blog de Choc

Disque inattendu improvisé à la fin d’une séance d’enregistrement, “Love and Longing” contient quatre morceaux en solo et neuf chansons populaires américaines que Bill chante en s’accompagnant au piano. La plus ancienne, Mexicali Rose, date de 1923. Bill n’en sait rien lorsqu’il l’enregistre. Elle sort tout simplement de sa mémoire. L’organiste qui lui donna ses premières leçons de piano la lui a peut-être jouée. Il peut l’avoir entendue à l’University of North Texas, sous les doigts de son professeur de piano classique qui était aussi un très bon pianiste de jazz. Qu’importe où il a appris cette chanson qu’il peut aussi avoir découvert à la radio interprétée par Bing Crosby ou Jerry Lee Lewis. L’habillant de ses propres notes, il en donne une version sensible, s’identifie par la voix à cet homme contraint d’abandonner pour un temps celle qu’il aime. The L&N Don’t Stop Here Anymore est une composition de la folk singer Jean Ritchie, souvent attribuée à Johnny Cash qui la popularisa dans les années 70. L&N désigne le Louisville & Nashville Railroad, un train de passagers qui cessa son activité à la fermeture des mines de charbon des régions qu’il traversait.

D’autres morceaux sont plus familiers à l’amateur de jazz. Une version sombre et mélancolique de So in Love écrit par Cole Porter pour le « musical » “Kiss Me, Kate” précède un Once in a While à l’harmonisation inhabituelle. Composé en 1937, le morceau devint la même année un tube pour Tommy Dorsey et son grand orchestre. Sarah Vaughan l’enregistra en 1947 et le chantait souvent en concert. A Cottage for Sale, une chanson de 1929 maintes fois interprétée par des jazzmen, inspire au pianiste des harmonies digne de son disque “Excelsior”. Bill en donne une version poignante parsemée de notes tendres. Il fait de même avec Three Coins in the Foutain écrit par Jule Styne pour le film du même nom. Le morceau décrocha en 1954 l’Academy Award de la meilleure chanson originale. Le pianiste en ré-harmonise la ligne mélodique et envoûte par les couleurs de ses accords. Confiée à Anita O’Day qui officiait au sein du Gene Krupa Orchestra, Skylark s’imposa comme standard de jazz dès sa création en 1941. On n’en compte plus les versions. Celle que l’on trouve ici possède toutefois quelque chose de spécial. Outre une partie de piano très développée, Bill la chante avec une tendresse peu commune et en siffle les dernières mesures. L’expression est naturelle, sans artifices ni maniérismes. Posant sa voix très juste sur la mélodie, le pianiste phrase comme le fait un instrumentiste, comme Chet Baker qui, comme Bill, reprit Moonlight Becomes You, une chanson de 1945 écrite pour le film “Road to Morocco” que le trompettiste incorpora très tôt à son répertoire. Bill chante aussi Trade Winds et sa version n’a aucun mal à surpasser celle qu’en donna Bing Crosby en 1940 avec accompagnement de guitares hawaïennes.

Les quatre instrumentaux de l’album, trois improvisations et une composition originale (Peg, précédemment enregistré en 2009 sur “Family Life”), sont bien sûr de toute beauté. Très élaborés, ils servent de prélude (Love), d’intermèdes aux chansons. Comme dans ces dernières, le piano fascine par sa riche palette harmonique, la diversité de ses couleurs. Caressant des notes qu’il fait magnifiquement sonner, imaginant des accords surprenants, parfois même dissonants, Bill Carrothers transcende le matériel thématique sur lequel il se penche. Les bonnes mélodies n’ont pas fini d’inspirer les musiciens les plus doués. Le pianiste, l’un des grands de l’instrument, est l’un d’entre eux. Quant au chanteur, il tient toutes ses promesses. Ce disque éblouissant en témoigne.

Cécile McLORIN SALVANT :

“WomanChild”

(Mack Avenue / Universal Music)

Elle se nomme Cécile McLorin Salvant et subjugue par une voix rare, une de celles dont la découverte inespérée relève du miracle. Comment ne pas songer à Billie, Sassy, Ella, mais aussi à Abbey Lincoln que Cécile a bien évidemment écoutée tant le timbre en est suave et chaud. Cette voix si belle, nous faillîmes la manquer.

Cécile ne se destinait pas à une carrière de chanteuse, mais effectuait une prépa à Aix en Provence pour entrer à Sciences Po. Elle rêvait de devenir chanteuse lyrique, mais la musique n’était pour elle qu’un simple hobby. Née à Miami de mère française et de père haïtien, elle y a étudié le piano classique et chanté dans une chorale d’enfants. À Aix, elle rencontre le saxophoniste Jean-François Bonnel qui dirige la classe de jazz du Conservatoire Darius Milhaud. Il la convainc de chanter, de donner des concerts. En 2010, elle participe sans trop y croire au Concours Thelonious Monk dans la grande salle du Kennedy Center de Washington et, à la surprise générale, en remporte le 1er prix. Jacky Terrasson qui l’admire lui donne un sérieux coup de main en lui confiant deux titres de “Gouache”, et sa présence aux côtés du pianiste au Festival de Jazz de la Villette la place sur la sellette. Plusieurs dates avec Wynton Marsalis et le Lincoln Center Orchestra l’an dernier, une tournée prévue en décembre au sein du même orchestre, sacrent ce début de règne.

Mais d’abord ce disque attendu depuis longtemps, le premier réellement produit que la chanteuse enregistre après un opus mal distribué et passé inaperçu. Certains seront sans doute frappés par son classicisme. Cécile s’empare de quelques thèmes anciens qui parlent à son cœur, à sa mémoire, en exprime le blues de manière naturelle, les fait revivre par une diction et un phrasé impeccables. Elle est aussi la première à reprendre You Bring Out the Savage in Me depuis que Valaida Snow l’enregistra en 1935. “WomanChild” s’ouvre sur St. Louis Blues que chantait Bessie Smith. Une simple guitare (James Chirillo) accompagne une voix qui d’emblée enthousiasme. Une instrumentation réduite lui suffit. Une contrebasse assurée par Rodney Whitaker, une batterie confiée à un Herlin Riley impérial dans You Bring Out the Savage in Me, un piano élégant tenu par Aaron Diehl, musicien jouant aussi bien du jazz traditionnel que du bop, Cécile trouve là l’écrin idéal pour son chant. Avec Nobody et son piano honky tonk, nous nous voyons transportés dans un barrelhouse de la grande Amérique. Modernisé, le tonique John Henry dans lequel le dobro remplace la guitare relève du folk. Quant au blues Baby Have Pity on Me que l’on doit à Clarence Williams, il possède un aspect rural appréciable. Plus actuel, WomanChild révèle le talent de Diehl, pianiste vif et prompt à réagir avec lequel Cécile dialogue, étire ses notes, théâtralise son chant avec gourmandise, ce qu’elle fait aussi dans un décoiffant What a Little Moonlight Can Do croqué à pleines dents. Chanté en français avec beaucoup d’émotion, Le front caché sur tes genoux, un poème haïtien des années 30 dont elle a composé la musique remet bien sûr en mémoire Je te veux, morceau d’Erik Satie qu’elle interprète dans le disque de Terrasson. La chair de poule perdure longtemps après son écoute. "A star is born" assurément.

Enregistré en 2008, “Don’t Forget You Are an Animal”, son disque précédent, m’avait laissé de marbre. Sébastien Texier ne manque pourtant pas de personnalité. Chose devenue rare aujourd’hui, il possède même un son, une manière bien à lui de souffler d’articuler ses notes, et en l’intégrant à son Wared Quartet, le pianiste Edouard Bineau savait ce qu’il faisait. Le fils d’Henri Texier joue surtout du saxophone alto, un instrument qui ne se laisse pas si aisément dompter. Pas facile d’en tirer une sonorité originale, d’improviser sans lasser.

Élargissant la palette sonore de ses compositions, les rendant plus mélodiques, Sébastien y parvient. Pour ce faire, il lâche son trio pour un quintette avec piano. Confié à Bruno Angelini, l’instrument structure le discours musical, en renforce son assise rythmique et harmonique. Le pianiste étonne par la construction de ses voicings, ses improvisations nerveuses et brillantes qui laissent aux notes le temps de respirer. Il ne manque pas non plus d’audace dans Toxic parasites qui donne son nom à l’album et dans Le courage ne fait pas tout, une pièce étonnante. Un bref thème confié aux souffleurs ponctue son piano flirtant avec le free. Un soin particulier est ici porté aux arrangements, à la forme. Les improvisations très soignées viennent parfaire un travail d’écriture qui réserve de nombreux espaces de liberté aux solistes. Les musiciens parviennent tous à s’exprimer, à prendre des solos au sein de morceaux ouverts. On découvre ici un compositeur habile qui les habille avec des couleurs spécifiques, tire partie de diverses combinaisons de timbres, Sébastien Texier utilisant au mieux l’instrumentation dont il dispose. Sa clarinette ou son alto se mêlent ainsi au bugle ou à la trompette d’Alain Vankenhove pour exposer de nombreux thèmes à l’unisson, inventer ritournelle (Amie Nostalgie) et fanfare (Toxic Parasites), rendre hommage au blues des origines. Clarinette et trompette bouchée sont ainsi au programme d’un Mumble Blues hanté par Bubber Miley et le vétéran Clark Terry. Les morceaux, souvent des compositions à tiroirs, offrent de nombreux changements de tempo. Porté par une walking bass efficace, Are You Sure relève ainsi du bop jusqu’au chorus d’une trompette audacieuse qui marmonne et vient calmer le jeu. Dans Le jour d’après s’instaure une improvisation collective et dissonante. Le calme revient avec un long dialogue piano contrebasse, un thème mélancolique qui inspire les souffleurs. Car la réussite de ce disque tient aussi à ses mélodies, à celles magnifiques de Song for Paul Motian, sans doute la pièce la plus émouvante de l’album, et de L’insouciance, morceau élégant et lyrique fait pour les images d’un film rêveur.