13. Joe Martin à la contrebasse et Daniel Humair à la batterie l’aideront à relire des grands standards du jazz, partageront avec lui de fascinantes
plongées harmoniques.
-Les 14 et 15, Susie Arioli, chanteuse de country
canadienne qui trempe sa musique dans le swing et joue de la caisse claire occupe le Sunset en trio avec Jordan Officer, un excellent guitariste et un contrebassiste.
-Les amateurs de guitare ne manqueront pas Pat Martino en trio (orgue et batterie) au New Morning le 16 avril. Dans le cadre du Blue Note Festival, la Cité de la Musique accueille le
même jour à 20 heures Eric Truffaz, Murcof et Talvin Singh. Au programme: l’album “Mexico“ du trompettiste.
-L’excellent guitariste américain Kurt Rosenwikel investit le New Morning le 21 avec Aaron Parks (p), Ben Street (b) et Ted Poor (dms).
-Virtuose du piano, la pianiste japonaise Hiromi est
capable du meilleur (son disque au Blue Note de Tokyo en duo avec Chick Corea) comme du pire (“Beyond Standard“). Quelle musique jouera-t-elle avec son quartette le 24 au Duc des Lombards ?
Ceux qui ne souhaitent pas prendre de risques iront plutôt écouter le même soir au Divan du Monde, le trio de Laurent de Wilde avec l’infatigable Stéphane Belmondo.
-Manuel Rocheman attendu en solo et en trio le 25 à Radio France, studio Charles Trenet à 17h 30.
-On retrouve Daniel Humair le 27, toujours au Sunside, mais avec Tony Malaby au saxophone ténor et Bruno Chevillon à la contrebasse pour, n’en doutons pas, un jazz neuf
et incandescent.
-Dominique Abdesselam me signale un concert du cineXtet
de Bruno Regnier au Studio de l’Ermitage le 28, autour du film muet de Buster Keaton “Sherlock Jr“.
-Pharoah Sanders au New Morning les 28 et 29. Aujourd’hui plus structurée, sa musique conserve son pouvoir hypnotique, mais le saxophoniste laisse un peu trop souvent ses musiciens jouer à
sa place.
-Le 30 avril et les 1er et 2 mai, le pianiste Marc Copland revient au Sunside avec le contrebassiste Drew Gress et le batteur Bill Stewart qui l’accompagnent dans “Night
Whispers“ son dernier album.
-Auditorium St Germain : http://www.mpaa.fr/
-Autour de Midi : http://www.autourdemidi.fr/
-Banlieues Bleues : http://www.banlieuesbleues.org/
-Le Baisé Salé : http://www.lebaisersale.com/
-Cité de la musique : http://www.citedelamusique.fr/
-Le Divan du Monde : http://www.divandumonde.com/
-Duc des Lombards : http://www.ducdeslombards.com/
-New Morning : http://www.newmorning.com/
-Radio France : http://www.radiofrance.fr/francemusique/em/jazzvif_concert/
-Studio de l’Ermitage : http://www.studio-ermitage.com/
-Sunset – Sunside : http://www.sunset-sunside.com/
-Le Triton : http://www.letriton.com/
Brièvement, quelques bons disques qui paraîtront en avril : le 20, “Sky & Country“,
l’album tant attendu du trio Fly sera chez les disquaires. Mark Turner aux saxophones ténor et soprano, Larry Grenadier à la contrebasse et Jeff Ballard à la batterie
s’offrent un disque lyrique aux harmonies savantes et 
ambitieuses.
“Houria“, le nouvel opus du contrebassiste Stéphane Kerecki doit sortir trois jours plus tard. L’excellent trio du contrebassiste – Matthieu Donarier aux saxophones et Thomas
Grimmonprez à la batterie – accueille Tony Malaby pour une musique exigeante et sauvage, sensuelle et primitive, une aventure sonore exceptionnelle à ne pas manquer. Toujours le 23, le
nouvel Orchestre National de Jazz placé sous la direction artistique de Daniel Yvinec met en circulation son opus consacré à Robert Wyatt. Magnifiquement arrangé par Vincent
Artaud, “Around Robert Wyatt“ subjugue par ses mélodies, la finesse de ses orchestrations. Vous lirez ma chronique dans le n° de mai de Jazzman. Cédrick Bec, le batteur du
Christophe Leloil Sextet dont l’album E.C.H.O.E.S. est chroniqué dans ce blog, m’a fait parvenir un beau CD du pianiste Ben Aronov. Bec et Vincent Strazzieri à la contrebasse
l’accompagnent. Compositions originales et standards se parent de jolies couleurs mélodiques. “Falling Grace“ mérite de trouver un nombreux public.
Photos de Marjolaine Reymond, Jérôme Sabbagh, Laurent de Wilde, Marc Copland & Drew Gress, "Sunside" © Pierre de Chocqueuse -
"Panic", pochette dessinée par Alexandre Saada - Photo de Count Basie © Verve/Universal
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Edito tout beau
2 avril 2009
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J'ai découvert Maria Pia De Vito en 2005 avec “So Right“ un hommage à Joni Mitchell, un album séduisant, une voix
chaude, solaire, expressive, retrouvée l’an passé dans “Archangelica“ de Michel Godard, mais qui n’apporte pas grand chose à ce bien bel album. Italienne, très active sur la
scène du jazz, Maria Pia a enregistré de nombreux disques, la plupart introuvables dans l’hexagone. Elle a étudié l’opéra, le chant contemporain et s’est faite remarquée dans “One Heart, Three
Voices“, un opus de Diederik Wissels et David Linx. En examinant sa discographie, on se rend compte qu’elle aime les pianistes qui recherchent la subtilité
harmonique, et ce n’est pas un hasard si trois de ses albums ont été enregistré avec John Taylor, l’un des plus fins pianistes britanniques. Anglais lui aussi, Huw
Warren est beaucoup moins connu. Il a travaillé avec le violoniste Mark Feldman, s’intéresse au folk, aux musiques baroque et contemporaine comme en témoigne la
diversité de ses travaux et la richesse harmonique de son jeu sensible. “Diálektos“ (langue, dialecte) est une heureuse rencontre. Huw et Maria Pia ont composé ensemble la plus grande partie du
répertoire de l’album, de très belles mélodies ancrées dans la tradition populaire napolitaine, des compositions de Warren sur lesquelles Maria Pia a ajouté des paroles. Les morceaux sont plutôt
joyeux, malgré la clarinette mélancolique de Gabriele Mirabassi qui chante à trois reprises avec le duo. Maria Pia utilise plusieurs techniques vocales, parfois dans un même
morceau. Si l’étonnant Miguilim de Rita Marcotulli ou Ginga Carioca, une composition d’Hermeto Pascoal résument ce dont elle est capable en
matière de scat, elle utilise également sa langue pour rythmer la musique, vocalise, se sert du re-recording pour créer plusieurs voix dans Diálektos, morceau à fort potentiel
rythmique tout comme Whistling Rufus, autre condensé de son art. Maria Pia chante aussi avec une conviction contagieuse de splendides ballades, Beatriz de Chico
Buarque et Edu Lobo, Allirallena, morceau au charme considérable et Mmiezo’o ggrano, chanson napolitaine envoûtante dans laquelle Huw
Warren joue du piano préparé.
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Chroniques de disques
29 mars 2009
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Un dimanche sur deux, retrouvez les coups de
cœur du blogueur de Choc. Concerts, disques, films, livres, pièces de théâtre, rencontres, événements et scènes de la vie parisienne à vous faire partager... Suivez le blogueur de Choc…
Attention: en raison des fêtes, il n'y aura pas de quinzaine du blogueur le 12 avril, jour de 
Pâques. Merci de votre compréhension.
MARDI 17 mars
Un quartette inédit au Sunside : Lew Soloff à la trompette, Jean-Michel Pilc
au piano, François Moutin à la contrebasse et Billy Hart à la batterie, quatre personnalités dont on a envie de découvrir la musique, compositions originales et standards constituant
leur répertoire. Le groupe tourne depuis plusieurs semaines et cela s’entend. Les musiciens s’amusent à se surprendre, pratiquent des échanges intensifs, la contrebasse chantante de François
Moutin occupant une place centrale au sein de la formation. Les cordes de son instrument se mêlent à celles, métalliques, du piano, ou entament un dialogue mélodique avec la batterie. Billy
Hart possède un son, une frappe lourde qui peut se faire légère si le morceau l’exige. 
Il peut marteler puissamment ses tambours ou se contenter de marquer simplement le rythme sur une cymbale, ou sur le bord métallique de sa caisse claire. Loin d’étouffer la
musique, le batteur la laisse au contraire respirer, l’aère, donne de l’espace aux notes qui sont jouées. Lew Soloff possède un jeu de trompette d’une grande précision. Sa maîtrise technique
lui permet de faire chanter de longues phrases aux notes détachées et ciselées avec finesse. Aussi à l’aise dans le jazz qu’au sein d’orchestres symphoniques, il séduit par l’intelligence de ses
chorus et la beauté de son jeu mélodique. Lew est également un musicien sensible qui souffle des notes tendres et brumeuses, presque fragiles dans les ballades, supports au sein desquels
Jean-Michel Pilc révèle sa grande sensibilité. Le pianiste joue de petites notes éparses et tranquilles, adopte un jeu minimaliste et élégant aux notes inattendues et aux accords étranges.
Il peut également donner beaucoup de volume à ses notes, les frapper et les marteler, ses chorus tumultueux se gonflant de clusters et de dissonances.
Un peu plus loin, Don Menza se produit au Duc des Lombards. Saxophoniste de légende longtemps attaché aux pupitres des grands big band - ceux de Buddy
Rich, Woody Herman et Louie Bellson, il n’a pas joué en France depuis les années 50, malgré de fréquents concerts donnés en Allemagne. Le voir sur scène me tente, m’émoustille.
L’occasion est trop belle. J’abandonne donc le Sunside à la fin du premier set pour écouter un ténor dont je ne connais que les disques. Don possède une sonorité raffinée et élégante. Ses
improvisations sont toujours mélodiques et il ne perd jamais de vue le thème lorsqu’il joue de longues phrases lyriques et sensuelles. Comme Stan Getz (mais aussi Zoot Sims), il
souffle des phrases tendres et puissantes qui séduisent et attachent. En duo avec Philippe Milanta, il reprend My Foolish Heart, enroule ses notes autour de la mélodie, tresse de
jolies variations harmoniques pour l’embellir. Un piano rêveur lui répond, ornemente le thème par de petites notes délicates et perlées. Cédric Caillaud à la contrebasse et François
Laudet à la batterie complètent la section rythmique avec efficacité et justesse. Don Menza a promis de revenir au Duc avec un programme consacré à la musique de Getz, ses principaux
chorus harmonisés pour quatre ténors dont le sien. On ne peut que s’en réjouir. - Note ajoutée le mardi 14 avril: Le photographe
Philippe Etheldrède m'a gentiment signalé que bien que ne s'en souvenant probablement pas, Don Menza s'est produit à Antibes au sein du big band de Louie Bellson en
1992.
JEUDI 19 mars
“Vers toi terre promise“ de Jean-Claude Grumberg au théâtre du Rond-Point, une « tragédie dentaire » qui fait rire,
réfléchir et pose de bonnes questions. Ses répliques pleines d’humour sont aussi incisives que les dents que soigne Charles Spodek dans son cabinet dentaire. Elles donnent un goût amer,
comme les herbes rituellement prescrites à Pessa’h, la Pâques juive. On compatit aux douleurs des patients du dentiste mais surtout aux souffrances qu’il endure avec sa femme Clara depuis la
disparition de leurs deux filles. Déportée, la première a péri dans un camp. Cachée dans un couvent, la seconde y reste cloîtrée et invisible. Charles Spodek se bataille avec l’administration pour
réintégrer son lieu de travail spolié par un autre dentiste, un Français décoré pour sa bravoure en 14-18. Il y parvient, mais échoue à 
faire sortir leur fille du Carmel – la scène de leur visite à la
mère supérieure de l’ordre répondant à leurs questions, en posant d’autres (« Comment être juif et athée ? ») ou pratiquant la langue de bois est un des grands moments de la pièce. Incapables de
faire le deuil de leurs enfants, les Spodek passent des nuits sans sommeil dans leur appartement. Charles, cynique et pessimiste, attend une troisième guerre mondiale. Il dévitalise les dents de
ses patients et ôte leurs douleurs, mais ne peut empêcher la sienne de lui ronger le sang. Clara se lamente ; les lettres qu’elle écrit à sa fille restent sans réponses. Elle essaye même de prier
ce qui provoque la colère de Charles qui ne croit pas et refuse de croire. Les relations avec leurs parents, leurs amis, deviennent difficiles, Charles ne voulant plus voir personne, pas même son
cousin Max. Le couple décide finalement de partir vivre en Israël, la terre promise. Se relève-t-on d’un tel traumatisme ? Que trouvera-t-il là-bas ?
Enfant, Jean-Claude Grumberg se faisait
régulièrement soigner ses caries chez un double de Spodek et a nourri sa pièce de ses propres souvenirs. La mise en scène de Charles Tordjman est d’une grande lisibilité. Les scènes jouées
alternent avec des monologues pédagogiques, les apartés explicatifs d’un faux cœur antique situant l’action dans le temps. Les quatre acteurs sont formidables. Christine Murillo interprète
une Clara émouvante. Philippe Fretun exprime avec une grande justesse le cynisme désabusé de Charles. Les deux autres comédiens, Clotilde Mollet et Antoine Mathieu campent les
autres personnages, Suzanne l’amie, Mauricette la belle-sœur, l’auteur enfant, le cousin attaché aux croyances, aux rituels, aux interdits qu’impose sa religion, le patient désespéré à l’idée de
n’avoir plus personne à qui se plaindre lorsque Charles partira. Tous deux assurent le chœur, mélange de tragédie grecque et d’humour juif, pour éloigner la douleur, la tenir à distance, la rendre
supportable.
Au théâtre du Rond-point jusqu’au 11 avril. Du 31 mars au 5 avril la pièce sera jouée en hébreu avec des comédiens israéliens (version surtitrée en français). http://www.theatredurondpoint.fr/
VENDREDI 20 mars
Un grand pianiste au Sunside. Jim McNeely ne s’était pas produit sur une scène française depuis les années 8O. Il
joua pendant six ans avec le Thad Jones/Mel Lewis big band puis travailla avec Stan Getz et Phil Woods et est l’actuel pianiste du Vanguard Jazz Orchestra. Jim possède
également un tentet pour jouer ses arrangements. Il les a souvent confiés à de grands orchestres européens parmi lesquels le Danish Radio Big Band et le WDR Big Band. Il vient de
passer une semaine à Paris, invité par le département jazz et musiques improvisées du conservatoire national supérieur de 
musique de Paris (cnsmdp) à animer une master class. Les élèves de
Riccardo Del Fra joueront sa musique en big band le lundi 23. Ce soir, ils sont venus nombreux l’écouter en trio. Jim privilégie les belles lignes mélodiques, un jeu sobre aux couleurs
délicates. Ses longs voicings ne contiennent pas une note en trop. La fluidité de ses improvisations dissimule la richesse de ses idées harmoniques. Le pianiste cultive la discrétion, joue un piano
élégant qui respire, possède un rythme intérieur, écarte résolument le tape à l’œil, la virtuosité gratuite. Riccardo n’a rien non plus à prouver. Cela fait des années qu’il met sa contrebasse au
service de la musique et en fait chanter les notes. Un tempo très sûr, des notes très justes, des harmonies très pures bénéficient de sa magnifique sonorité. Avec le jeune Julien Loutelier à
la batterie, c’est une solide section rythmique qui commente mélodiquement et rythmiquement la musique, la trempe dans le swing. Le trio reprend Someday my Prince will come, In my own
Sweet Way, You and the Night and the Music, Con Alma, en donne des relectures harmoniques subtiles et surprenantes. - Autre note ajoutée le 14 avril: Philippe Etheldrède me fait également remarquer que Jim McNeely est venu en France en 1998 avec le Vanguard Jazz
Orchestra.
LUNDI 23 mars
La fête au Duc des Lombards qui célèbre ses 25 ans d’existence. Une soirée animée par
Pierre Christophe et son trio – Raphaël Dever à la contrebasse et Mourad Benhammou à la batterie. Invités par Jean-Michel Proust, de nombreux musiciens les remplacèrent sur
scène au cours de la soirée. En voici des images.
Mourad Benhammou et Pierre Christophe entourent Jean-Michel Proust, le
maître de cérémonie, et la charmante Perrine Silhol, chargée de la communication du Duc. Arrangeur, chef d’orchestre, pédagogue, Antoine Hervé est aussi un pianiste émérite. Avec
Gilles Naturel à la contrebasse et Philippe Soirat à la batterie, ses excellents partenaires d’un soir, il transforme quelque standards en feux d'artifice et rend le temps
inoubliable.
Yona et Valérie. Elles ne passent pas inaperçues. A droite Jean
Becker. Nous avons parlé de ses films, de Tante Olga et de son caviar, de son père Jacques, cinéaste immense qui confia la musique de “Touchez pas au Grisbi“ à Jean Wiener, partition
dont il ne reste que quelques mesures d’harmonica, du film “Le Trou“, un chef d'oeuvre dont il acheva le tournage sur les indications de son père trop souffrant. A sa droite, le sympathique Yves
Lucas. Les fidèles lecteurs de Jazz Magazine ont en mémoire ses articles.
René Urtreger : le bop est son affaire, il le
pratique avec brio au quotidien. Son merveilleux piano n’a aucun mal à rejoindre la guitare chaleureuse de Christian Escoudé. Ils ont enregistré ensemble un bien bel album en 1987,
“Masters“, publié sous le nom de René et s’entendent toujours aussi bien.
Anne Ducros aime les jam-sessions, poser sa belle voix sur de la bonne
musique. Elle ne dédaigne pas les prouesses techniques et chante toujours avec une grande justesse. On ne se lasse pas de l’écouter. Du swing plein les doigts, Pierre Christophe lui donne
brillamment la réplique. A quoi pense Mourad Benhammou ? A la musique qu’il rythme avec talent ? A la chanteuse qu’il accompagne ? A “Perk’s Snare“ son nouvel album ?
Anne Ducros toujours. Infatigable, elle reprend quelques standards avec Christian Escoudé et René Urtreger, complices d'un autre tour de manège jazzistique. Le saxophone ténor de
Lenny Popkin sonne comme un alto et souffle de la tendresse. Ses notes, des caresses, ont la douceur du miel.
Manu Le Prince chante avec bonheur le jazz et le Brésil. Sa voix chaude, sensuelle, a récemment célébré Cole Porter. Une prestation sans faute, avec Pierre Christophe magnifique au
piano. Habitué du Duc, Riccardo Del Fra n’a pas voulu manquer la fête. Sa contrebasse chantante s’entend à merveille avec le piano de Jim McNeely. Grand
batteur, Simon Goubert impressionne, rythme des harmonies subtiles trempées dans le be-bop.
Alexandre Saada étonne par l’étendue de ses connaissances harmoniques, la finesse de son jeu pianistique. Il aime le bop, mais aussi la pop musique, les chansons. Il y en a deux dans son
nouvel album, un disque dans lequel son jazz se trempe dans mille couleurs et se fait électrique. Ce soir Alexandre accompagne, joue un piano plus sage qui convainc tout autant. Olivier
Temime offre les riches couleurs de son saxophone aux invités du club. Très occupé, Jean-Michel Proust n’a même pas le temps de souffler dans son saxophone. Longue vie au Duc des
Lombards et bon anniversaire.
Photos © Pierre de Chocqueuse, sauf celles de la pièce "Vers toi terre promise" © Brigitte Engueran
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La quinzaine du blogueur de Choc
26 mars 2009
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Depuis le 17 mars, le jazz s’expose au musée du quai
Branly, là où dialoguent les cultures, et ce n’est que justice. Métissage de traditions musicales européennes et africaines sur la terre d’Amérique, il grandit à Storyville, quartier de la
Nouvelle-Orléans peuplé de tripots, de bars et de maisons closes. Sa fermeture en 1917 favorise sa migration. Chicago et New York l’accueillent et le sortent de l’ombre. Livery Stable
Blues couplé avec Dixie Jass Band One-Step, premier 78 tours de l’Original Dixieland Jass Band et premier disque de jazz publié, se vendra à un million d’exemplaires ! Moins
populaire après la fin de la seconde guerre mondiale et la disparition des grands orchestres swing, le jazz change, devient adulte et élitiste, hérite d’un vocabulaire harmonique sophistiqué, de
nouvelles conceptions rythmiques et s’exporte dans le monde entier. Aujourd’hui encore, il ne cesse de se nourrir au contact des musiques et des cultures du monde, de tout absorber et de se
transformer.
Son influence sur le siècle n’a pas été seulement musicale comme en témoignent les œuvres rassemblées quai Branly sous les auspices de Daniel
Soutif, ancien collaborateur de Jazz Magazine et du Centre Pompidou. Cinéastes (“Le Chanteur de Jazz“, 1927 est le premier long-métrage parlant), photographes (Carl 
van Vechten qui fut l’exécuteur testamentaire de Gertrude
Stein ; plus près de nous William Claxton, Roy DeCarava et Herman Leonard) et peintres s’en inspirent. Le jazz s’illustre, se met
graphiquement en scène, se dessine. Il faut prendre le temps d’arpenter la longue « rue » de son histoire, gigantesque timeline aux vitrines pleines de documents, livres, journaux,
pochettes de disques, recueils de partitions et dessins.
Avec elle, on remonte le temps de 1917 à nos jours, visite organisée en dix sections chronologiques dans lesquelles s’exposent des œuvres d’une grande
diversité. Ici “Le Tumulte Noir“ de Paul Colin (1927) ; plus loin “Jazz“ d’Henri Matisse, un ensemble de pochoirs sur papier, de découpages initialement consacrés au cirque. Pablo
Picasso, Kees Van Dongen, Piet Mondrian, Fernand Léger, George Grosz, Jean Dubuffet (“Jazz Band Dirty Style Blues“), Jean-Michel Basquiat et bien sûr
Jackson Pollock dont on peut admirer le fascinant “Watery Paths“ sont les noms les plus célèbres de ce vaste parcours. Une rétrospective à vocation 
anthropologique qui permet aussi de découvrir de nombreux
artistes moins réputés, oubliés ou méconnus. Citons Archibald J. Motley, Jr., Winold Reiss dont on peut admirer son “Interprétation of Harlem Jazz“, et Thomas Hart Benton qui
fut le professeur de Pollock.
Les musiciens ont souvent reproduit des œuvres de peintres et de dessinateurs sur les pochettes de leurs albums. The Forest and the Zoo“ un tableau de
Bob Thompson illustre celle d’un disque de Steve Lacy. Le saxophoniste Ornette Coleman choisit “White Heat“ une peinture de Pollock pour habiller “Free Jazz“ son album manifeste. Des
œuvres de Juan Miró figurent sur des pochettes de Toshiko Akiyoshi et de Dave Brubeck. Celle de “Misterioso“ de Thelonious Monk est une peinture de Chirico.
Andy Warhol en conçu quelques dizaines dont plusieurs pour Blue Note. Celles de David Stone Martin, Burt Goldblatt, Reid Miles, Pierre Merlin et Gil Mellé
comptent parmi les plus belles Jazz Covers de l’aventure du jazz.
Parmi les nombreux extraits de films que l’on peut voir, “L’Aurore“ de Friedrich Wilhelm Murnau fascine par la beauté de ses images, ses mouvements de
caméra, son rythme. “La Notte“ de Michelangelo Antonioni (1961) hypnotise au contraire par sa lenteur, l’intelligence de ses cadrages, son merveilleux noir et blanc. Giorgio Gaslini
en composa la musique, son quartette animant une fête nocturne dans le jardin de la maison de campagne d’un riche industriel. Consacrez quatre minutes à l’étonnant ballet de toupies que les
designers Charles et Ray Eames tournèrent en 1957 sur une poignée de notes funky.
Ce n’est pas sans émotion que l’on découvre le premier numéro de Jazz Hot, le numéro du Point de janvier 1952 (rien à voir avec l’hebdomadaire) consacré
au jazz, 
remplie de photos de Robert Doisneau ou
le fameux Jazz 47 (la couverture est de Charles Delaunay dont plusieurs œuvres sont exposées), revue dans laquelle Jean-Paul Sartre écrivit un article fameux sur le jazz. « La musique
de jazz, c’est comme les bananes, ça se consomme sur place. » en sont les premières lignes. Et puis dans une vitrine, un ouvrage cher à mon cœur : “Negro Drawings“ de Miguel Covarrubias
(1904-1957), peintre, illustrateur et caricaturiste mexicain de grand talent. Publié à New York en 1927, son livre est un fascinant recueil de dessins sur les clubs, les dancings, les personnages
pittoresques des longues nuits du jazz.
“Le Siècle du Jazz“ s’expose quai Branly jusqu’au 28 juin. Randy Weston et les Gnawas y donnent deux concerts les 27 et 28 mars. Le
catalogue de l’exposition (448 pages, 49, 90€) mérite sa place dans toute bonne bibliothèque jazzistique.http://www.quaibranly.fr/
Crédits Photographiques : Façade du musée © Pierre de Chocqueuse -
Fernand Léger : “Jazz (Variante) © Paris, Galerie Berès - Winold Reiss :
“Interpretation of Harlem Jazz“ (1925) © Collection particulière – Miguel Covarrubias : “Drummer“ © Collection de l’auteur –
George Grosz : “Matrose im Nachtlokal“ © Collection privée.
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Vu et Entendu
23 mars 2009
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L’endroit est magnifiquement situé. Aux portes des Cévennes dans un ancien
domaine vinicole de cinq hectares en partie agricole, se dresse un mas ancien en pierres de taille. Sa grande terrasse fait face à un parc ombragé. Son rez-de-chaussée a été partiellement aménagé
en studio d’enregistrement. Le studio proprement dit, 150m2 de surface au sol, possède de larges baies vitrées. Il donne sur les grands arbres surplombant la maison. La cabine technique, une pièce
de 90m2, la plus grande de l’hexagone, bénéficie de la même vue apaisante. Une salle pour les musiciens, avec bar, salle à 
manger et billard la prolonge. Aux étages, des appartements, des
salons, de vastes chambres qui donnent sur la campagne. Ouvert depuis 1994, le studio Recall a accueilli de nombreuses vedettes. Alain Bashung, Césaria Evora, les Gipsy Kings,
Noir Désir n’ont pas été les seuls à lui faire confiance. Jacky Terrasson, Yaron Herman, Pierre de Bethmann, Bireli Lagrène, Sylvain Luc, Guillaume de
Chassy, David Linx, Paolo Fresu, Bojan Z, Olivier Ker Ourio y ont également enregistré. Pour la bonne raison que Philippe Gaillot, le maître des lieux,
possède de très grandes oreilles. Ingénieur du son expérimenté, c’est aussi un musicien qui sait écouter et conseiller ses clients. Ancien élève de Mike Stern et de John Scofield, fan
de Miles Davis, mais aussi de Keith Jarrett et de Jimi Hendrix, il joue fort bien de la guitare, a enregistré plusieurs albums et connaît aussi bien la musique que ses
illustres visiteurs.
Ce n’est toutefois pas pour vanter les qualités professionnelles de Philippe – des musiciens le feront mieux que moi - que je rédige ce texte. Il vient de casser sa
tirelire pour réaménager son studio et le suréquiper d’un matériel technologique de pointe. La grande cabine qui abrite la batterie n’est plus seule à l’occuper. En cas de besoin, une seconde peut
accueillir le piano, un Steinway de concert. Une porte de près de deux mètres permet son passage et l’acoustique, comme celle des autres cabines, a été traitée en conséquence. De grande taille
également, une troisième isole les instruments de percussions. Deux autres, plus petites, ont été construites en arrondi sur les côtés. La cabine dévolue 
à la contrebasse voisine avec celle prévue pour la batterie. La dernière permet
l’enregistrement des voix ou d’éventuels instruments dont il convient de clairement restituer les timbres. Grâce à de larges fenêtres, les musiciens suivent des yeux ce que font leurs
collègues et gardent un contact visuel avec l’ingénieur du son. Ces cabines n’atteignent pas le toit du bâtiment situé à plus de six mètres du sol. Philippe en a donc profité pour installer sur
l’une d’elles une mezzanine. Sa hauteur donne à cet espace ouvert une acoustique différente. Les cuivres semblent déjà apprécier sa résonance particulière. D’autres instruments se laisseront
probablement tenter.
Ces travaux améliorent sensiblement le
confort des musiciens. Leurs instruments isolés, ils peuvent refaire facilement de nouvelles prises, corriger leurs erreurs, gagner du temps et de l’argent. Philippe innove également en leur
proposant un système révolutionnaire et unique d’écoute casque. Neuf postes équipés de consoles 24 voies équipent désormais le studio. Un par cabine. Montés sur roulettes, les quatre derniers
accompagnent les musiciens qui enregistrent hors cabine. Chacun maîtrise l’écoute de son casque, obtient le son qu’il souhaite entendre. Il peut régler le volume de chaque instrument, choisir son
équalisation, sa réverbération et sa panoramique. Libre, parfaitement indépendant, le musicien fait son propre mixage. Celui qui est hermétique aux boutons peut utiliser le système habituel, une
écoute casque réglée de la console principale, une Amek conçue par Ruppert Neve (40 pistes enregistrement simultané, 80 voies au mixage). L’ingénieur du son assure les réglages. A vous de
jouer, de sortir votre meilleur musique et de faire des miracles.
Studio Recall : http://www.studiorecall.com
Photos du studio © Patrick Lavabre - photo du mas © Philippe Gaillot - Philippe Gaillot et Jacky Terrasson © Pierre de
Chocqueuse
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Vu et Entendu
19 mars 2009
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Musicien inspiré, Ernst Reijseger tire des sons étonnants de son violoncelle. Il donne à entendre une voix, un double de lui-même qui
rit, pleure, murmure, crie, proteste et chante des mélodies qui font bien sûr rêver. Né aux Pays-Bas en 1954 et récipiendaire du très convoité Boy Edgar Prize en 1985, il aime diversifier ses
activités et joue des choses très différentes. Jazz moderne, musique improvisée ou contemporaine, difficile de mettre une étiquette sur les travaux d’un musicien inclassable, un maître qui
multiplie rencontres et aventures. “Tell me Everything“ en est une. Recueil d’œuvres pour violoncelle solo, il contient des pièces aussi changeantes que la couleur du ciel. Toutes dégagent une
impression de force et de plénitude. Ernst les a enregistrées en Toscane, en avril 2008. Installé dans le domaine vinicole de Castello di Volpaia dans le Chianti, il découvre que l’ancienne
église du lieu, La Commenda di San Eufrosino de Volpaia est particulièrement propice à la création musicale. De vieux microphones à tubes ont ainsi recueilli des moments de grâce, de solitude, de
tension et de 
paix. Pièces aux cadences envoûtantes, cordes
caressées, frappées par l’archet ou jouées pizzicato, compositions limpides évoquant les heures douces d’un matin printanier, chacune conte une histoire. Le chant des oiseaux de Volpaia introduit
l’album et les premières notes de Bidderosa - morceau écrit sur la côte sarde, un thème éclairé par la lumière de l’aube, les cordes du violoncelle pincées par les doigts sonnant un peu
comme celles d’une guitare - , font fête au jour naissant. Chaque morceau est ici une surprise, Reijseger variant sans cesse de technique, ouvrant la porte au merveilleux. L’instrument émet le
chant d’une baleine (Moby’s Night Out), sonne comme un shakuhachi (Falsetto), ou rythme les accords du blues (Dancing for D). Une musique d’un grand lyrisme laisse
soudain place à de longues notes tenues, ondes sonores convulsives parcourues de fiévreux frissons rythmiques, glissandos porteurs de formes et de couleurs. Dans Tell me Everything, la
dernière plage, la plus longue, Ernst Reijseger nous offre le meilleur de son art. Ses variations mélodiques jouées à l’archet, ses longues phrases répétitives nous plongent dans
un monde onirique.
Photo: Ernst Reijseger devant La Commenda
di San Eufrosino de Volpaia (Toscane) © Winter & Winter
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Chroniques de disques
