blog de Choc

Perméable à de nombreux styles musicaux, ce premier disque captive de bout en bout, ce qui n’est pas banal. Kris Bowers puise allégrement dans la soul et le hip hop, provoque la surprise en variant sans cesse ses orchestrations. Arrangé avec soin, son disque fourmille de bonnes idées, de mélodies attachantes. Stevie Wonder aurait pu signer celle de Wonderlove, un thème digne de ses grands albums des années soixante-dix. Kris a baigné dans cette musique, celle de ses parents qui appréciaient aussi Marvin Gaye et Earth, Wind and Fire. Mais Kris Bowers est aussi un remarquable pianiste. En 2011, il remportait la prestigieuse Thelonious Monk International Jazz Piano Competition devant un jury comprenant Herbie Hancock, Jason Moran, Danilo Pérez et Renee Rosnes. S’il prend bien sûr quelques chorus, affiche un lyrisme, une facilité insolente à faire chanter l’instrument, il laisse beaucoup s’exprimer les musiciens qui l’entourent. Jouée par Adam Agati, une guitare électrique branchée sur des pédales d’effets occupe ainsi l’espace sonore de Wake the Neighbors, un des nombreux morceaux à tiroirs de l’album. Casey Benjamin et Kenneth Whalum se partagent les saxophones et plusieurs plages en bénéficient. Chris Turner, José James et Julia Easterlin assurent les parties vocales. Chanté par cette dernière, Forget-er fait penser à du Björk. Avec ferveur, José James plonge Ways of Light dans un bain de gospel. Soutenu par une section rythmique très souple privilégiant groove et rebonds, Burniss Earl Travis II à la basse électrique et Jamire Williams à la batterie, Kris Bowers utilise divers claviers. Piano acoustique, Fender Rhodes, synthétiseurs offrent une large palette de couleurs à ses compositions, les instrumentaux du disque se révélant très cinématographiques. A New York, à la Julliard School, le pianiste s’était aussi spécialisé dans la composition de musique de films. Avec une équipe réduite, le re-recording permettant de doubler les voix, de multiplier les saxophones, il parvient ainsi à créer une bande-son aux climats variés et inattendus. On ne sait jamais ce qu’il va advenir d’un morceau. Il bifurque, redémarre avec une mélodie nouvelle, hérite d’autres rythmes, fait de grands écarts. La surprise est totale. Cet album qui s’ouvre sur des gazouillis d’oiseaux mérite mieux que les quelques lignes négatives que lui consacre Jazz Magazine / Jazzman. Il est recommandé de l’écouter fort. Le choc en est d’autant plus grand.

-Ralph ALESSI : “Baida” (ECM / Universal). Chroniqué dans le blogdechoc le 16 octobre.

Premier disque de Ralph Alessi pour ECM, “Baida” est l’un de ses meilleurs, le plus lyrique de ses trop rares enregistrements. Le trompettiste retrouve ici les musiciens qui l’accompagnent dans “Cognitive Dissonance” publié en 2010. Jason Moran, toujours plus convaincant lorsqu’il met son piano au service des autres, Drew Gress à la contrebasse et Nasheet Waits à la batterie travaillent ici sur une musique ouverte qui demande précision et rigueur. Auteur des compositions, Alessi laisse ses musiciens la parfaire collectivement, lui apporter leurs propres inventions, tant mélodiques que rythmiques. Tous prennent des risques et créent ensemble une musique souvent modale rêveuse et aérée, le groupe appréciant aussi des tempos énergiques.

-Terence BLANCHARD : “Magnetic” (Blue Note / Universal). Chroniqué dans Jazz Magazine / Jazzman n°654 - octobre (Choc)

Le meilleur album de Terence Blanchard depuis longtemps. Car ici le trompettiste innove et modernise sa musique tout en gardant intact son plaisir de jouer. Connaissant bien ses musiciens – Lionel Loueke (guitare), Fabian Almazan (piano) et Kendrick Scott (batterie) l’entourent dans “Choices” qu’il enregistra en 2009 et Brice Winston est depuis treize ans le saxophoniste de sa formation – , Blanchard peut pleinement se concentrer aux arrangements de son album. Modifiant la sonorité de sa trompette par des effets d’électronique, il propose des compositions aux climats étranges et aux tempos fluctuants. La frappe sèche et tranchante de son batteur donne beaucoup d’épaisseur à un jazz solide et sous tension auquel participent Ron Carter et Ravi Coltrane, deux invités de marque.

-Terri Lyne CARRINGTON : “Provocative in Blue” (Concord / Socadisc). Chroniqué dans le blogdechoc le 14 mars.

Duke Ellington enregistra “Money Jungle” avec Charles Mingus et Max Roach en 1962. Il contenait sept morceaux. Six autres, dont deux alternates, furent commercialisés en 1987. “Provocative in Blue” en est une relecture décalée. Rem Blues est méconnaissable de même que Backward Country Boy Blues. Confié au piano de Gerald Clayton et à la contrebasse de Christian McBride, on reconnaît toutefois Very Special et Wig Wise deux des thèmes du “Money Jungle” original. Car Terry Lyne Carrington n’aborde pas seulement ce répertoire en trio. Lizz Wright y assure des vocalises et les arrangements très soignés font appel à d’autres instruments, à la trompette de Clark Terry dans une adaptation très réussie de Fleurette Africain(e). Dialoguant avec les percussions d’Arturo Stable (A Little Max), la batteuse ré-habille le répertoire ellingtonien sans jamais le trahir.

-Bill CARROTHERS : “Love and Longing” (La Buissonne / Harmonia Mundi). Chroniqué dans le blogdechoc le 23 juin.

Improvisé à la fin d’une séance d’enregistrement, “Love and Longing” contient quatre morceaux en solo et neuf chansons populaires américaines que Bill chante en s’accompagnant au piano. Elles sortent spontanément de sa mémoire. Mis à part The L&N Don’t Stop Here Anymore que popularisa Johnny Cash, les morceaux de ce disque sont des standards que l’amateur de jazz connaît bien. A Cottage for Sale inspire au pianiste des harmonies digne de son disque “Excelsior”. Il fait de même avec Three Coins in the Fountain dont il ré-harmonise la ligne mélodique. Bill chante Skylark avec une tendresse peu commune et en siffle les dernières mesures. Sans aucun maniérisme, il pose sa voix très juste sur la mélodie, phrase comme un instrumentiste, se lâche, confie à son piano ses harmonies rêveuses, les quatre instrumentaux de l’album servant d’intermèdes aux chansons.

-Gerald CLAYTON : “Life Forum” (Concord / Universal). Chroniqué dans le blogdechoc le 19 avril.

Attaché au blues et à la tradition du jazz, Gerald Clayton défriche de nouveaux espaces rythmiques relevant du funk et du hip-hop, apporte un autre swing, un rebond dont profite son piano. Son phrasé aux harmonies élégantes épouse les métriques impaires qu’inventent Joe Sanders et Justin Brown, ses musiciens habituels. Après deux albums avec eux, Clayton étoffe sa formation et donne du poids à sa musique toujours plongée dans le groove. La trompette d’Ambrose Akinmusire, les saxophones de Logan Richardson et de Dayna Stephens, les vocalises discrètes de Gretchen Parlato et de Sachal Vasandani apportent d’autres couleurs à ses compositions mélodiques. Le fils de John Clayton nous offre ainsi un disque aux tons chauds et suaves, une suite de séquences fluides qui bousculent nos habitudes jazzistiques et apportent au genre des perspectives nouvelles et passionnantes.

-Denise KING & Olivier HUTMAN : “Give Me the High Sign” (Cristal / Harmonia Mundi). Chroniqué dans le blogdechoc le 9 avril.

Après “No Tricks”, disque de 2011 mêlant compositions personnelles et standards, le tandem Denise King / Olivier Hutman fait des étincelles avec “Give Me the High Sign”, un album plus fort et plus soul dans lequel un forgeur de merveilles impose son écriture, ses arrangements et son piano. Hutman a trouvé une voix chaude et bleue pour chanter les mélodies qui l’habitent, une voix puissante et généreuse qui caresse et enveloppe. Il offre du sur mesure à sa chanteuse, des mélodies entêtantes dignes des meilleurs tubes des années 60 et quelques reprises bien senties. Darryl Hall (contrebasse) et Steve Williams (batterie) assurent la rythmique. Stéphane Belmondo (trompette et bugle) et Olivier Temime (saxophone ténor) se surpassent, donnent du tonus à une musique d’une suavité indécente.

-Cécile McLORIN SALVANT : “WomanChild” (Mack Avenue / Universal). Chroniqué dans le blogdechoc le 27 mai.

Elle se nomme Cécile McLorin Salvant et subjugue par sa voix unique, une de celles dont la découverte inespérée relève du miracle. Le jury de la prestigieuse Thelonious Monk Competition ne s’est pas trompé en lui décernant en 2010 son 1er prix. Attendu depuis longtemps, ce disque, le premier réellement produit que la chanteuse enregistre, renferme des thèmes anciens qui parlent à son cœur et s’ouvre sur St. Louis Blues que chantait Bessie Smith. Une simple guitare ou un dobro (James Chirillo) une contrebasse (Rodney Whitaker), une batterie ( Herlin Riley impérial dans You Bring Out the Savage in Me, un piano (Aaron Diehl, musicien jouant aussi bien du jazz traditionnel que du bop), l’instrumentation minimaliste de l’album convient parfaitement à son chant. A “star is born” assurément.

-René MARIE : “I Wanna Be Evil” (Motéma / Harmonia Mundi). Chroniqué dans le blogdechoc le 22 novembre.

Troisième album de René Marie pour le label Motéma et le dixième de sa carrière, “I Wanna Be Evil” reprend des morceaux du répertoire d’Eartha Mae Kitt (1927-2008), « the most exciting woman in the world » clamait Orson Welles. Outre sa section rythmique habituelle – Kevin Bales au piano, Elias Bailey à la contrebasse et Quentin Baxter à la batterie –la chanteuse est ici entourée par Adrian Cunningham au saxophone ténor, flûte et clarinette, Etienne Charles à la trompette et auteur des arrangements et Wycliffe Gordon, tromboniste que Wynton Marsalis fit beaucoup travailler. On y trouve bien sûr une version de C’est si bon qu’Eartha Kitt popularisa en 1953, mais aussi Santa Baby un grand classique que la chanteuse enregistra à New York en 1953. Le disque se referme sur une émouvante composition de René en quartette.

-Bill MOBLEY : “Black Elk’s Dream” (Space Time / Socadisc).

Difficile d’innover avec des cordes. Le modèle reste “Focus”, un album de Stan Getz qu’arrangea Eddie Sauter, car les jazzmen qui les utilisent noient trop souvent trop la musique sous des violons racoleurs. Pas ici. Auteur de deux remarquables albums pour Space Time Records en 1998 (“Live at Small’s Vol.1 & 2”), Bill Mobley a trop de métier pour jouer la carte de la séduction facile. Les cordes de l’Orchestre d’Auvergne soulignent mais répondent aussi aux solistes qui se font longuement entendre. Enregistré en 2012 au Festival Jazz en Tête de Clermont-Ferrand, ce concert réunit une fine équipe franco-américaine. Billy Pierce, Stéphane Guillaume, Manuel Rocheman et Maud Lovett enthousiasmante au violon, en sont les principaux acteurs. Donald Brown tient le piano dans une de ses compositions. Portée par une rythmique superlative – Phil Palombi (contrebasse) et Billy Kilson (batterie) – ce disque plein de vie est une grande réussite.

-Stephan OLIVA : “Vaguement Godard” (Illusions). Chroniqué dans le blogdechoc le 12 novembre.

Si Martial Solal composa la musique d’“A Bout de souffle”, Jean-Luc Godard la retravailla, la mixa avec des bruits du quotidien, les répliques des acteurs, pour mieux la fondre dans ses images. Stephan Oliva fait de même dans ce “Vaguement Godard”, un pense-bête servant à organiser, à imaginer d’autres pistes musicales. Il en décline les thèmes, mais suscite tensions et dissonances au sein desquelles surgissent des notes plus claires, des bribes de mélodies qui écartent les ombres et le noir de la nuit. Comme Godard, Oliva pratique la rupture de rythme, le collage, la discontinuité narrative. Une séance studio à La Buissonne suivie le soir même d’un concert ont livré le matériel sonore de ce disque, des mélodies de Michel Legrand, Antoine Duhamel, Georges Delerue, Paul Misraki, mais aussi des improvisations libres de Stephan qui imagine et invente.

-Nick SANDERS Trio : “Nameless Neighbors” (Sunnyside / Naïve). Chroniqué dans le blogdechoc le 16 septembre.

Je ne connaissais pas Nick Sanders, pianiste né à la Nouvelle-Orléans d’une mère cubaine et d’un père batteur avant de recevoir ce disque. Produit par Fred Hersch, il fait entendre un piano plus blanc que noir, bien que Sanders soit parfaitement capable de jouer le blues. Le pianiste fascine par sa rigueur, par la logique d’une pensée active qui s’amuse à prendre des sentiers de traverse, des chemins qui bifurquent. Sanders apprécie les ruptures, les lignes mélodiques éclatées, les brusques et surprenants changements de rythme, la cohérence perçant toujours sous la malice. Henry Fraser (contrebasse) et Connor Baker (batterie) ont été ses condisciples au New England Conservatory of Music. Ils assurent la rythmique de ce premier album, ma découverte de l’année.

-Tomasz STANKO New York Quartet : “Wislawa” (ECM / Universal). Chroniqué dans Jazz Magazine / Jazzman n°648 - avril (Choc).

Double CD inspiré par les poèmes de Wislawa Szymborska, lauréate du prix Nobel de littérature en 1996 et décédée l’an dernier “Wislawa” a été enregistré à New York par un quartette américain. Tomasz Stanko y passe désormais une partie de son temps. Il a toujours su bien choisir ses pianistes et s’acoquine ici avec David Virelles prodige au toucher miraculeux dont les notes sont des couleurs qu’il pose sur la musique. Ses compositions nouvelles et modales, le trompettiste les habille d’improvisations aussi délicates qu’expressives. Les tempos lents favorisent leur déroulement mélodique. Les musiciens prennent leur temps, restent longtemps sur le même accord, la musique ouvrant sur un espace de liberté constamment inventif. La contrebasse de Thomas Morgan et le drumming de Gerald Cleaver diversifient le flux rythmique. Quant à Stanko, il fait gémir, pleurer et chanter sa trompette comme si elle prolongeait sa voix. Mon disque de l‘année.

-Michel GRAILLIER : “Live au Petit Opportun” (Ex-tension/Harmonia Mundi). Chroniqué dans le blogdechoc le 24 mars.

Dix ans après la mort de Michel Graillier nous tombe du ciel « une musique de braise et de brume » pour citer Pascal Anquetil, auteur du texte du livret d’un inédit inespéré enregistré entre 1996 et 1999 au Petit Opportun. Un lundi par mois, sur le piano droit de sa cave biscornue, il pouvait y jouer ce qu’il voulait, les standards qu’il aimait. Ce disque en contient onze. Les ballades nombreuses expriment l’intériorité du pianiste qui s’appuie sur de beaux thèmes, mais possède une façon bien à lui d’en faire chanter les mélodies. Compte tenu de l’exigüité du lieu, on aurait put craindre une prise de son étouffé. Il n’en est rien. Elle restitue fidèlement le toucher, le phrasé élégant du musicien, ses notes légères et tendres qui par l’oreille gagnent le cœur. Mickey ne jouait pas seulement du piano, il créait de la musique.

Godard : il nous a tous interpellé à des moments de notre vie. La découverte d’“A Bout de souffle” sur le petit écran dans les années 60 reste pour moi mémorable. Composée par Martial Solal, sa musique ne m’avait pas particulièrement frappé. Le film oui. Sa caméra portée à l’épaule pour lui donner du mouvement, Jean Seberg délicieuse, ce cinéma vif, moderne, aux dialogues improvisés me plut infiniment. Solal, 32 ans, venait de terminer la musique de “Deux hommes dans Manhattan” de Jean-Pierre Melville, le mentor de Jean-Luc. Tombé sous le charme du film, Martial fut plus réservé sur le montage sonore que le cinéaste fit subir à sa musique. Godard la retravailla, la mixa avec des bruits du quotidien, les répliques des acteurs, pour mieux la fondre dans ses images.

Stephan Oliva fait de même dans ce “Vaguement Godard”, un disque pas toujours fidèle aux partitions, plutôt un pense-bête servant à organiser, à imaginer d’autres pistes musicales. Il en décline les thèmes, mais suscite tensions et dissonances au sein desquelles surgissent des notes plus claires, des bribes de mélodies qui écartent les ombres et le noir de la nuit. Comme Godard, Oliva pratique la rupture de rythme, le collage, la discontinuité narrative. Son disque est également le résultat d’un montage. Une séance studio à La Buissonne suivie le soir même d’un concert en ont livré le matériel sonore, des mélodies de Michel Legrand, Antoine Duhamel, Georges Delerue, Paul Misraki, mais aussi des improvisations libres qui ont pour titres des phrases entendues dans des films dont Stephan repense et réinvente les musiques.

Dans “Le Mépris” l’adéquation de la bande-son aux images est parfaite. Georges Delerue, musicien souvent associé aux films de François Truffaut, en signa la partition, « une musique très ample, avec des cordes, très romantique dans un esprit brahmsien » confia-t-il à Jean-Luc Douin en 1983. Une musique que Stephan rend grave et hiératique, le thème de Camille n’en étant que plus lumineux. Dans la version italienne, tronquée, une musique jazzy de Piero Piccioni remplace la partition originale de Delerue. La fameuse scène entre Bardot (nue) et Piccoli n’était pas prévue. Les producteurs obligèrent Godard à la tourner. On ne souvient surtout du dialogue coquin imaginé par Godard de même que l’on retient les images superbes que Raoul Coutard filma sous le soleil de Capri. Sans parler de la musique, chef-d’œuvre de son auteur, qui aide à faire passer les longueurs d’un scénario très mince. Ce film, je l’ai découvert au début des années 80. Grâce à Frédéric Mitterand qui, pour le générique de son émission Étoiles et toiles, en utilisa la bande-son ainsi que des images.

C’est aussi à la télévision que je vis “Pierrot le fou”. Godard le tourna en 1965. Le montage heurté du film, ses couleurs (le bleu, le rouge et le blanc : liberté, violence, pureté), Stephan les décline dans la noirceur de ses accords, sa liberté de ton. Il épure la musique d’Antoine Duhamel, expose avec tendresse le thème inoubliable de Ferdinand / Pierrot (Jean-Paul Belmondo). Jean-Luc fait porter à Marianne (Anna Karina) une robe rouge. Elle chante Ma Ligne de Chance, une chanson de Serge Rezvani alias Boris Bassiak, l’auteur du Tourbillon de la vie.

Anna Karina est à l’honneur dans cet enregistrement. Godard la rencontra en 1959 et la fit souvent tourner. Celle qui devient son épouse en 1961 aime chanter. Cette année-là, le cinéaste lui offrit le rôle principal de “Une Femme est une femme”, « pas vraiment une comédie musicale, pas non plus un film parlé, un regret que la vie ne soit pas en musique » dira Godard qui, après avoir vu “Lola” de Jacques Demy, commanda à Michel Legrand une partition. Stephan Oliva joue plusieurs thèmes de ce film. Blues chez le bougnat est si réussi que Godard le reprit dans “Les Carabiniers” qui fut très mal accueilli. Oliva pose délicatement les notes de La Chanson d’Angela, presque une comptine, dans son Portrait d’Anna Karina, pot-pourri de plusieurs thèmes de Legrand contenant le mélancolique “Bande à part”, un film de 1964 aux dialogues écrits au jour le jour, au budget modeste, et au scénario adapté d’un livre de la Série noire.

Deux ans plus tôt, toujours avec Anna Karina et Michel Legrand pour la musique, Godard réalisait “Vivre sa vie”. Vendeuse dans un magasin de disques, Nana (Anna Karina) se prostitue la nuit. De toute beauté, la musique accompagne quelques scènes inoubliables. Anna pleure à une projection de la “La Passion de Jeanne d’Arc” de Dreyer qu’interprète Falconetti. Godard rapproche les visages des deux actrices et nous émeut profondément.

Anna Karina toujours, mais dans “Alphaville”, Ours d’or à Berlin en juillet 1965, film de science-fiction dans lequel Eddie Constantine déambule dans une architecture futuriste. Tournage de nuit à la Défense en construction, à la Maison de la Radio, la pellicule très sensible donnant aux images un noir et blanc très contrasté. Godard aimait beaucoup la musique que lui livra Paul Misraki. Faisant rouler les notes graves du clavier, le piano devenant surtout instrument percussif, Oliva traduit l’angoisse d’une ville froide et hostile. Le noir domine dans cette Valse triste dont le thème ne surgit que quelques mesures avant la coda, mais aussi dans une improvisation autour du “Petit Soldat” (1960), film politiquement incorrect chahuté par une critique et un public hostiles. Oliva enchaîne avec l’Agnus Dei de Gabriel Fauré, musique qu’utilise Godard dans “Passion” (1982), les dernières plages du disque, sereines, apaisées, tendant vers la lumière, vers cette joie toujours voilée de tristesse qu’incarne Raymond Devos déclamant devant Jean-Paul Belmondo dans “Pierrot le fou”, Est-ce que vous m’aimez ?, sketch mi chanté, mi dialogué dont le piano habité de Stephan restitue la magie.

Après “Blue Moon” enregistré à New York en octobre 2011 et publié l’an dernier, Ahmad Jamal a choisi le Studio La Buissonne pour de nouvelles compositions et un nouvel album aussi excitant et jubilatoire que le précédent. On ne change pas un groupe qui fonctionne comme les rouages d’un chronomètre, surtout lorsque les musiciens qui entourent le pianiste constituent peut-être sa meilleure formation. Avec Israel Crosby à la contrebasse et Vernell Fournier à la batterie, Jamal, né en 1930, eut certes le bonheur d’avoir à ses côtés une rythmique qui servit son piano de manière exemplaire, mais Reginald Veal (contrebasse), Herlin Riley (batterie) et Manolo Badrena possèdent une technique bien plus grande et jouent mieux une musique que Jamal partage étroitement avec eux. Elle a peu changé, mais le pianiste l’aborde depuis quelques années de manière plus orchestrale, donne du volume, de l’épaisseur à des notes dont il a longtemps été avare. Ses silences sont parfaitement intégrés à sa musique. Jamal la bâillonne, la met sous tension pour mieux la faire jaillir. Ce sont alors des cascades d’arpèges et de trilles, de joyeuses notes perlées, des gerbes d’accords sèchement plaqués qui la libèrent après une longue attente.

Dans Back to the Future, le groupe fait longuement tourner un riff funky puis, par deux fois, décolle en ternaire, la contrebasse menant la danse. L’instrument est la principale assise rythmique de Saturday Morning qui donne son nom à l’album, une pièce d’une dizaine de minutes construite sur le même principe que Poinciana, le cheval de bataille du pianiste qui active un second thème après une longue mise en boucle du premier. Edith’s Cake envoûte par son introduction flottante, ses bouquets de notes colorées. Contrebasse, batterie et percussions encadrent souplement un piano espiègle qui saupoudre son chant de dissonances.

Ahmad reprend aussi d’anciens thèmes de son répertoire, décline leurs mélodies avec parcimonie, ces dernières, visions sonores fugitives, surgissant de trames rythmiques répétitives et prêtes à rompre, comme la corde d’un arc trop tendu. One et The Line héritent également d’un traitement funky. Dans Firefly, Jamal musarde, papillonne, tourne autour d’un riff dont s’emparent ses mains virevoltantes. Le disque contient quelques standards qu’il aborde avec une nonchalance calculée. I’ll Always Be With You et I’m in the Mood for Love, une chanson de 1935 que Nat King Cole et Frank Sinatra interprétèrent, bénéficient de relectures élégantes, d’une ornementation au petit point. I Got it Bad and That Ain’t Good introduit brièvement un autre thème ellingtonien celui de Take the A Train. Le pianiste connaît ses classiques. Styliste, il leur offre d’autres couleurs, celles d’un orchestre qu’il incarne à lui seul. Et c’est ainsi qu’Ahmad est grand !

Chick COREA : “The Vigil”

(Concord Jazz / Universal)

Après plusieurs disques intéressants en 2012, notamment “Further Explorations” hommage à Bill Evans enregistré avec Eddie Gomez et Paul Motian, Chick Corea revient à la fusion avec un nouvel orchestre comprenant Tim Garland (saxophones ténor et soprano), Charles Altura (guitares acoustiques et électriques), Hadrien Feraud (guitare basse), Marcus Gilmore (batterie) et Pernell Saturnino (percussions). Avec eux, Chick fait un malheur cet été dans les festivals.

Bien que n’étant pas aussi prenant que ses concerts, le disque reflète bien la musique que propose le pianiste, du jazz fusion au sein duquel le piano acoustique tient une place importante (écoutez le lumineux chorus qu’il prend dans Portals to Forever). Gayle Moran, son épouse, chante malheureusement dans Outer of Space, seul bémol d’un disque proche des opus de Return to Forever et de l’Elektric Band. On goûtera les espagnolades chères au pianiste qui saupoudrent Planet Chia, pièce influencée par le flamenco. On découvrira aussi une formation différente dans Pledge for Peace, longue plage dédiée à John Coltrane et enregistrée avec Stanley Clarke et Ravi Coltrane.

Joshua REDMAN :

“Walking Shadows”

(Nonesuch / Warner)

Réalisant un vieux rêve, Joshua Redman a enregistré une grande partie de ce disque avec des cordes. S’il a arrangé lui-même plusieurs thèmes, il en a confié d’autres à Dan Coleman (qui dirige aussi l’orchestre), Patrick Zimmerli et Brad Mehldau. “Walking Shadows” possède pourtant une réelle unité. Redman a choisi de s’exprimer sur des ballades, et décline au plus près leurs mélodies.

Son saxophone ténor s’enroule ainsi avec chaleur autour de Lush Life, Easy Living, Stardust, Infant Eyes (qu’il joue au soprano), mais aussi autour de Let It Be dont l’interprétation semble moins réussie. Avec lui, une section rythmique souple, fluide et d’une grande discrétion : Brad Mehldau au piano (et au vibraphone, notamment dans Last Glimpse of Gotham qu’il a composé), Larry Grenadier à la contrebasse et Brian Blade à la batterie. On appréciera bien sûr Dol Is Mine et Stardust, pièces dans lesquelles Brad s’offre des chorus, mais le pianiste accompagne avec une rare musicalité, fait constamment chanter son instrument, le saxophone restant toutefois l’instrument roi de cette séance marquée par le lyrisme.

Michel MARRE :

“I Remember Clifford”

(Hâtive ! / Believe)

En quartette, le trompettiste Michel Marre se penche lui aussi sur des ballades qu’il affectionne. On est vite sous le charme de la musique de cet album, promenade au cœur d’un jazz qui ne manque ni de swing ni de souffle. Round About Midnight, I Remember Clifford, Body and Soul ne vous sont certainement pas inconnus.

Au bugle ou à la trompette, Michel rend légères et aériennes leurs mélodies immortelles, les fait planer dans le bleu du ciel. De courtes improvisations collectives structurées et cohérentes s’intercalent entre les pièces écrites d’un répertoire comprenant aussi quelques compositions originales. Chess and Mal et Espera se fredonnent sans peine. La contrebasse ronde et chantante d’Yves Torchinsky, la batterie attentive et foisonnante de Simon Goubert en caressent les musiques heureuses. Avec eux, jouant un piano d’une élégance rare, Alain Jean-Marie accompagne en poète. Espera profite de la couleur de ses notes ; We Will Be Together Again aussi. Introduit par les harmonies subtiles et délicates du piano, une trompette rêveuse en décline le thème et le rend inoubliable.