blog de Choc

Enregistré en concert en 2001, “Stairway to the Stars” est bien meilleur que le disque précédent de Denny Zeitlin, le décevant “Both / And” dans lequel il s’amuse avec des machines, des synthétiseurs. Un faux pas pour ce musicien qui, ces dernières années, nous a habitué à de bons albums en solo pour Sunnyside, “Wherever You Are” (2011), étant particulièrement réussi. En 2001, Zeitlin, alors âgé de 63 ans, entreprit une tournée sur la Côte Ouest des Etats-Unis. Comme bassiste, il pensa à Buster Williams avec lequel il avait travaillé en 1998. On lui conseilla également Matt Wilson, un jeune et talentueux batteur. Ainsi constitué, le trio se produisit une première fois sur la scène du San Francisco Jazz Festival, puis donna de nombreux concerts, tant en 2001 que dans les années qui suivirent. Publié en 2009, “In Concert” en réunit des extraits. Il contient The We of Us enregistré, comme les morceaux de ce nouveau disque, au Jazz Bakery, un club de Culver City. Bon compositeur – Quiet now était souvent joué par Bill Evans qui a influencé son piano – le pianiste inscrit ici un seul de ses morceaux à son répertoire, Out of a Stroll, un blues en mineur, qui porté par une contrebasse aérienne, balance diablement bien. Il préfère reprendre des standards, harmoniser à sa façon des vieux thèmes des années 40 (You Don’t Know What Love Is, There Will Never Be Another You). I’ll Take Romance date de 1937 et Spring Is Here, un des grands airs de Richard Rodgers, de 1938. Zeitlin et son gang se promènent avec bonheur dans des thèmes qui les inspirent, en donnent des versions élégantes et neuves. Les bonnes mélodies ne meurent jamais. Autour d’elles la musique se renouvèle en permanence. Friande de glissandos et de triolets, la contrebasse de Williams, dialogue subtilement avec le piano, chante et sonne magnifiquement. Ecoutez-la introduire Deluge, un thème de Wayne Shorter que Zeitlin reprendra en solo en 2008. Visiblement les musiciens prennent un immense plaisir à jouer. On partage avec eux leur bonheur.

Discret, n’aimant guère se mettre en avant, Franck Amsallem fait trop peu parler de lui. Né à Oran, il passa son adolescence à Nice et suivit des cours de piano classique et de saxophone avant de poursuivre ses études aux Etats-Unis, au Berklee College de Boston, puis à la Manhattan School of Music de New York. Il étudia la composition avec Bob Brookmeyer et fit ses classes dans les clubs new-yorkais, apprenant à mettre son piano au service des autres, à servir les mélodies du jazz et leurs interprètes. A 28 ans, il tenta une carrière sous son nom, enregistra avec Gary Peacock, Bill Stewart, Joe Chambers et, avec Riccardo Del Fra et Daniel Humair, réalisa “Years Gone By”, album naguère remarqué par Alain Gerber dans Diapason. Le 12 novembre dernier, au Duc des Lombards, la voix chaude et gourmande de la grande René Marie bénéficiait de la finesse de ses harmonies. Attaché à l’histoire du jazz, à ses standards, à son vocabulaire, le pianiste adore aussi le chant. En 2009, il osait “Amsallem Sings”, disque dans lequel il s’accompagne lui-même au piano. Enregistré en trio, “Sings Vol. II” est infiniment plus réussi. S’exprimant avec naturel, le chanteur ré-harmonise au piano la ligne mélodique des morceaux qu’il reprend. La voix est sobre, jamais maniérée. Comme Bill Carrothers (“Love and Longing” publié l’an dernier), Franck Amsallem phrase comme un instrumentiste. Il connaît et apprécie ces mélodies qu’il admire et réinvente au piano avec ses deux complices, Sylvain Romano dont la contrebasse chante de bien belle façon dans It Could Happen to You, et Karl Jannuska qui marque avec souplesse le tempo, rend toujours fluide la musique. Le disque s’ouvre sur Never Will I Marry, chanson de Frank Loesser extraite de la comédie musicale “Greenwillow” (1960). L’amateur de jazz se doit de connaître la version qu’en donnèrent l’année suivante Nancy Wilson et Cannonball Adderley. Comme les autres thèmes qu’il interprète, Franck Amsallem en a conservé la mémoire. Il les porte en lui depuis longtemps ce qui lui permet d’en donner des versions dans lesquelles il met beaucoup de lui même avec l’émotion qui convient. Au programme, des standards célèbres – Body and Soul, Just One of Those Things (Cole Porter), How Deep is the Ocean –, mais aussi des mélodies plus rares, The Second Time Around que reprit Frank Sinatra et qui est interprété en solo (piano et voix) et Two For the Road, un thème trop oublié d’Henry Mancini. A ce répertoire s’ajoute Paris Remains in my Heart, une composition de Franck qui est loin d’être ridicule au sein de ce florilège que l’on écoute sans se lasser.

Enrico PIERANUNZI : “Stories”

Cam Jazz / Harmonia Mundi

Depuis 2009, Enrico Pieranunzi enregistre avec Scott Colley à la contrebasse et Antonio Sanchez à la batterie, un nouveau trio qui permet à sa musique de rester lyrique tout en étant plus agressive. “Permutation”, son disque précédent, était déjà centré sur la pratique intensive du jeu collectif. Sorti en mai dernier, “Stories” l’est davantage encore. Les musiciens se connaissent mieux, jouent ensemble depuis plus longtemps, et cet opus excitant, parfois aventureux (Which Way Is Up), confirme leur entente, leur capacité à réagir en temps réel à leurs propres inventions. Confiées à leurs instruments, les idées jaillissent, se structurent à pleine vitesse. Rapides, les trois premiers morceaux débordent d’énergie. Le pianiste fascine par un jeu fiévreux qui reste lisible et cohérent, le Maestro parvenant toujours à faire chanter la phrase musicale, à la faire respirer. Il nous réserve aussi de nombreuses ballades, l’aspect mélodique de son travail gardant son importance. Toutes sont de qualité. The Slow Gene, une composition de Colley, s’intercale avec bonheur entre deux pièces fébriles. Ponctué par une contrebasse qui n’oublie jamais de dialoguer avec le piano, Where Stories Are nous touche par sa mélancolie et Flowering Stones par son tendre balancement. The Real You qui conclut le disque ruissèle de belles couleurs harmoniques. Sous les doigts d’Enrico, la musique devient alors tendresse, foisonnement de notes exquises. Un trio musclé mais sensible la sert avec bonheur.

Chick COREA : “Portraits”

(Concord / Universal)

La discographie de Chick Corea renferme peu d’enregistrements en solo. Ce ne sont d’ailleurs pas les meilleurs. Son travail d’orchestrateur ou ses opus en trio se révèlent plus conséquents. S’il n’apporte rien de vraiment neuf, ce disque n’en reste pas moins intéressant. Le pianiste se penche sur son passé, sur les sources d’inspiration qui ont jalonnés sa déjà longue carrière. “Portraits” renferme deux CD et le premier, presque entièrement consacré à la relecture de standards, est un hommage à des musiciens qui l’ont influencé, ou dont il apprécie la musique, tel Stevie Wonder dont il reprend Pastime Paradise. Thelonious Monk, Bud Powell et Bill Evans, auxquels il a consacré des albums et souvent interprété les compositions, ont marqué son piano. Cet enregistrement est un live et, se faisant pédagogue, Corea les présente brièvement avant de les jouer, de nous donner des versions parfois enthousiasmantes de leurs œuvres. Dans le second CD, il joue du Alexandre Scriabin – deux Préludes de l’opus 11, œuvre de jeunesse du musicien russe alors influencé par Chopin – et du Béla Bartók, mais aussi quelques-unes de ses Children’s Songs dont la composition s’étala sur une dizaine d'années. La partie neuve de ce programme au sein duquel Chick nous offre aussi une grande version de The Yellow Nimbus en hommage à Paco de Lucia, est constituée par une série de portraits improvisés d’auditeurs anonymes de ses concerts (une tournée aux Etats-Unis, au Canada et en Europe) qu’il a invités à monter sur scène. Il joue un piano dont le riche vocabulaire emprunte autant à la musique classique européenne qu’au jazz et à la tradition du blues. On retrouve le musicien romantique qui affectionne une harmonie ample et délicate et le rythmicien au touché percussif qui apprécie les rythmes latins. Inspiré, Chick Corea nous fait grâce d’un magnifique piano.

Pour y parvenir, le trompettiste s’entoure de musiciens qu’il connait depuis longtemps. Il a rencontré Harish Raghavan, son bassiste actuel, au Thelonious Monk Institute of Jazz. Walter Smith III (saxophone ténor), un ami de 10 ans, et Justin Brown (batterie), un ami de toujours, l’accompagnent sur “Prelude… To Cora”, son premier disque enregistré en 2007, l’année où il remporte la prestigieuse Thelonious Monk International Jazz Competition.

Sam Harris est le membre le plus récent du quintette. Gerald Clayton et Fabian Almazan (aujourd’hui avec Terence Blanchard qui fut un des professeurs d’Ambrose au Monk Institute) l’ont précédé au piano. Ambrose a gardé des liens étroits avec Clayton. Le batteur de ce dernier est Justin Brown et Joe Sanders, son bassiste, joue aussi dans “Prelude… To Cora”.

Car, tous ces musiciens se fréquentent, forment une communauté soucieuse d’apporter au jazz afro-américain un souffle neuf. On retrouve fréquemment les mêmes noms, aux musiciens déjà cités s’ajoutant les pianistes Taylor Eigsti, Aaron Parks et Robert Glasper, les saxophonistes Dayna Stephens, Jaleel Shaw et Logan Richardson, la chanteuse Gretchen Parlato et bien sûr Eric Harland, le plus grand batteur de jazz de sa génération. J’en oublie et cette liste est loin d’être exhaustive. En attente d’une reconnaissance, la plupart d’entre eux se produisent dans des petits clubs. Les grands festivals les boudent, leur préfèrent les ténors du box office qu’ils embauchent sur catalogue sans les connaître. Pas tous ! Comme Robert Glasper avant lui, Ambrose s’est plusieurs fois produit à Jazz en Tête (Clermont-Ferrand) alors qu’il n’était qu’un parfait inconnu. L’affiche de la vingtième édition du festival (2007) qu’anime Xavier Felgeyrolles montrait même son visage.

Le 16 avril, le dernier des six concerts qu’il donna au Duc des Lombards fut un feu d’artifice de notes inattendues, d’harmonies audacieuses. Entrecroisant ou décalant fréquemment leurs lignes mélodiques, Ambrose Akinmusire et Walter Smith III multiplièrent échanges et dialogues créatifs. Souplement portés par une section rythmique inventive, leurs contrepoints sautaient les barres de mesure pour jongler avec d’improbables métriques. Impossible de reconnaître les morceaux, tant la musique, spontanée et changeante, naissait, se développait naturellement. Les thèmes devenaient les supports de nouvelles aventures improvisées et osées, l’expression d’une musique âpre et puissante n’aimant point trop exhiber son lyrisme. Il fallait tendre des oreilles attentives pour apprécier le travail subtil de Sam Harris, pianiste réactif ne perdant jamais pied devant les improbables contre-chants de la trompette.

“The Imagined Savior Is Far Easier to Paint” (Blue Note / Universal Music) surprend par sa richesse. Vaste et longue fresque sonore dépassant les 78 minutes, elle fait parfois appel à un quatuor à cordes, souvent rejoint par la flûte d’Elena Pinderhugues et la contrebasse de Harish Raghavan. Bénéficiant d’une telle orchestration, The Beauty of Dissolving Portraits place aussi Ambrose en vedette. Soufflant de longues notes tenues, suspendues entre ciel et terre, comme si de mystérieuses voix intérieures guidaient son chant, il s’y révèle particulièrement inspiré.

Rejointes par sa section rythmique, ces mêmes cordes habillent Our Basement, seule pièce de l’album qu’Ambrose n’a pas écrit. On la doit à la chanteuse Becca Stevens qui la chante magnifiquement. Sur un accompagnement de pizzicatos discrets, la trompette commente en apesanteur et assure les obbligatos. Elle fait de même dans Ceaseless Inexhaustible Child, offrant un écrin velouté à la voix de Cold Speaks. Inspiré par le portrait que la journaliste Michelle Mercer fait de Joni Mitchell dans “Will You Take Me as I Am : Joni Mitchell’s Blue Period”, un livre de 2009, Asiam (Joan) est chanté par Theo Bleckmann qui en a écrit les paroles et contribué à l’arrangement. Très soignées et bienvenues, les parties vocales de l’album, permettent plus facilement d’y rentrer. Car, confiées aux musiciens réguliers d’Ambrose que complète le guitariste Charles Altura, les pièces instrumentales ne possèdent pas le même pouvoir de séduction. Leur complexité rythmique, leurs lignes mélodiques anguleuses en partie masquées par l’énergie des musiciens, rendent même leur écoute difficile. Enregistré live au Jazz Standard de New York et dernier morceau de l’album, Richard (conduit), seize minutes d’une musique in progress et livrée à l’état brut demande une attention particulière. L’auditeur doit faire l’effort d’aller vers cette musique qui témoigne de la quête de perfection d’un musicien exigeant.

Comment ne pas penser aux disques Blue Note qu’enregistrèrent dans les années 60 Eric Dolphy, Andrew Hill, Jackie McLean, Grachan Moncur III, Sam Rivers Wayne Shorter, Tony Williams, musiciens qui proposaient une autre modernité face au jusqu’au-boutisme suicidaire du free-jazz. Moins réussi que les albums novateurs du label – “Out to Lunch” de Dolphy, “Contours” de Rivers, “Destination Out” de McLean, “Lifetime” de Williams, les citer tous seraient fastidieux –, mais porteur d’une musique plus aboutie que celle de ses deux disques précédents, “The Imagined Savior Is Far Easier to Paint” est à rapprocher de “Magnetic” et de “Life Forum”, albums que publièrent l’an dernier Terence Blanchard et Gérald Clayton. Ils témoignent d’un renouveau du jazz afro-américain que l’on suivra avec attention.

Saxophoniste, compositeur, enseignant, poète, acteur – pour Jim Jarmusch et Chantal Akerman notamment –, le new-yorkais Roy Nathanson, toujours dix fers au feu, choisit ici de mettre des paroles sur ses musiques, de célébrer la voix, les voix des musiciens de Sotto Voce, sextette qu’il créa en 2006. Ce n’est pas la première fois qu’il enregistre un disque qui met des chanteurs en valeur. On se souvient peut-être de l’album “In Love” des Jazz Passengers, formation fondée par ses soins en 1987. Produit par Hal Willner, il réunit nombre de vocalistes dont Bob Dorough, Jimmy Scott, Jeff Buckley et Deborah Harry. Le groupe tourna en Europe et aux Etats-Unis l’année suivante, Elvis Costello rejoignant parfois sur scène la chanteuse de Blondie. En 2008, Susi Hyldgaard confia ses chansons à Nathanson pour qu’il lui arrange un album. Enregistré avec le NDR Big Band, Roy co-dirigeant l’orchestre avec Dieter Glawischnig, son chef attitré, “It’s Love We Need” reste une incontestable réussite. Ce n’est donc pas vraiment une surprise si dans “Complicated Day”, les voix deviennent aussi importantes que les musiques qui les habillent. Elles portent les textes de Roy, ses chansons, ses poèmes qui ici se récitent, se lisent – les paroles sont reproduites dans le livret – et se chantent. Mis à contribution, les musiciens du groupe assurent les parties vocales, chœurs ou lead selon les plages, Nathanson se chargeant lui-même de Simon, No Storytelling et On a Slow Boat to China que Frank Loesser composa en 1948. L’amateur de jazz un tant soit peu cultivé en connaît la version qu’en donna Benny Goodman la même année. Ella Fitzgerald bien sûr le chanta. Autres reprises : Do Your Thing d’Isaac Hayes chanté superbement par Napoleon Maddox responsable des boîtes à rythmes, et I Can See Clearly Now, un morceau de Johnny Nash choisi et arrangé par Tim Kiah, le bassiste du groupe. Les instruments en soulignent les mots, les mettent en perspective. No Storytelling et World of Fire qu’Ornette Coleman aurait pu signer, sont introduits par une fanfare. And contient une large séquence instrumentale. Saxophone alto, soprano ou baryton (Roy Nathanson), trombone (Curtis Folkes), guitare ou banjo (Jérôme Harris), violon (Sam Bardfeld) et le propre fils de Roy, Gabriel Nathanson, à la trompette dans I Can See Clearly Now, l’instrumentation singulière jette un pont entre le jazz traditionnel et le free jazz, pâte sonore chaude et levée à point que n’enferme pas des barres de mesure trop rigides. Ajoutons une pincée de country à la musique malicieuse qu’offre ici le groupe, de vraies chansons, des mélodies qui restent en mémoire, ce disque festif et lyrique étant bien sûr recommandé.