blog de Choc

-“Convergence” est le troisième opus que Warren Wolf enregistre pour Mack Avenue. Christian McBride qui l’a coproduit joue dans presque tous les titres. King of Two Fives, un duo avec le vibraphoniste, met tout particulièrement en valeur son jeu de contrebasse aussi précis que mélodique. Sa walking bass fait merveille dans Tergiversation, une des quatre plages en trio de l’album, une composition de Gene Perla, un autre bassiste, qui révèle la technique éblouissante de Wolf, musicien de haut vol, tant au vibraphone qu’au marimba qui occupe une place de choix dans ce disque. Si les plages en trio avec McBride et Jeff « Tain » Watts à la batterie y sont les plus nombreuses, “Convergence” offre de nombreuses combinaisons instrumentales grâce à deux invités prestigieux, Brad Mehldau et John Scofield. De bonnes factures, les morceaux en quintette ne sont pas les plus intéressants mais Havoc contient de passionnants échanges guitare / vibraphone et les chorus de Scofield et de Wolf sauvent de l’ordinaire le funky Soul Sister. Intégré à la rythmique, Mehldau n’y fait que passer. Il se réserve Four Stars From Heaven, la plus longue plage du disque et au sein d’une rythmique ouverte (le drive étonnement libre de Watts) parvient facilement à adapter son jeu de piano à une autre musique que la sienne. Dans l’énergique Cell Phone, Mehldau et Wolf s’offrent chacun un solo, ce dernier au marimba soulevant l’enthousiasme. Composé par Dave Samuels, New Beginning, un duo piano / vibraphone, s’inscrit dans la tradition du blues, le jazz moderne pratiqué par Wolf restant profondément ancré dans le canal historique qui le vit naître et grandir. Les chaudes racines africaines de sa musique ressortent bien plus encore lorsque Wolf qui, outre du vibraphone, joue également du piano et du Fender Rhodes, adopte le marimba comme instrument principal. Il le devient dans Montara de Bobby Hutcherson (en trio), A Prayer for the Christian Man (deux des grandes réussites de cet album), et dans une splendide version de Stardust en solo couplé avec la célèbre Valse Minute (The Minute Waltz) de Frédéric Chopin.

Christophe Panzani n’est pas l’homme d’une seule formation. Multi-instrumentiste – il pratique également le soprano, la flûte et la clarinette basse –, il est Avec Andy Sheppard l’un des deux saxophonistes ténor que l’on peut entendre dans “Appearing Nightly”, un disque en big band de Carla Bley enregistré au New Morning en 2006. Il joue également dans le quintette du pianiste Florian Pellissier, dans Pasta Project qu’il anime avec l’accordéoniste Vincent Peirani. Avec le pianiste Tony Paeleman, il co-dirige The Watershed, groupe comprenant Pierre Perchaud et le batteur Karl Jannuska. Je ne vais pas détaillé ici les nombreuses activités musicales auxquels se livre le saxophoniste, “Les âmes perdues” que publie Jazz & People, premier label de jazz participatif français que dirige Vincent Bessières, étant la vraie raison de cette chronique. Car Christophe Panzani m’a instantanément séduit par le lyrisme, la volupté de son souffle. C’est qu’il s’exprime en poète, chante avec bonheur la ligne mélodique des musiques qu’il invente. Celles de ce disque, son premier en leader, il les a toutes imaginées pour ses interprètes, des musiciens amis, sept pianistes chez lesquels il s’est rendu, parcourant la France (Paris, Tours, Poitiers) et l’Allemagne (Cologne) avec son matériel d’enregistrement, ses micros et son saxophone ténor.

L’aidant dans cette tâche, Tony Paeleman a enregistré ses duos avec Edouard Ferlet et Dan Tepfer, se chargeant également de la prise de son d’Étrangement calme, morceau que Christophe lui a attribué et dans lequel il se contente d’assurer un long ostinato, de rythmer le chant suave et ensorcelant du ténor. Le piano occupe également une place modeste dans Le rêve d’Icare. Loin de toute exhibition, Yonathan Avishai y pose les accords graves et sombres sur lesquels se développe le chant mélancolique de Christophe. Confié à Edouard Ferlet et Dan Tepfer (respectivement dans Sisyphe et Le Jardin aux sentiers qui bifurquent), l’instrument dialogue et révèle ses possibilités harmoniques, Dan offrant même un contrepoint virtuose aux notes diaphanes que murmure le ténor. Vouloir comparer les jeux respectifs de nos sept pianistes reste toutefois parfaitement inutile. Chacun apporte sa sensibilité, sa musicalité, son toucher, et joue sur son propre piano ce qui donne un éclairage spécifique à chaque morceau. Leonardo Montana surprend par la vivacité de son discours. Je découvre Laia Genc, une pianiste allemande dont je ne sais rien de la musique. Ses harmonies riches et colorées semblent particulièrement inspirer les tendres rêveries du saxophone. J’ignorais que Guillaume Poncelet, le trompette de l’ONJ de Daniel Yvinec jouait du piano de manière aussi délicate. Christophe lui a réservé Traduire Eschyle et sa mélodie est un autre grand moment de pur bonheur. Ils sont nombreux, s’enchaînent, s’additionnent. 43 minutes de musique au total, le timing parfait d’un disque qui interpelle aussi par son visuel, un étonnant portrait de Christophe Panzani par le dessinateur Ludovic Debeurme.

Comme son titre l’indique, ce disque contient des blues et des ballades. Brad les joue avec une sensibilité énorme, ajoute des harmonies raffinées aux intervalles diminués qui constituent la spécificité du blues. Ce ne sont plus ceux des temps difficiles que les Noirs chantaient dans les plantations du Sud. La tristesse qu’ils véhiculaient s’est perdue, comme son histoire aujourd'hui trop oubliée. Composé par Buddy Johnson en 1945 et popularisé par son orchestre (sa sœur Ella en était la chanteuse), Since I Fell for You résume bien la démarche artistique du pianiste qui aère constamment son discours, trouve des harmonies adéquates pour chaque mélodie et privilégie la beauté de la note. Les tempos sont lents. La contrebasse de Larry Grenadier assure un discret contrepoint mélodique. La batterie de Jeff Ballard donne relief et souplesse à de longues phrases que Brad étire, improvise à partir des thèmes qu’il reprend.

Des standards dont une version de I Concentrate on You (Cole Porter) teintée de samba, Cheryl de Charlie Parker abordé énergiquement sur tempo medium, deux morceaux de Paul McCartney, And I Love Her qu’il écrivit en 1964 lorsqu’il était l’un des Beatles, étant le plus célèbre, constituent le répertoire de l’album. Brad Mehldau les joue avec une infinie tendresse avant de les confronter à son propre langage, à son jeu ambidextre qui lui permet de jouer simultanément plusieurs thèmes, de converser avec lui-même, de répondre par des basses puissantes au questionnement mélodique de sa main droite. La section rythmique préfère alors se taire, écouter un piano inventif et porteur d’émotion. Pendant trois bonnes minutes, il est seul à réinventer These Foolish Things (Remind Me of You), à nous en offrir une version aussi dépouillée que subtile. Il fait de même dans My Valentine, un morceau de Paul McCartney que contient “Kisses on the Bottom” publié en 2012. Dans la version originale arrangée par Alan Broadbent, naguère le pianiste du défunt Quartet West, le solo est confié à la guitare acoustique d’Eric Clapton. Ici, Brad reprend la mélodie en solo, la passe au prisme de ses propres harmonies avant de la retremper en trio dans le blues. And I Love Her est l’un des sommets de l’album. Ce n’est pas la première fois que le pianiste nous propose cette chanson que Paul composa pour le film “A Hard Day’s Night”. Le coffret “10 Years Solo Live”, en contient une version en solo. Avec Grenadier et Ballard, il ne s’éloigne jamais du thème lorsqu’il improvise, mais la qualité de ses voicings, ses phrases qui ondulent comme des vagues, son élégant balancement rythmique, soulèvent l’enthousiasme. Le pianiste peut aussi adopter un jeu beaucoup plus simple. Dans Little Person, une chanson que Jon Brion, composa pour le film “Synecdoche, New York”, il joue la mélodie, l’effleure avec délicatesse et respect. Car c’est un Brad Mehldau serein et inspiré qui s’exprime tout au long de ce disque. Ses phrases chantantes, les belles couleurs harmoniques qu’il pose sur de grandes mélodies procurent beaucoup de joie.

Flûtiste de formation, Clotilde Rullaud se décida tardivement à chanter. Sarah Lazarus l’initia au jazz vocal, lui apprit à improviser. Clotilde étudia aussi le chant classique et, renseignée par la chanteuse ethno musicologue Martina Catella, s’intéressa aux différentes techniques de chant existantes de part le monde. Elle avait publié un premier disque avec le guitariste Hugo Lippi lorsque Olivier Hutman me la présenta en 2008, l’année de la parution d’“In Extremis”, son second album, un opus plus ambitieux réalisé avec des musiciens talentueux – Olivier au piano, Dano Haider à la guitare, Antoine Paganotti à la batterie. Inclassable, ouvert à toutes sortes de musiques, à l’Afrique comme à l’Amérique du Sud, à la musique française, La noyée de Serge Gainsbourg se retrouvant au même programme que le Pie Jesus de Maurice Duruflé, “In Extremis” me déconcerta malgré la voix originale de Clotilde, son feeling, son groove, son franc sourire et sa franchise que j’apprécie.

Après de solides études de piano classique, Alexandre Saada passa à d’autres musiques, intégra un groupe de rock pour y jouer de l’orgue, se consacra au jazz, aux musiques improvisées, prolongeant sa formation auprès de Daniel Goyone, de Michel Petrucciani. Je fis sa connaissance chez Paris Jazz Corner, le disquaire de la rue de Navarre. Il me remit son premier disque, une autoproduction intitulée “Eveil” enregistré en trio dans les années 2000. Un opus fait à la va vite, un peu bancal mais plein de bonnes idées, la découverte d’un piano sensible aux harmonies riches, aux notes bien choisies. Après “Panic Circus”, un intermède coloré, recueil de chansons pop passées à la moulinette d’un jazz électrique, Alexandre m’impressionna par ses albums solo, recueils de miniatures aux notes économes, aux harmonies travaillées intégrant avec bonheur le silence à la musique. Des disques évoquant des paysages brumeux de petit matin, mais aussi des figures amis dans “Portraits”, le dernier de ses trois opus en solo. “Present”, un disque improvisé de 2009 dans lequel il renoue avec ses racines classiques, et “Continuation to the End”, quatorze photographies sonores d’instants mémorisés enregistrés chez lui sur son propre piano, témoignent de la profondeur de son univers poétique.

Se connaissant depuis longtemps, Clotilde et Alexandre se sont rapprochés à l’occasion d’une tournée en Asie. Se découvrant des goûts communs pour la poésie, ils ont décidé de s’associer pour partager leur commune approche minimaliste de la musique. Une invitation du Melbourne Recital Center (Australie) les incita à repenser l’American Songbook, à lui donner une dimension politique plus engagée. Ce travail est aujourd’hui un disque, leur premier qu’ils publient sous leurs prénoms d’emprunts : Madeleine et Salomon.

Hommage à des chanteuses militantes qui affirmèrent leur féminité et surent porter un regard personnel sur la société dans laquelle elles vivaient, “A Woman’s Journey” s’ouvre sur une composition de Nina Simone chantée à capella. Les paroles sont celles d’un poème très célèbre de William Waring Cuney (1906-1976). Clotilde, une mezzo, la chante dans le registre grave, sa voix se rapprochant ainsi de celle de Nina, une voix de contralto, Images (il manque le s, les images du poème étant plurielles) acquérant ici la dimension mystique d’un chant religieux. La voix de Clotilde reste grave dans une magnifique version de All the Pretty (Little) Horses (le Little de la chanson a ici disparu), une berceuse que tous les américains connaissent, mais qu’un piano inspiré enrichit ici de mémorables couleurs harmoniques. De Nina Simone, le duo reprend aussi Four Women, un des morceaux le plus poignant de son répertoire. Introduit à la flûte par Clotilde qui le chante avec autant d’émotion que de conviction, il contient un bref passage onirique, une rêverie pianistique de l’imprévisible Alexandre qui en pose sobrement les accords. De Strange Fruit, une chanson courageuse pour l’époque (1939), qui colla à la peau noire de Billie Holiday, Clotilde, bénéficiant des accords lumineux du piano, en donne une version dépouillée, murmurée comme si on cherchait à bâillonner la chanteuse, comme si le poème de Lewis Allen (alias Abel Meeropol) continuait à déranger l’Amérique bien pensante. Plus loin, Save the Children, un extrait de “What’s Going On”, le chef-d’œuvre de Marvin Gaye, fait entendre un arrangement inattendu, le re-recording permettant de multiplier flûtes et pianos, de créer plusieurs voix. Elles sont ainsi plusieurs à chanter Les Fleurs, morceau popularisé par le pianiste Ramsey Lewis en 1968 et que Minnie Ripperton reprit deux ans plus tard dans “Come to My Garden”, son premier disque.

Car loin de reprendre que des titres célèbres, Madeleine & Salomon puisent leur matériel thématique dans un vaste répertoire. L’amateur de jazz connaît Little Girl Blue, une chanson de 1935 co-signée Richard Rogers (pour la musique) et Lorenz Hart (pour les paroles), un standard bénéficiant ici de la riche palette harmonique dont dispose Alexandre. Janis Joplin la chanta. Mais, de cette dernière, l’amateur de jazz point trop curieux a-t-il déjà entendu Mercedes Benz ? Swallow Song de Mimi et Richard Farina lui est-il familier ? La sœur de Joan Baez et son mari l’enregistrèrent en 1965 dans “Reflections in a Crystal Wind”, leur second album et la cadence soutenue que lui donne le piano, celle d’une chevauchée fantasque et fantastique, est ici renversante.

Élargi à la soul et à la folk music, le répertoire de ce disque (qui contient aussi At Seventeen, une chanson de Janis Ian particulièrement cruelle et désabusée), provoque la surprise. J’écoute pour la première fois No Government, un protest song de Philip Anthony Johnson qu’interpréta Nicolette Suwoton, une chanteuse d’origine nigériane née à Glasgow et installée à Londres. Je découvre également High School Drag, un poème « beat » sur la guerre froide écrit par Mel Welles, un obscur scénariste de Série B. L’actrice Phillipa Fallon le récite dans le film “High School Confidential” (1958). Ces deux morceaux, Madeleine & Salomon les entremêlent, n’en font qu’un, les paroles de High School Drag semblant sortir d’un mégaphone. Alexandre les rythme avec un piano préparé qui rend ses notes métalliques. Le duo tire également de l’oubli The End of Silence d’Elaine Brown, membre actif du Black Panther Party qui en chanta son hymne. Embellie par les harmonies du piano, la voix d’abord lointaine et récitante, se fait puissante comme celle d’une afro-américaine adressant une prière à l’église.

Dans tous ces morceaux, Alexandre Saada, assure un piano aussi délicat que minimaliste, juste ce qu’il faut pour valoriser la voix, embrasser ses murmures. Nonchalamment, son piano tranquille émerveille. Le souffle, l’âme passent au premier plan dans ce disque artisanal et surnaturel qui baigne dans une atmosphère envoûtante. Vous faites partie de moi (I’ve Got You Under my Skin de Cole Porter adapté en français par Joséphine Baker) est même volontairement fragile. Une voix sensible la porte et nous offre son cœur.

Été 2014 : artiste en résidence au Danemark, le pianiste Aaron Parks rencontre le bassiste Thomas Fonnesbæk et le batteur Karsten Bagge. Le peu de temps qu’ils passent ensemble leur permet de se découvrir une même sensibilité artistique. Pour la partager, une séance d’enregistrement est organisée à Vanløsse, l’un des quartiers de Copenhague, une seule journée de studio qui fait naître les dix morceaux que contient cet album. Des compositions des trois musiciens, quelques standards, une version inattendue de I’m on Fire, un thème de Bruce Springsteen, et une improvisation collective très travaillée en constituent le répertoire. Né en 1983, Aaron Parks a fait ses classes auprès du trompettiste Terence Blanchard. Quatre albums confidentiels aujourd’hui recherchés, un enregistrement pour Blue Note, un autre en solo pour ECM constituent l’essentiel de sa discographie. Il est aussi le pianiste de James Farm, quartette au sein duquel le saxophoniste Joshua Redman officie (deux albums publiés à ce jour). Très demandé en studio, digne successeur de Niels-Henning Ørsted Pedersen (NHOP) et de Jesper Lundgaard, deux musiciens danois qui ont beaucoup servi l’instrument, Thomas Fonnesbæk force l’admiration dans le dernier disque de sa compatriote, la chanteuse Sinne Eeg, un duo voix / contrebasse qui compte parmi les grandes réussites du genre. Possédant une fermeté d’attaque impressionnante, une sonorité ample et puissante, Fonnesbæk apporte une seconde voix mélodique à la musique. Moins connu, mais rythmant à l’occasion les efforts d’un trio réunissant Kevin Hayes au piano et Scott Colley à la contrebasse, Karsten Bagge impose son jeu foisonnant, sa puissance de feu percussive. Arbitré par sa batterie, les chorus se succèdent, s’entremêlent, la contrebasse, très présente, enrichissant de commentaires pertinents le discours inspiré du piano. Le modèle est bien sûr Brad Mehldau qui fait suivre ses mélodies de variations inattendues, de plongées vertigineuses dans l’inconnu. Sans prendre les mêmes risques, Parks soigne la mise en couleurs de ses morceaux, développe de surprenantes lignes mélodiques, des voicings élégants. Nous sommes le 12 août 2014 à Copenhague, et Tit Er Jeg Glad, une page romantique de Carl August Nielsen, le plus célèbre compositeur danois, donne naissance à un des grands moments de l’album, sa plage la plus chantante. J’ajoute pour vous convaincre que le trio revisite avec talent Bolivia de Cedar Walton et que, cerise sur le gâteau, You and the Night and the Music, standard si fréquemment repris, se refait une jeunesse. Ce disque intelligent contient son poids de bonne musique. À vous maintenant d’en profiter.

Invité l’an dernier à enregistrer un album pour fêter le centenaire de la naissance de Billie Holiday, le saxophoniste Scott Hamilton eut la bonne idée de demander à Karin Krog de joindre sa voix au projet. Une idée risquée au regard des derniers disques, peu convaincants, de la chanteuse norvégienne qui, dans un répertoire attractif adaptée à sa voix chaleureuse, déploie ici technique et métier. Karin Krog n’est pas seule à nous étonner. Pianiste surestimé, Jan Lundgren pratique ici un jeu sobre, élégant, qui sert constamment la musique, notamment dans l’instrumental We Will Be Together Again, une des ballades préférées de la chanteuse. Il est seul à l’accompagner dans How Am I To Know, une chanson de 1929 associée à Billie Holiday, mais aussi à Ava Gardner et Rosemary Clooney. Pris sur un tempo plutôt rapide, The Best Things in Life, une des rares pièces de l’American Songbook que Scott Hamilton n’avait jamais interprété, ouvre le disque. Une section rythmique irréprochable – Hans Backenroth à la contrebasse et Kristian Leth à la batterie – encadre la voix. Le saxophone ténor assure les obbligatos avant de souffler les notes en apesanteur de son chorus, de faire chanter son instrument. Sa sonorité ample et chaleureuse fait merveille dans les ballades de l’album, We Will Be Together Again déjà cité et I Must Have That Man que Billie Holiday popularisa. Karin Krog les chante avec assurance et justesse. Elle pratique l’art de la vocalese qui consiste à chanter des solos de musiciens sur lesquels ont été placées des paroles. Des improvisations de Stan Getz et de Lars Gullin dans Don’t Get Scared se prêtent ainsi au timbre de sa voix espiègle et séduisante. Elle fait de même dans Sometimes I’m Happy, reprenant avec des mots le chorus de contrebasse que s’offre Slam Stewart dans une ancienne version de ce morceau, un chorus à l’archet que Hans Backenroth, un fan de Stewart, joue fidèlement à ses côtés. De facture classique, la musique de ce disque n’est certes pas nouvelle, mais le bonheur qu’éprouvent ses interprètes à la jouer et le swing réjouissant qu’ils insufflent à leurs morceaux, la rendent très séduisante.