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Etonnant parcours que celui d’Enrico Rava. En 1957 à Turin, il assiste à un concert de Miles Davis et décide de jouer du bop à la trompette alors qu’il pratique du dixieland au trombone. Dans les années 60, il joue avec Gato Barbieri, Steve Lacy, souffle des notes de feu, recherche le jaillissement du cri. Installé  à New York en 1967, il se produit tout naturellement avec les musiciens d’avant-garde, travaille au sein de la Jazz Composer’s Orchestra Association de Carla Bley et Mike Mantler. Cette esthétique free qui est la sienne jusqu’aux années 90 va progressivement s’estomper. Enrico Rava s’intéresse alors à l’écriture musicale, compose en se préoccupant davantage de la forme. Il adoucit son jeu, fait sonner sa trompette comme celle de Miles Davis. C’est un musicien lyrique qui grave une nouvelle série d’albums pour ECM à partir de 2003. “Easy Living“ est même une énorme surprise. Nulle urgence dans son jeu, mais des phrases chantantes, une célébration de la mélodie inattendue. A ses côtés, Stefano Bollani, un jeune pianiste italien, fait déjà parler de lui. Il joue dans ce “New York Days“, enregistré en quintette à New York. Le trompettiste y retrouve Paul Motian, le batteur d’“Escalator Over the Hill“ et de “Tati“, un grand disque en trio. Larry Grenadier assure la contrebasse et le saxophoniste Mark Turner complète le groupe. Bien que ce dernier aime les accords tarabiscotés, sa sonorité réfléchie s’accorde à celle, chantante, de Rava. Il muscle la musique par la vivacité de ses chorus, pousse le trompettiste à monter dans les aigus, à retrouver un peu le vertige de ses années rebelles. Le jazz abordé est ici est largement modal. Le trompettiste avoue avoir réduit sa musique à l’essentiel, à des mélodies très simples (le thème de Certi Angoli Segreti fait penser à du Nino Rota). Il laisse ainsi ses musiciens tisser des fils harmoniques, embellir la musique et la faire respirer. Les climats sont plus sombres que d’habitude. Les tempos plus lents favorisent la recherche de paysages sonores proches de l’abstraction (Outsider). Comme d’habitude, Motian commente, propose un langage rythmique qui lui est personnel. Attentif, Grenadier économise ses notes, joue les plus utiles, fait parfois tenir à sa contrebasse un rôle de bourdon. Le flux harmonique ralenti permet l’enchevêtrement de nombreuses séquences rythmiques. Constamment à l’écoute, Bollani cimente les échanges, les contre-chants auxquels se livrent la trompette et le saxophone. Ses petites notes élégantes relancent le discours mélodique, le prolongent par de belles improvisations (Lady Orlando). Un des très beaux disques de cette nouvelle année.

Un dimanche sur deux, retrouvez les coups de cœur du blogueur de Choc. Concerts, disques, films, livres, pièces de théâtre, rencontres, événements et scènes de la vie parisienne à vous faire partager... Suivez le blogueur de Choc…

MERCREDI 21 janvier
Coup d’envoi du festival cinéma Télérama. 3 euros la place jusqu’au 27 janvier. Une belle occasion de voir ou de revoir une quinzaine de films sortis sur nos écrans en 2008. Certains ne m’attirent pas. Woody Allen a fait beaucoup mieux que “Vicky Cristina Barcelona“, une comédie amusante que l’on regarde pour ses actrices. J’ai déjà vu “There Will Be Blood“ de Paul Thomas Anderson et “Into the Wild“ de Sean Penn. Ils comptent parmi les meilleurs long-métrages sortis l’an dernier et honorent ce programme.
Je me décide pour “Séraphine“, un film de Martin Provost, son troisième, un sujet qui m’attire, une histoire vraie. Séraphine Louis (1864-1945) habite Senlis et vit de ses lessives, de travaux ménagers. La nuit dans sa mansarde, devant une statue de la Vierge qu’elle éclaire de bougies, elle peint de petits tableaux, des fleurs, des natures mortes tout en chantant des cantiques. Elle peint car un ange le lui a ordonné. Son panier d’osier à la main, Séraphine parcourt la campagne, colle son visage sur les troncs des arbres et se hisse sur leurs branches. Lorsqu’elle est triste, elle parle aux fleurs, aux oiseaux, aux animaux qu’elle rencontre. Wilhelm Uhde (Ulrich Tukur), un collectionneur allemand, l'un des premiers acheteurs de Picasso, Braque et du Douanier Rousseau, l’emploie quelques heures par semaine pour tenir sa maison et laver son linge. Découvrant une de ses peintures, il l‘encourage à en faire d’autres. La guerre de 14 les sépare. Wilhelm Uhde doit s’enfuir et Séraphine, toujours bonne à tout faire, continue à peindre des toiles de plus en plus grandes, de plus en plus nombreuses. Son mécène la retrouve en 1927. Il l‘aide à vivre, lui achète ses tableaux, lui trouve des clients. Lorsque l’argent se raréfie après 1929 et qu’Uhde doit remettre à plus tard l’exposition parisienne promise, Séraphine, un cœur simple, ne comprend pas et perd la tête. Internée, elle finit ses jours à l’asile. Yolande Moreau étonnante, prête à Séraphine son épaisseur, ses gestes maladroits, son âme sensible et attachante. Humble, frustre, modeste, Séraphine parle peu, mais communique par les yeux, transperce par le regard. Martin Provost filme sobrement de courtes scènes que ses acteurs transfigurent. Le rythme est volontairement lent, les images souvent belles et l’émotion palpable.

JEUDI 22 janvier
Edouard Bineau en trio au Duc des Lombards. Jean-Jacques Pussiau ne s’est pas trompé en publiant en 2002 son premier disque. Pianiste sensible, Edouard possède son propre univers musical, joue des harmonies élégantes et un beau piano. Je ne l’ai pas reconnu avec des cheveux sur un crâne naguère rasé et la barbiche de pharaon qui orne son menton. Sur scène, il se montre un peu gauche, présente ses morceaux presque en s’excusant. Sa timidité profite à sa musique, lui apporte une respiration appréciable. Ses notes sont comme en attente de celles qui vont suivre. Portées par des rythmes lents et réguliers, elles semblent plongées dans un sommeil surnaturel. Si Edouard semble vivre les rêves sonores qu’il nous fait partager, sa section rythmique veille à cadrer ses envolées lyriques, à leur donner une épaisseur concrète. Le pianiste aime les standards dont les harmonies ressemblent aux siennes. Il interprète toujours Angel Eyes et Wayfaring Stranger, deux extraits de “Idéal Circus“, son deuxième album dans lequel Gildas Boclé et Arnaud Lechantre l'accompagnent déjà. De nouvelles compositions enrichissent son répertoire. Il fait danser une ronde aux notes de Canaïma rapporté d’un séjour au Venezuela. Introduit par un jeu en accords puis développé par la contrebasse, Wared semble construit sur un mode oriental. Il y a du McCoy Tyner et du Keith Jarrett dans ce piano modal qui déploie une énergie inhabituelle dans Je me suis fait tout petit, de George Brassens, mais conserve intact son pouvoir hypnotique et lyrique. Gildas Boclé enrichit la musique à l’archet ; Edouard trempe ses voicings dans des lignes de blues. Il fait bon écouter ces morceaux colorés qui évoquent des images. Ils chantent de petites musiques qui mettent du baume au cœur.

VENDREDI 23 janvier
Répétition publique de l’ONJ à la Dynamo de Banlieues Bleues. Sous la direction artistique de Daniel Yvinec, la formation travaille depuis dix jours sur “Around Robert Wyatt“, un de ses trois projets ambitieux. Elle entre en studio la semaine prochaine pour enregistrer l’album et en peaufine les passages difficiles. Contrairement à ce qui se fait d’habitude, Daniel a commencé par enregistrer les voix a cappella. Camille, Yaël Naïm, Rokia Traore, Irène Jacob et Daniel Darc ont confié les leurs à l’orchestre et Robert Wyatt prête la sienne à six morceaux. Ces voix nues et invisibles, des instruments les habillent, leur donnent des couleurs. Daniel a eu la bonne idée de demander à Vincent Artaud de s’occuper des arrangements. L’auteur de “La tour invisible“ ne pouvait que se réjouir de ces mélodies enchanteresses, solides barres d’appui à des relectures oniriques. Saxophones alto et ténor, clarinette et clarinette basse, cor, trompette, flûtes soulignent les thèmes, les plongent dans un univers sonore neuf et personnel ; les claviers les trempent dans des sonorités futuristes ; la guitare les enracine dans le rock. Vincent Artaud aime mettre en boucle quelques notes, fabriquer de courtes séquences répétitives. Il marque la musique de son propre regard. Rangers in the Night, démarquage original de Strangers in the Night, le tube de Frank Sinatra, une pièce très simple que Robert chante en s’accompagnant au piano, hérite de sonorités somptueuses. Son crescendo final évoque la coda magnifique de A Day in the Life. La voix cassée de Daniel Darc fragilise le tendre O Caroline, lui transmet sa sensibilité d‘écorché vif. Les thèmes de ce répertoire n’ont pas tous été composés par le barde à la voix d’archange. Shippbuilding, un vieux thème d’Elvis Costello, est confié à la voix de Yaël Naïm. La musique de The Song (un des grands moments de “Songs“ un album de John Greaves dans lequel chante Robert) se voit transfigurée par une orchestration raffinée dans sa mise en couleurs. Cette passionnante répétition annonce de magnifiques concerts et un album pour le moins gigantesque. Sa sortie est annoncée pour le 23 avril. On écoutera les disques de Robert Wyatt pour patienter jusque-là.

DIMANCHE 25 janvier
Plus de cent mètres de queue pour “Les plages d’Agnès“ programmé dans le cadre du festival Télérama dans une seule salle parisienne. La chance souriant aux audacieux, Emmanuel et moi parvenons à rentrer. Dans ce film poétique et touchant, véritable puzzle assemblant extraits de films, photos, documents, scènes reconstituées et images oniriques imbriquées les unes dans les autres, Agnès Varda livre sa vie. Chronologique, son film déborde d’invention, d’humour, de digressions malicieuses et tendres. S’appuyant sur un montage acrobatique, Agnès nous raconte son enfance en Belgique et à Sète, son adolescence à Paris où elle s’éveille à sa future carrière artistique. L’Ecole de photos de la rue de Vaugirard la conduit à photographier les premières éditions du Festival d’Avignon et à travailler au TNP avec Jean Vilar. Le cinéma, elle l’ose en 1954 avec “La pointe Courte“. Alain Resnais le monte et tourne quelques scènes de raccord. Au début des années 60, Agnès Varda tourne "Cléo de 5 à 7", un autre film à petit budget, un film phare de la nouvelle vague dont elle est la seule cinéaste. Sa carrière est lancée. Devant son domicile parisien, la rue Daguerre transformée en plage (les mouettes sont des mobiles qui battent leurs ailes de carton), Agnès nous parle de ses amis, de sa famille, des vivants et des morts, et parsème ses souvenirs d’images surréalistes et de scènes poétiques. Ses plages, ce sont celles de la mer du Nord et de son enfance, de Sète où elle passe toute la guerre, de Venice en Californie où elle s’installe à la fin des années 60, de l’île de Noirmoutier qu’elle parcourt avec Jaques Demy, son Jacques, Jacquot de Nantes dont elle célèbre pudiquement la mémoire. Un film vif, tendre, émouvant que l’on regarde émerveillé.

AmeriKa, une adaptation de “L’Amérique“ de Franz Kafka au Lucernaire, le moins noir de ses romans. Le burlesque l’emporte, mais le candide Karl Rossmann a bien du mal à s’intégrer dans ce pays neuf dont le culte est celui de l’argent. De nombreux déboires parsèment ses aventures. Chassé par son oncle sénateur, volé par un tandem d’escrocs, il se retrouve malgré lui protégé par les femmes, sauvé par sa jeunesse. On ne saura jamais ce que l’Amérique réserve à cet ex-groom nommé machiniste du grand Théâtre d’Oklahoma. On quitte le héros, « délicat et les joues toujours creuses » dans un wagon de chemin de fer en compagnie de la tendre Thérèse. Dans le livre, il s’agit de Giacomo, employé comme lui à l’Hôtel Occidental. Qu’importe ! Kafka n’a jamais terminé son livre. Vincent Colin en signe une jolie adaptation théâtrale. Sa mise en scène vive et rythmée valorise six acteurs et actrices qui passent d’un personnage à un autre, font oublier l’absence de décors. La pièce dure une heure et quart. On n’y voit pas le temps passer. Vous avez jusqu’au 22 février pour rire et suivre les aventures d’un naïf attachant.
Réservations au 01 45 44 57 34  http://www.lucernaire.fr/ - L’auteur de l’affiche, Joël Guenoun, a un très beau site sur le net. Allez-y voir : http://www.joelguenoun.com/

MERCREDI 28 janvier
Depuis lundi, Jacky Terrasson occupe le Sunside. Il s’y sent chez lui et invente soir après soir en solo. Le blues nourrit ses lignes mélodiques, mais Jacky utilise un vocabulaire harmonique très varié dont les racines plongent aussi dans la musique classique européenne. On ne sait jamais ce qu’il va jouer. Lui non plus. Une belle page romantique succède à un prélude dissonant. De notes puissamment martelées sort une mélodie de rêve, une miniature sonore aussi fugace que belle. Tel un magicien, Jacky tire de son chapeau un splendide Over the Rainbow et lui imprime un doux balancement. La main droite, légère, ornemente, en détache sensuellement les notes essentielles. Un vieux blues bancal et burlesque introduit You’ve Got a Friend de Carole King. Take the A Train hérite d’un tempo lent et chaloupé. Une composition sans titre se mâtine de rythmes afro-cubains. Les doigts font danser les notes, leur imposent des cadences hypnotiques. Après un Caravan très percussif, le deuxième set de la soirée célèbre longuement le blues. Jacky en esquisse les phrases, leur donne rythme et respiration avant d’en bousculer les accords dans un jeu très physique. Les notes se font puissantes, gonflent et s’étalent comme des vagues. Celles de I Love you More, une ultime ballade, apaisent et mettent en joie.

JEUDI 29 janvier
Le musée d’Orsay offre aux regards une centaine de pastels jusqu’au 1er février, une exposition intitulée “Le Mystère et l’Eclat“. Fragiles, ils supportent mal la lumière du jour et ne sont pas souvent montrés. La première salle que l’on visite contient deux grandes œuvres étonnantes de Sam Szafran, un artiste né en 1934 et qui travaille le pastel depuis 1958. Je ne goûte guère les peintres réalistes, et pas davantage les portraits mondains d’Emile Lévy, Louise Breslau et Lucien Lévy-Dhurmer qui baignent dans un académisme bon teint. Les impressionnistes m’impressionnent davantage. Pas tous. Le Nageur de Gustave Caillebotte (un plongeur en maillot rayé) accroche le regard. Les ciels d’Eugène Boudin sont incomparables. Edouard Manet se mit tard au pastel. Son premier, Portrait de Madame Edouard Manet sur un canapé bleue, reste un coup de maître et sa Femme au chapeau noir est presque aussi bien. On connaît mieux les pastels de Degas. Ce mélomane dispose d’un fauteuil d’orchestre à l’Opéra. Son abonnement lui permet aussi de fréquenter le foyer de la danse. Il en profite. Sa Danseuse au bouquet, saluant est célèbre mais les femmes qu’il montre souvent dans leur bain, captivent autant que ses danseuses. Les peintres symbolistes sont loin de tous posséder le même génie artistique. On doit à Lévy-Dhurmer un beau portrait de Georges Rodenbach, l’auteur de “Bruges la morte“. Lévy-Dhurmer cultive souvent l’étrange. Sa Femme à la médaille s’appelle aussi Mystère. Les scènes mythologiques d’Emile-René Ménard ou de Kerr-Xavier Roussel m’ennuient. Rattaché au symbolisme, Odilon Redon invente un monde onirique plus beau que celui des autres. Le Char d’Apollon, Le grand vitrail (1904) longtemps la propriété du pianiste Ricardo Viñès, et Le Bouddha, un grand pastel sur papier beige qu’il réalise vers 1906-1907 comptent parmi les plus belles œuvres de cette exposition.

Photos © Pierre de Chocqueuse, sauf affiche et photo du film “Séraphine“ © Diaphana Films ; affiche du film “Les plages d’Agnès “ © Les Films du Losange ; affiche et photo de la pièce AmeriKa ©Compagnie Vincent Colin ; Portrait de Mme Edouard Manet sur un canapé bleu © Musée d'Orsay, dist. RMN / © Patrice Schmidt.  

Six morceaux en trio, cinq en double trio (deux batteries et deux contrebasses entourent le saxophoniste) et deux en quartette avec un seul batteur. Les contrebassistes Larry Grenadier et Reuben Rogers, les batteurs Brian Blade et Gregory Hutchinson se partagent le travail, permutent selon les plages sans nullement modifier la sonorité générale de l’album. Principal soliste de cette musique austère, Joshua Redman s’est déjà confronté au trio avec contrebasse et batterie dans “Black East“, enregistré en 2007 avec trois sections rythmiques différentes. Il sait trouver la musique en lui-même, possède suffisamment d’imagination et de maîtrise technique pour se passer de filet protecteur. L’absence d’un piano, d’une guitare ou d’un autre instrument harmonique constitue un véritable piège pour un saxophoniste sans expérience. S’il permet d’improviser plus librement, de s’échapper des barres de mesure et du cadre harmonique, le musicien peut se perdre dans la multitude de notes et d’accords que permet son instrument. Prologue de ce nouvel album, Uncharted exprime bien l’intériorité du projet. Redman minimise les risques en construisant ses improvisations sur de véritables thèmes qu’il développe et harmonise avec lyrisme. Hutchhiker’s Guide et Round Reuben relèvent même du bop. Le saxophoniste en modernise le vocabulaire, s’en sert comme point d ‘appui. Il procède autrement dans Identity Thief, suite d’accords abstraits sur lesquels les musiciens greffent des rythmes. Redman s‘embarque dans cette aventure avec des complices. Ils l’ont maintes fois accompagné et lui permettent de placer la barre très haut, d’aller plus loin dans sa quête musicale. Deux contrebassistes et deux batteurs sont loin de troubler son jeu de ténor. Le soutien harmonique de l’une des contrebasses parfois jouée à l’archet lui apporte une assise confortable. Sa musique profite d’une plus grande richesse sonore, d’un foisonnement rythmique appréciable. On ne peut que s’en réjouir.

Depuis “Hide & Seek“ publié en 2001, Michael Mantler n’avait pas enregistré un album entier de nouvelles compositions. Sept concertos (pour trompette, guitare, saxophone, marimba et vibraphone, trombone, piano et percussion) pallient aujourd’hui à ce manque. Les musiciens du Kammerensemble Neue Musik Berlin, un orchestre de chambre de quinze membres, accompagnent les solistes dont certains viennent du jazz (Roswell Rudd, Bob Rockwell) et du rock (Nick Mason). Loin de casser les formes par un langage libertaire, ces derniers improvisent sur des thèmes, suivent des partitions. Le premier concerto, le plus cuivré, relève de la musique contemporaine. La musique y serait austère sans les notes de jazz émises par la trompette. Dans le second, les cordes cohabitent mieux avec la guitare de Bjarne Roupé. Ils parviennent à s’entendre sur un discours et une cadence commune. Les cuivres affichent une certaine réserve et la musique se fait moins agressive. Celle sur laquelle Bob Rockwell improvise tient de la forme chorale. Ecriture et improvisation s’équilibrent avec bonheur dans ce concerto pour saxophone. Rockwell souffle des phrases tendres et lyriques. L’orchestre pose les couleurs sonores d’un paysage inquiétant, des pages abstraites que réchauffe le ténor. Confiée à Pedro Carneiro, la pièce suivante pour marimba et vibraphone, une des plus réussie, met également en valeur les cordes. Les lamelles de bois du marimba donnent une couleur inimitable à la musique. La partition de Roswell Rudd est également très belle. L’orchestre tisse de longues nappes sonores, étale le même accord en attente des questions que soulève le trombone. Il finit par répondre à ce dernier et esquisse tardivement les pas d’une danse à laquelle se mêle la voix rauque et primitive de l’instrument soliste. Contrairement aux autres, le concerto pour piano et orchestre, le plus long de l’album (un peu plus de 12 minutes) semble entièrement écrit. La pianiste Marjella Stockhausen, la fille de Karlheinz, tient le piano. Le langage est moderne, agréablement dissonant, mais tonal. Célèbre pour avoir rythmé pendant de longues années la musique du Pink Floyd, Nick Mason assure la batterie et les instruments rythmiques du dernier morceau, un concerto pour percussions. La masse orchestrale s’enrichit de nouvelles couleurs, scande des mesures binaires, abrite une guitare électrique et brouille davantage les frontières entre les genres que les concertos précédents.

Lundi soir 12 janvier, dans le grand foyer du théâtre du Châtelet, l’Académie du Jazz remettait ses récompenses annuelles devant un parterre, de journalistes, musiciens, directeurs de maisons de disques et représentants du ministère de la culture.
Présidée par François Lacharme, la cérémonie débuta à 19 heures et fut suivie d’un cocktail animé au cours duquel tous purent étancher leur soif.
Attribué à “Jazz Covers“ ouvrage rassemblant plus de 650 pochettes de disques, le Prix du Meilleur Livre de Jazz fut le premier décerné. Jean-Luc Choplin, directeur du Châtelet, le remis à Joaquim Paulo, collectionneur Portugais et auteur de l’ouvrage qui avait spécialement fait le voyage de Lisbonne.
Auteur d’un des plus beaux disques de 2008, le contrebassiste norvégien Arild Andersen s’était également déplacé pour recevoir le Prix du Jazz Européen, le label ECM se voyant également récompensé en la personne de Norma Winstone, récipiendaire cette année du Prix du Jazz Vocal. Lorsqu'André Francis lui remit son prix, Arild découvrit qu'André était la voix qui naguère présentait les concerts du Festival d’Antibes, la voix qui intoduit le Miles Davis Quintet dans l'album "Miles Davis in Europe". Très ému, il improvisa à la contrebasse sur l’un de ses morceaux.
Présente elle aussi, Norma reçut son prix des mains de MC Solaar et nous chanta What’s New, Enrico Pieranunzi l’accompagnant au piano. Ce dernier se vit remettre le Prix du Meilleur Inédit pour  “Yellow & Blue“, enregistré à Lausanne en 1990 avec Marc Johnson à la contrebasse. Immense pianiste, Enrico joua magnifiquement la première pièce de l’album, Je ne sais quoi, puis avec Jean-François Zygel, nous offrit une improvisation acrobatique à quatre mains.
Hervé Sellin et son (presque) tentet nous joua un extrait de “Marciac - New York express“, meilleur disque enregistré par un musicien français. Invité surprise, Alain Goraguer lui remit son prix avant d’interpréter en quartette le thème du film “J’irai cracher sur vos tombes“ adapté du livre de Boris Vian. Xavier Cherrier du groupe Chanson plus bifluorée lut un texte de ce dernier et Nicole Bertold, animatrice infatigable de la fond’action Vian, nous parla de Boris dont on célèbre cette année le cinquantième anniversaire de la disparition.
Absents, Daniel Humair, Joachim Kühn et Tony Malaby ne purent se partager le Grand Prix de l’Académie du Jazz pour “Full Contact“, une production du label Bee Jazz. En Afrique du Sud, le batteur avait envoyé une bande-son dans laquelle, au sein même du fameux parc Kruger, il remerciait l’Académie. Mohamed Gastli de Bee Jazz se vit confier le précieux trophée.
L’événement tant attendu de cette soirée inoubliable fut bien sûr l’attribution du Prix Django Reinhardt. Cinq finalistes et deux lauréats ex-aequo, Médéric Collignon et Géraldine Laurent, un troisième et dernier tour de scrutin académique n’ayant pu les départager. Accompagnés par la contrebasse de Bruno Rousselet et la batterie de Karl Jannuska, Médéric à la trompette de poche et Géraldine au saxophone alto soufflèrent quelques notes brûlantes autour d’Art Deco, un thème de Don Cherry. Assoiffés par deux heures d’émotion, les invités prirent les bars d’assaut. La fête ne faisait que commencer.

De gauche à droite et de bas en haut sur les photos: François Lacharme - Arild Andersen à la contrebasse - Norma Winstone reçevant son prix - Enrico Pieranunzi au piano - Alain Goraguer - Médéric Collignon et Géraldine Laurent lauréats du Prix Django Reinhardt.


Pas de fête sans l'infatigable Marcel Zanini. Jean-Louis Chautemps tient également une forme éblouissante.


François Lacharme, un président content en compagnie de Jean-François Zygel. A gauche, la charmante Lou Mollgaard, attachée de presse des éditions Taschen, discute avec Joaquim Paulo, auteur de "Jazz Covers" livre primé par l'Académie.


Glenn Ferris et Enrico Pieranunzi échangent quelques verres. Guillaume de Chassy sans Daniel Yvinec. Ils sortent prochainement un album ensemble. A droite, Hervé Sellin pense déjà à son prochain disque et à un autre prix.

Toujours Jean-Louis Chautemps qui aime bien mes photos. A ses côtés Franck Bergerot, rédacteur en chef de Jazz Magazine, Glenn Ferris sans verre ni trombone et Laurent de Wilde, Prix Django Reinhardt de l'Académie du Jazz en 1993. Chautemps l'a obtenu en 1965. Heureux et amoureux, Médéric Collignon, Prix Django Reinhardt 2008, embrasse Céline sur la photo de droite.

N'oublions pas Emmanuel Fouquet, infatigable barman patenté, présentant les excellents vins du Gard qu'il sert et ressert sans se tromper ni les couper. Le rouge, Arpège, une cuvée de 2006, possède un arôme de sous-bois. De nombreux fruits rouges le parfume. Chorus, un blanc de noir fruité de 2007, se boit divinement bien en apéritif. Le vigneron propriétaire, Philippe Briday, possède le domaine Combe de la Belle http://www.combedelabelle.com On l'applaudit des deux mains.

Prix Django Reinhardt (musicien français de l’année) : Médéric Collignon & Géraldine Laurent.
Grand Prix de l’Académie du Jazz (meilleur disque de l’année) : Daniel Humair, Joachim Kühn, Tony Malaby « Full Contact » (Bee Jazz / Abeille Musique).
Prix du Disque Français (meilleur disque enregistré par un musicien français) : Hervé Sellin tentet « Marciac – New York express » (Cristal / Abeille Musique).
Prix du Musicien Européen (récompensé pour son œuvre ou son actualité récente) : Arild Andersen.
Prix de la Meilleure Réédition ou du Meilleur Inédit privilégiant un Travail Editorial Exceptionnel : Enrico Pieranunzi, Marc Johnson « Yellow & Blue Suites » (Challenge / Intégral Distribution).
Prix du Jazz Classique : Harry Allen « Hits by Brits » (Challenge / Intégral Distribution).
Prix du Jazz Vocal : Norma Winstone « Distances » (ECM/Universal).
Prix Soul : David Sanborn « Here & Gone » (Decca / Universal).
Prix Blues : Big James  « Thank God I Got the Blues » (Jamot Music / www.bigjames.com).
Prix du livre de Jazz : Joaquim Paulo « Jazz Covers » (Taschen).

Photos ©Pierre de Chocqueuse