blog de Choc

Fils d’un professeur de philosophie et grand lecteur, le pianiste Sébastien Lovato signe avec “Music Boox Vol. 2” un nouvel album enchanteur. La lecture d’une description de Carthage dans “Salammbô” fut à l’origine d'un premier “Music Boox” en 2010. Le pianiste puise aussi son inspiration dans “Don Quichotte”, “Le Maître et Marguerite”, “L’Intrus”, “À Rebours”, “Dalva”, des chefs-d’œuvre dont le rythme des phrases, la musicalité des mots donnent naissance aux mélodies que Sébastien invente, arrange et met en forme. “Music Boox Vol.2” est également le fruit de ses lectures. Les auteurs aimés sont ici Franz Kafka, Marguerite Yourcenar, James Baldwin, Erri De Luca, Pierre Michon. Leurs livres inspirent un jazz fluide ancré dans la tradition du bop et du groove, une musique très structurée dont les belles couleurs se voient portées par une grande diversité de rythmes. Autour de Sébastien, au piano mais aussi au Fender Rhodes et à l’orgue Hammond, excellent à nouveau Marc Buronfosse à la contrebasse et Karl Jannuska à la batterie, déjà présents dans le premier “Music Boox”. Alexandra Grimal complétait le quartette aux saxophones. Elle cède sa place à Sébastien Texier qui, à l’alto ou à la clarinette, approche différemment la musique, lui donne du poids, de l’ampleur, tout en gardant intact son lyrisme. Le swing est au rendez-vous dès Montedidio, la première plage. Une rythmique très présente encadre une mélodie nostalgique. Sébastien Lovato réinvente Naples sous le soleil tiède de novembre. La clarinette de Sébastien Texier en traduit la douceur. Ragondins s’ancre davantage dans le bop. L’alto chante. Complice, le piano reprend le thème au vol, lui donne des ailes. Kafka oblige, Le Château est bien sûr un morceau plus grave. Marc Buronfosse l’introduit par un chorus de contrebasse avant de tenir un tempo immuable sur lequel se greffent d’autres improvisations. Au piano, Sébastien percute ses notes, introduit des accords sombres et dissonants, se révèle une fois encore un compositeur habile et inspiré. Écoutez Hadrian’s Dream, le dialogue piano clarinette qui l’introduit, le développement modal qui s’ensuit : la pureté d’un chant très simple ouvre la porte des rêves. “Music Boox” contenait une relecture inattendue de I Shot the Sheriff de Bob Marley. “Music Boox Vol. 2” renferme une version en trio de Little Wing (Jimi Hendrix) que Sébastien confie à son piano électrique, et un arrangement réjouissant d’Another Brick in the Wall, célèbre morceau de Roger Waters (Pink Floyd) qui, habilement jazzifié, conserve sa mélodie et garde intact son pouvoir attractif.

Après un album déconcertant avec des cordes entremêlées d’électronique, Vijay Iyer retrouve le trio qui l’accompagne depuis plus de onze ans. Stephen Crump (contrebasse) et Marcus Gilmore (batterie) lui ont déjà permis d’explorer de nombreux territoires sonores, de défricher d’autres métriques. Les réussites n’ont pas manqué, le novateur “Historicity” (2009) gardant ma préférence. Plus accessible, “Break Stuff” reste tout aussi surprenant. On est d’emblée déconcerté par la simplicité de Starlings qui ouvre le disque, mais aussi par Wrens qui renferme l’album. De même que Geese, ces pièces proviennent d’“Open City”, une collaboration entre Iyer et le romancier nigérien Teju Cole, une suite musicale consacrée aux oiseaux de New York. Réduction d’un travail conçu pour grand ensemble, ces morceaux très aérés laissent beaucoup d’espace au soliste. La section rythmique n’en reste pas moins active. On perçoit mieux son travail dans ces pièces lentes que teintent de belles couleurs harmoniques. Sur tempo rapide, le piano enregistré (ou mixé) trop en avant masque un peu la contrebasse et le jeu du batteur. Ce dernier parvient à rythmer les morceaux les plus complexes. Hommage au producteur et DJ Robert Hood figure culte de la scène techno de Detroit, Hood décoiffe par ses métriques impossibles et qui pourtant fonctionnent. J’ose dire que Marcus Gilmore est un as, sans doute le plus grand batteur de sa génération. Il semble ignorer les difficultés que pose Mystery Woman et son rythme de mridangam (tambour à deux faces de forme oblongue), une pièce s’inscrivant dans la tradition de la musique carnatique de l’Inde du Sud et qui fait partie d’une autre suite que le trio créa au Museum of Modern Art de New York. S’il introduit un rythme de reggae inattendu dans Taking Flight, la grande influence de Gilmore reste toutefois Brice Wassy, un batteur camerounais qui joua beaucoup avec Manu Dibango et fut le directeur musical de l’orchestre de Salif Keita. Des rythmes de l’Afrique de l’Ouest enrichissent une relecture fiévreuse de Countdown, un classique de John Coltrane. Le pianiste s’offre de longs voicings aux notes dissonantes, organise et transforme le morceau en lui donnant un autre groove. Il respecte bien davantage la musique de Thelonious Monk dans sa reprise étonnamment fidèle de Work, un des thèmes le plus étrange du pianiste. Dans ses disques, Vijay Iyer convoque ses modèles, et renouvèle son attachement à la tradition du jazz en réinventant Bud Powell, Cecil Taylor, Andrew Hill, Herbie Nichols et Duke Ellington. Outre des compositions de Monk et de Coltrane, “Break Stuff” contient Blood Count de Billy Strayhorn qu’il interprète en solo. Le musicien rigoureux se laisse aller à l’émotion, aère son jeu, semble écouter ses notes, comme s’il cherchait son inspiration au cœur même du piano.

-Ambrose AKINMUSIRE : “The Imagined Savior Is Far Easier to Paint” (Blue Note / Universal).

Chronique dans le blog de Choc le 28 avril.

Plus abouti que les deux disques précédents du trompettiste, “The Imagined Savior Is Far Easier to Paint” (78 minutes de musique) témoigne du renouveau du jazz afro-américain. Dans The Beauty of Dissolving Portraits qui fait appel à un quatuor à cordes, Ambrose Akinmusire souffle de longues notes tenues. Ces mêmes cordes habillent Our Basement, morceau que chante magnifiquement Becca Stevens sur un accompagnement de pizzicatos discrets. Dans Ceaseless Inexhaustible Child, la trompette offre un écrin velouté à la voix de Cold Speaks. Arrangé et chanté par Theo Bleckmann, Asiam (Joan) est aussi une réussite. Sans posséder le même pouvoir de séduction, les autres pièces, instrumentales, fascinent par leur complexité rythmique. Musicien exigeant, Akinmusire confirme ici de multiples talents.

-Franck AMSALLEM : “Sings Vol.II” (Fram Music Productions).

Chronique dans le blog de Choc le 19 septembre.

Enregistré en trio avec Sylvain Romano à la contrebasse et Karl Jannuska à la batterie, “Sings Vol. II” est plus réussi que “Amsallem Sings”, disque dans lequel Franck Amsallem chante et s’accompagne au piano. Franck connaît bien ces mélodies, les admire, en conserve la mémoire. Il les porte en lui depuis longtemps et en donne des versions sincères dans lesquelles il met beaucoup de lui-même. Phrasant comme un instrumentiste, le chanteur - pianiste interprète avec naturel et émotion des standards célèbres et des mélodies un peu oubliées ajoutant Paris Remains in my Heart, une de ses compositions, à cet opus. Il s’ouvre sur une magnifique version de Never Will I Marry, une chanson de Frank Loesser, se referme sur Two For the Road, un thème d’Henry Mancini, et nous offre cinquante-sept minutes de bonheur.

-Ran BLAKE : “Cocktails at Dusk” (Impulse ! / Universal).

Chronique dans le blog de Choc le 18 novembre.

Sous titré “A Noir Tribute to Chris Connor” et produit par Jean-Philippe Allard (Universal), “Cocktails at Dusk” rassemble quelques thèmes du répertoire de la chanteuse. Des morceaux de Cole Porter (I Get a Kick of You), Rodgers & Hart (Why Can’t I), Lerner & Loewe (Almost Like Being in Love) que Ran Blake harmonise avec des notes aussi parcimonieuses qu’inattendues, des dissonances, de sombres accords, le pianiste affectionnant les graves du clavier. Publié sur le prestigieux label Impulse! aujourd’hui réactivé, ce disque n’est qu’en partie enregistré en solo. Ricky Ford qui fut son élève dialogue avec lui à deux reprises au saxophone ténor. Présente dans quatre morceaux, Laika Fatien rend leurs mélodies surnaturelles. Elle n’a peut-être jamais été si convaincante. Blake qui excelle à accompagner des chanteuses la met en confiance, son noir piano accentuant la sensualité de sa voix.

-Stefano BOLLANI : “Joy In Spite of Everything” (ECM / Universal).

Chronique dans le blog de Choc le 13 octobre.

Le titre qui donne son titre à l’album et Alobar e Kudra, pièce dans laquelle Stefano Bollani, plein de ressources, révèle une technique et une sensibilité impressionnante, sont enregistrés en trio avec Jesper Bodilsen (contrebasse) et Morten Lund (batterie), la meilleure rythmique danoise. L’instrumentation diffère dans les autres morceaux. Teddy est un duo piano / guitare. Confié à Bill Frisell, l’instrument est également présent dans Ismene, une plage en quartette. Las Hortensias, une ballade mélancolique, profite au saxophone de Mark Turner. Frisell et lui tiennent une place importante dans les trois longues plages en quintette de cette séance new-yorkaise : Easy Healing, un calypso d’une grande finesse mélodique ; Vale qui séduit par ses notes inquiétantes, sa lente progression harmonique, et No Pope No Party, un thème relevant du bop dans lequel, au ténor, Turner se montre très inspiré.

-Kris BOWERS : “Heroes + Misfits” (Concord / Universal).

Chronique dans le blog de Choc le 17 mars.

Arrangé avec soin, cet album, le premier que Kris Bowers enregistre sous son nom, fourmille de bonnes idées, de mélodies attachantes. Avec une équipe réduite, le re-recording permettant de doubler les voix de Chris Turner, José James et Julia Easterlin, les saxophones de Casey Benjamin et Kenneth Whalum, le pianiste trempe sa musique dans la soul et le hip hop et parvient à créer une bande-son aux climats variés et inattendus. Portées par une section rythmique qu’assurent Burniss Earl Travis II à la basse électrique et Jamire Williams à la batterie, ses compositions à tiroirs superposent les mélodies, changent fréquemment de rythmes et d’orchestrations et provoquent la surprise. Piano acoustique, Fender Rhodes, synthétiseurs, la guitare électrique d’Adam Agati branchée sur des pédales d’effets offrent une large palette de couleurs à un disque que Bowers recommande d’écouter fort. Le choc en est d’autant plus grand.

-André CECCARELLI / Jean-Michel PILC / Thomas BRAMERIE : “Twenty” (Bonsaï Music / Harmonia Mundi).

Chronique dans Jazz Magazine / Jazzman n°659 - mars (Choc)

“Twenty” scelle les 20 ans d’amitié de trois musiciens complices qui prennent un malin plaisir à désosser des standards pour les remettre à neuf. Jouant un piano ouvert au sein duquel clusters et dissonances tendent la main à des notes, à des accords qui font rêver, Jean-Michel Pilc assure le leadership d’un trio interactif. André Ceccarelli et Thomas Bramerie bousculent et façonnent avec lui un flux sonore mobile et changeant, apportent une tension bienvenue à la musique qui repose sur de vraies mélodies. Bénéficiant de leur exubérance rythmique, Pilc s’amuse, plaque des accords, porte la musique à ébullition. Il peut aussi se montrer lyrique et tendre. En témoignent sa version très lente de Ne me quitte pas, sa belle reprise de L’Auvergnat et ses propres compositions, des ballades sensibles jouées avec émotion.

-Sinne EEG : “Face the Music” (Stunt / UnaVoltaMusic).

Chronique dans le blog de Choc le 19 septembre.

Célèbre au Danemark, Sinne Eeg maîtrise le scat, possède une voix très juste et compose d’excellentes chansons. Enregistré sur trois jours à Copenhague, “Face the Music”, son septième album, est aussi réussi que “Don’t Be So Blue” chroniqué dans ce blog. Accompagnée par Jacob Christoffersen (piano), Morten Ramsbøl (contrebasse) et Moorten Lund (batterie), musiciens que rejoignent quelques invités, elle chante des standards et ses propres morceaux. Son rythme est parfait dans I Draw a Circle qui réserve un chorus de bugle. Crowded Heart, une ballade, bénéficie de son scat, de même que What a Little Moonlight Can Do qui ouvre l’album, la batterie seule rythmant sa voix. La contrebasse de Thomas Fonnesback est parfois seule à accompagner la chanteuse qui affectionne les morceaux de bravoure et ne craint pas prendre des risques.

-Rodney KENDRICK : “The Colors of Rhythm” (Impulse ! / Universal).

Chronique dans le blog de Choc le 13 décembre.

Après un long silence discographique – quatre albums pour Verve entre 1994 et 1997 et quelques rares opus sous son nom –, Rodney Kendrick se rappelle à nous avec ce nouvel enregistrement en trio pour Impulse! Constitué pour moitié de standards, il fait entendre un piano orchestral aux couleurs riches et séduisantes, aux lignes de basse puissantes, Randy Weston et Thelonious Monk étant les principales influences d’un pianiste affectionnant ruptures et dissonances. La pièce maitresse du recueil est une version de Round Midnight qui ne ressemble à aucune autre. Celles d’Honeysuckle Rose, Body & Soul et Caravan sont tout aussi neuves et enthousiasmantes. Marquées par le blues, portées par une section rythmique superlative – Curtis Lundy à la contrebasse et Cindy Blackman à la batterie –, les compositions aux mélodies évidentes du pianiste sont tout aussi passionnantes. Un grand disque inattendu !

-Gilles NATUREL : “Contrapuntic Jazz Band “Act 2” (Space Time / Socadisc).

Chronique dans Jazz Magazine / Jazzman n°666 - octobre (Choc)

Second disque du Contrapuntic Jazz Band qu’anime Gilles Naturel, cet “Act 2” apparaît beaucoup plus fluide, varié et réussi que le premier, davantage inspiré par le jazz West Coast des années 50. Les morceaux qu’il contient offrent une plus large place aux solistes et aux improvisations collectives, le nouveau batteur, Donald Kontomanou, apportant une plus grande liberté rythmique à la musique. Hormis ce remplacement, la formation reste la même avec toutefois la présence du saxophoniste Lenny Popkins dans I Surender Dear. Excellent bassiste, Naturel séduit par l’intelligence de ses compositions et la finesse de ses arrangements. Entre le jazz et la musique contemporaine, Carême à Belleville enthousiasme par sa modernité. Quant aux standards, ils subissent un sérieux lifting, tant The Duke que The Very Thought of You, sans oublier une reprise de Jitterbug Waltz qui n’oublie pas de swinguer.

-Greg REITAN : “Post no Bills” (Sunnyside / Naïve).

Chronique dans le blog de Choc le 21 novembre.

Quatrième album de Greg Reitan pour Sunnyside, “Post no Bills” est probablement son meilleur. Ne nous ayant encore jamais rendu visite, Reitan reste toutefois largement méconnu en France. Travaillant à Los Angeles pour le cinéma et la télévision, influencé par Bill Evans et Keith Jarrett (sa reprise de The Mourning of a Star), il est aussi un pianiste de jazz au toucher fin et délicat, un virtuose qui peut jouer beaucoup de notes, mais préfère les laisser respirer. Le même trio l’accompagne dans tous ses disques. Jack Daro à la contrebasse et Dean Koba à la batterie assurent la section rythmique qui convient à sa musique, du jazz moderne aux belles couleurs harmoniques qui témoigne d’une réelle esthétique. Quelques morceaux sont ici de sa plume mais il préfère reprendre des standards, en proposer des versions nouvelles et raffinées. Mélodiste, il aime faire chanter des notes exquises à son piano. Bien construites, ses improvisations sont des histoires que l’on suit avec beaucoup d’intérêt.

-Marcin WASILEWSKI Trio w/Joakim MILDER : “Spark of Life” (ECM / Universal). Chronique dans Jazz Magazine / Jazzman n°668 – décembre / janvier (Choc)

Quatrième album ECM de Marcin Wasilewski qui invite Joakim Milder à rejoindre Slawomir Kurkiewicz à la contrebasse et Michal Miskiewicz à la batterie, musiciens qui l’entourent depuis 1993. Le nouveau venu, le pianiste l’a découvert sur “Litania”, un disque de Tomasz Stanko consacré à la musique de Krzysztof Komeda. Saxophoniste au son plein et large attaché à la ligne mélodique qu’il nuance, passant de la puissance à une sonorité douce et feutrée, il fait entendre son ténor dans cinq des onze plages de cet album, l’une d’entre-elles étant une nouvelle version de Sleep Safe and Warm, le thème du film “Rosemary’s Baby” composé par Komeda. Outre des originaux de Wasilewski, des mélodies très simples au service d’un jazz souvent modal et impressionniste, ce disque contient des reprises enivrantes de Message in the Bottle, le grand tube du groupe Police, et d’Actual Proof, composition d’Herbie Hancock que jouent les Head Hunters dans leur deuxième album.

-Paul BLEY : “Play Blue” (ECM / Universal).

Chronique dans le blog de Choc le 22 avril.

Paul Bley, 82 ans cette année, se rappelle à nous dans un piano solo enregistré en 2008 à Oslo. Jouer en solo stimule son imagination. Ses doigts parfois le trahissent mais les imperfections de sa musique en font ressortir la poésie. Il aime inventer, improviser, frappe ses notes comme des tambours, les bouscule et les rythme. Le morceau s’intitule Far North et de cette répétition martelée surgit une délicieuse mélodie. Il abandonne le thème, y revient, pose des notes rêveuses et tendres, d’autres plus noires et agressives. L’orage ne dure jamais longtemps. Way Down South Suite en témoigne. Après cinq minutes et vingt secondes de dissonances et d’accords tumultueux le piano chante le blues avec force lyrisme. Pent-Up House de Sonny Rollins conclut le concert : Paul Bley le déconstruit, le réinvente. On se laisse emporter dans un tourbillon de notes qui font perdre la tête.

-Denny ZEITLIN : “Stairway to the Stars” (Sunnyside / Naïve).

Chronique dans le blog de Choc le 20 octobre.

La longue carrière de Denny Zeitlin est jalonnée de disques que tout amateur de jazz se doit de posséder. Enregistré en 2001 au Jazz Bakery, un club de Culver City, “Stairway to the Stars” s’ajoute à cette liste. Cette année-là, le pianiste, 63 ans, effectua une tournée sur la Côte Ouest des Etats-Unis avec Buster Williams à la contrebasse et Matt Wilson à la batterie. C’est donc en trio, que ce concert a été enregistré. Si Out of a Stroll, un blues en mineur, sa seule contribution au répertoire, balance diablement bien, Zeitlin préfère reprendre des standards, harmoniser à sa façon des vieux thèmes des années 30 (I’ll Take Romance, Spring Is Here) et 40 (You Don’t Know What Love Is, There Will Never Be Another You), se promener avec ses musiciens dans des thèmes qui les inspirent pour nous en livrer des versions élégantes et neuves qu’il sait rendre intemporelles.

Je ne savais rien de Jerry Léonide avant qu’un attaché de presse avisé (merci Sébastien) me fasse parvenir cet album, le premier qu’il enregistre en dehors de Maurice, son île natale. Il y est né en 1984 et vit en France depuis 11ans. Enregistré au Studio de Meudon grâce au soutien financier de la Montreux Jazz Artists Foundation, “The Key”, l’une des belles découvertes de cette année qui s’achève, révèle un pianiste virtuose en pleine possession de ses moyens. Loin d’exhiber sa technique, Léonide assure la primauté du discours musical, impose des rythmes et mélodies qu’il porte en lui depuis sa jeunesse. Longue fut la gestation de cet album, voyage au sein de l’africanité de Maurice et qui réunit avec bonheur jazz et séga, la danse traditionnelle de l’île, mais aussi une musique jouée à toutes les fêtes. Musique des esclaves africains conduits à Maurice pour travailler dans les plantations, le séga subit au XIXe l’influence des quadrilles que dansaient les Français et leurs familles. Léonide nous la propose sous une forme moderne et jazzifiée. Confié au mauricien Jhonny Joseph qui apporte une grande variété de rythmes, la batterie remplace ainsi la ravane, tambour taillé dans du bois de goyave et recouvert de peau de chèvre. Un autre mauricien, Gino Chantoiseau, assure brillamment la contrebasse et Linley Marthe, lui aussi originaire de l’île, musicien qui fut l’un des premiers que le pianiste rencontra lorsqu’il arriva à Paris, tient la basse électrique dans Rue de Paris, le disque réunissant de nombreux invités. La formation de base, un quintette, comprend Sylvain Gontard au bugle et Vincent Lê Quang au saxophone soprano. Souvent joués à l’unisson, leurs instruments exposent les thèmes et s’offrent des improvisations qui s’inscrivent dans la tradition du jazz. Près d’eux, le piano ornemente, dialogue, improvise et parvient à placer d’élégants voicings, de chaudes couleurs harmoniques sur des vraies mélodies qui vous trottent dans la tête. Jerry Léonide les fait également chanter par des voix. Fannie Klein assure les chœurs dans Dodo Baba et Black River Road, morceau également confié à la voix chaude et colorée de Woz Kaly, chanteur sénégalais né à Dakar qui renforce l’africanité de la pièce. Ne manquez pas ce disque : un magnifique pianiste porte et révèle un florilège de compositions solaires et inspirées.

« J’ai toujours eu du mal à trouver les mots pour plaider la cause de Chris Connor qui n’est pas populaire. Il est difficile de défendre un artiste peu connu » déclarait il y a quelques mois Ran Blake à Thierry Quenum de Jazz Magazine / Jazzman. Le pianiste a pourtant trouvé le moyen de rendre hommage à la chanteuse par sa musique et les notes de livret de la pochette de son disque. Sous titré “A Noir Tribute to Chris Connor”, il vient de paraître sur le label Impulse ! réactivé grâce à Jean-Philippe Allard d’Universal qui a produit l’album et organisé la séance, invitant Ricky Ford à rejoindre son vieux professeur. Le saxophoniste fut son élève au New England Conservatory de Boston. Il dialogue avec lui à deux reprises, son ténor parvenant sans peine à s’immiscer dans l’univers si particulier de Blake. Ce dernier affectionne les graves du clavier, les dissonances, les films noirs, plaque de sombres accords et laisse le silence habiter sa musique. Il a consacré plusieurs opus à des relectures de musiques de films. Enregistré avec Jeanne Lee en 1961, “The Newest Sound Around” fait toujours sensation. Eleni Odoni, puis plus récemment Sara Serpa et Christine Correa ont travaillé avec le pianiste qui excelle à accompagner des chanteuses. Loin d’enfermer leurs voix, Blake avec peu de notes les met en confiance. Avec lui, elles se donnent, se révèlent. La noirceur du piano accentue leur aspect sensuel, donne du relief, du mystère à leur timbre. Chris Connor et Ran Blake enregistrèrent un titre en 1978, mais Blake joua après elle sa partie de piano, son accompagnement très libre dérangeant la chanteuse. Présente dans quatre morceaux de ce “Cocktails at Dusk”, Laika Fatien s’en est parfaitement accommodée et n’a peut-être jamais été si convaincante et émouvante qu’avec ce piano si singulier. Épousant les mélodies, elle les rend même surnaturelles. Vertigineux Mr. Vertigo, Blake y ajoute de judicieux accords adamantins, des notes aussi parcimonieuses qu’inattendues. Harmonisé à neuf et repensé en profondeur par un pianiste qui ne ressemble à aucun autre, le répertoire de Chris Connor – des standards signés Cole Porter (I Get a Kick of You), Rodgers & Hart (Why Can’t I), Lerner & Loewe (Almost Like Being in Love) –, en sort complètement rénové.