blog de Choc

Que de disques cet automne ! Plus que d’habitude car la covid-19 bouleversant l’ordre des choses, une partie de ceux qui devaient paraître au printemps sortent aujourd’hui. Une dizaine d'entre eux, des nouveautés, m'ont interpellé. Je livre à votre attention les chroniques des cinq premiers. Vous en découvrirez cinq autres lundi prochain dans ce blog. Puissent-elles donner envie de vous procurer ces albums.  

Pierre de BETHMANN Trio : “Essais / Volume 4” (Aléa / Socadisc)

Rassemblant Pierre de Bethmann (piano et rhodes) Sylvain Romano (contrebasse) et Tony Rabeson (batterie), ce trio né il y a bientôt sept ans du hasard d’une rencontre, publie aujourd’hui la seconde moitié de sa séance studio de septembre 2019 enregistrée au Studio Recall (Pompignan) par Philippe Gaillot, ses “Essais / Volume 3” contenant la première. Sachant que les bonnes mélodies ne meurent jamais, Pierre puise son inspiration dans des thèmes qui n’appartiennent pas forcément au jazz et leur fait porter de nouveaux habits. Des pièces du répertoire classique, des chansons nourrissent son piano, ses “Essais”. Tout aussi réussi que les trois autres, le Volume 4 réunit surtout des compositions de jazzmen. Monk est une nouvelle fois à l’honneur avec une version aussi tonique qu’originale de Think of One, mais aussi Sonny Rollins (Saint Thomas), Wayne Shorter (Deluge, un extrait de “Juju”, un de ses disques Blue Note), Charlie Parker et Dizzy Gillespie (Anthropology). Si Ma Bel de Kenny Wheeler – joué par Pierre qui, en solo, le ré-harmonise en profondeur –, et Three Blind Men de Carla Bley sont rarement interprétés, reprendre This Never Happened Before, une des plages de “Chaos and Creation in the Backyard”, un disque de Paul McCartney est encore plus inhabituel. De même que Moreira que le pianiste et chanteur Guillermo Klein enregistra en 2011 avec son groupe Los Guachos. Fidèle à sa mélodie, Pierre nous en transmet la mélancolie par un piano sensible qui nous va droit au cœur*.

*Un coffret de 5 CD(s) rassemble également les quatre volumes de ces “Essais”. Le cinquième, un bonus, contient cinq plages inédites enregistrées entre 2015 et 2019, deux en trio et trois en solo.   

Pascale BERTHELOT : “Saison Secrète” (La Buissonne / Pias)

Engagée dans la création musicale – elle a enregistré des œuvres de Morton Feldman, John Cage et de compositeurs d’aujourd’hui –, Pascale Berthelot a principalement étudié la musique avec Bernard Flavigny, Éric Heidsieck et Claude Helffer. Directrice artistique de Cuicatl, collection du label de La Buissonne consacrée aux musiques contemporaines, elle vient d’enregistrer à l’invitation de Gérard de Haro, un disque de piano solo pas comme les autres. De son imaginaire, de son être intime, intérieur, le « weltinnenraum » du poète Rainer Maria Rilke dont le livret de son disque reproduit la dixième “Élégie de Duino”, a surgi cinq pièces improvisées très personnelles. Elle s’en étonne elle-même dans ses notes de pochette. Comment une telle musique a-t-elle pu naître, se mouvoir ? Comment le compagnonnage du silence peut générer ces improvisations inattendues ? Pascale Berthelot n’improvise pas comme une pianiste de jazz dont elle ignore la grammaire. Le swing, le blues et ses progressions harmoniques, n’existent pas dans cette musique profondément onirique qui séduit autrement. Son piano envoûte par ses harmonies, ses couleurs, le chromatisme de ses accords, le toucher de son interprète. Écoutez Balance des étoiles, la première plage de l’album. Dans un temps magiquement suspendu, la pianiste spatialise poétiquement une musique ruisselante de notes et de tendresse imaginée avec le cœur.

Thomas FONNESBÆK & Justin KAUFLIN : “Standards” (Storyville / UVM)

En 2015, le bassiste danois Thomas Fonnesbæk rencontrait à Copenhague le pianiste américain non-voyant Justin Kauflin. Deux ans plus tard, les 14 et 15 juin 2017, les deux hommes enregistraient de nombreux morceaux au Studio Nilento de Gothenburg. “Synesthesia”, le disque Storyville qu’ils sortirent cette année-là, en réunit une dizaine, essentiellement des compositions originales. Lors de cette même séance, Kauflin et Fonnesbæk interprétèrent des standards, y greffant leurs propres harmonies. Ce sont eux que contient ce disque, des thèmes de Bud Powell, Duke Ellington, Benny Golson, mais aussi Nigerian Marketplace d’Oscar Peterson et It’s All Right With Me de Cole Porter, deux des morceaux de “Synesthesia”. De Thomas Fonnesbæk, digne héritier du grand Niels-Henning Ørsted Pedersen, j’ai toujours dit le plus grand bien. Les albums qu’il enregistra en duo avec Sinne Eeg (“Eeg-Fonnesbæk”), Enrico Pieranunzi (“Blue Waltz”) ou en trio avec Aaron Parks et Karsten Bagge (“Groovements”) font entendre une contrebasse à la voix mélodique ample et puissante. Demi-finaliste de la Thelonious Monk Jazz Piano Competition en 2012, protégé de Clark Terry et de Quincy Jones sur le label duquel il enregistra “dedication” en 2014, Justin Kauflin reste inconnu en France. Puisse cet excellent album contribuer à le faire découvrir.

Tim GARLAND “ReFocus” (Edition Records /  UVM)

Arrangé par Eddie Sauter et enregistré par Stan Getz en 1961, “Focus” n’en finit pas d’inspirer les saxophonistes. Après le “Re Focus” de Sylvain Rifflet en 2017, le britannique Tim Garland sort aujourd’hui un “ReFocus” dont il a presque entièrement écrit la musique, les improvisations de Getz lui servant à architecturer de nouveaux morceaux. Si I’m Late, I’m Late de Sauter introduit les deux disques, l’instrumentation choisie par Garland – cinq violons, deux altos, un violoncelle, une harpe et une section rythmique, (contrebasse et batterie) – s’écarte de l’original. Sauter utilise un grand orchestre à cordes et rejette la présence continue d’une rythmique. Dans ce nouveau disque, le batteur Asaf Sirkis occupe une place importante. Thorn in the Evergreen, Night Flight et Dream State possèdent une grande tension rythmique. Past Light est plus apaisé et dans The Autumn Gate, les cordes apportent un bel écrin mélodique au saxophone. La dernière plage de l’album Jezeppi, un bonus, bénéficie d’une orchestration différente. Tim Garland y joue du soprano. Le pianiste John Turville et le guitariste Ant Law interviennent dans l'enregistrement et Yuri Goloubev, le bassiste de la séance, y prend également un solo. On peut préférer, ce qui est mon cas, le “Re Focus” de Rifflet superbement arrangé par Fred Pallem et riche de dialogues entre le saxophone et l’orchestre, mais le travail de Garland n’en reste pas moins impressionnant.

Adam KOLKER “Lost” (Sunnyside / Socadisc)

Quatrième opus d’Adam Kolker sur Sunnyside, “Lost” réunit des musiciens avec lesquels il travaille depuis longtemps. Le saxophoniste retrouve ici Bruce Barth, pianiste avec lequel il enregistra il y a vingt ans l’album “Somehow It’s True”, (Double-Time Records), mais aussi Ugonna Okegwo (contrebasse) et Billy Hart (batterie) qui en assuraient la rythmique. Kolker apprécie beaucoup les compositions flottantes et souvent oniriques de Wayne Shorter, les étranges harmonies qui peuplent ses thèmes porteurs de fortes et troublantes images. “Lost” devait être entièrement consacré à ce grand créateur de thèmes, mais se rendant compte que sa propre musique basée sur des modes ressemblait beaucoup à la sienne, Kolker changea d’idée, ne gardant de Shorter que deux morceaux : Dance Cadaverous emprunté à “Speak no Evil” (1964), et Lost, le thème d’ouverture de “The Soothsayer” (1965). Kolker nous en donne une version plus longue et plus lente dans “Whispers and Secrets” publié il y a deux ans. Le saxophoniste reprend aussi Time of the Barracudas que Gil Evans composa et enregistra en juillet 1964 avec Shorter au ténor, ce dernier l’enregistrant à son tour l’année suivante dans son album “Etcetera”. Billy Hart fouette ses cymbales comme le faisait naguère Joe Chambers.  Adam Kolker joue du ténor mais aussi du soprano dans Dance Cadaverous et While My Lady Sleeps, une des ballades de cet album très réussi dans lequel Bruce Barth affirme une grande intelligence pianistique.

Photo : Sylvain Romano, Pierre de Bethmann et Tony Rabeson © Gildas Boclé

1968, une année difficile pour l’Amérique. Le 4 avril, le pasteur Martin Luther King est assassiné à Memphis. Le 6 juin, sur le point d’être investi candidat à l’élection présidentielle par le parti démocrate, Robert Kennedy est abattu à Los Angeles. Des émeutes raciales éclatent cette année là dans plusieurs grandes villes du pays. De nombreuses manifestations contre la guerre du Vietnam s’y déroulent également, notamment à Chicago lors de la Convention nationale démocrate qui voit élire comme candidat le vice-président sortant Hubert Humphrey.

Pour Thelonious Monk, l’année n’est pas non plus très bonne. Le 15 avril sort “Underground” un album dont la pochette souhaitée par Columbia sa maison de disques fait sensation (il y apparait en résistant, mitraillette sur l’épaule) et qui contient quatre nouvelles compositions. Le pianiste l’a enregistré en trois séances (14 et 21 décembre 1967 et 14 février 1968) au cours desquelles le producteur Teo Macero fait peu de cas de sa musique. En mai, il est hospitalisé après une attaque et passe deux jours dans le coma. Rétabli, il enchaîne les concerts. Toronto et Pittsburgh l’accueillent en juin, Denver en juillet et Saint-Louis en août. Début septembre, Monk est en Californie. Son quartette – Charlie Rouse (saxophone ténor), Larry Gales (contrebasse) et Ben Riley (batterie) – donne un concert mémorable au San Diego Sport Arena devant 7000 personnes. Du 5 au 17 septembre, il se produit au Shelly’s Manne Hole de Los Angeles et en octobre est engagé pour deux semaines au Jazz Workshop de San Francisco.

C’est le moment que choisit Danny Scher, un lycéen de seize ans, pour proposer au pianiste de donner un concert dans son lycée de Palo Alto. Située au sud de la péninsule de San Francisco, la ville, a connu elle-aussi des émeutes. Séparée par une autoroute, la localité voisine de East Palo Alto abrite de nombreux afro-américains peu fortunés. Le chômage touche 12% de la population et les tensions raciales se sont exacerbées depuis l’assassinat du Dr. King. Réunissant les leaders du Black Panther Stokely Carmichael et Eldridge Cleaver, un important congrès du Black Power s’y est déroulé en septembre. Entre les deux communautés, les tensions restent vives.

Danny Scher tient pourtant à son projet. Il joue de la batterie dans un orchestre, et donne des conférences sur l’histoire du jazz. Ses relations avec des journalistes et des disc-jockeys dont il suit à la radio les émissions lui ont permis d’obtenir les téléphones de nombreux musiciens. Le pianiste Vince Guaraldi, le chanteur Jon Hendricks et le vibraphoniste Cal Tjader sont déjà venus jouer dans son lycée, les bénéfices engendrés servant à financer la construction d’écoles au Kenya et au Pérou. Monk est l’une de ses idoles, il a appris qu'il doit se produire dans un club de San Francisco et, pour le faire venir, contacte son manager Jules Colomby qui, moyennant 500 $, accepte le concert. Reste à en organiser la promotion. Palo Alto abrite aussi le campus de l’université de Stanford et Danny Scher espère bien en rameuter les étudiants. Malgré un avis défavorable de la police locale, il placarde également des affiches dans East Palo Alto, non sans un certain scepticisme de la part de ses habitants de couleur qui imaginent mal que le pianiste puisse jouer chez les Blancs.

Les billets se vendent difficilement malgré l’annonce de la présence de deux formations locales, le Jimmy Marks Afro-Ensemble et le quintette du vibraphoniste Salah Woodi Webb en partie constitué par des étudiants de Stanford. Membre du Roscoe Mitchell Quartet, son trompettiste, Fred Berry, est affilié à l’AACM (Association for the Advancement of Creative Musicians) coopérative de jeunes musiciens afro-américains dont l’ambition est la création d’une « Great Black Music » neuve et expérimentale. Quant au saxophoniste Kenny Washington, il codirige le syndicat des étudiants noirs de Stanford. Dans le doute, la communauté afro-américaine s’est toutefois déplacée ce dimanche 27 octobre. Bien avant le début du concert annoncé à 14h00, ils sont nombreux malgré la pluie à attendre le pianiste devant les portes de l’auditorium de la Palo Alto High School, à guetter son improbable venue. Ce n’est que lorsque Monk et ses musiciens sortent de leur van pour gagner la salle de classe transformée en loge qu’ils se presseront pour acheter leurs billets, les deux communautés se voyant réunies par la musique.

Ce concert, nous pouvons l’écouter aujourd’hui grâce au concierge du lycée qui, l’enregistrant sur un magnétophone à cassette, sut parfaitement capter le son des instruments. On y entend les musiciens s’accorder avant que Charlie Rouse au ténor ne développe Ruby My Dear. Monk le composa pour Rubie Richardson, sa petite amie de l’époque, et l’enregistra pour Blue Note en 1947 (“Genius of Modern Music Vol. One”). Bien calé sur le solide tempo médium que la contrebasse pneumatique de Larry Gales donne à la musique, Ben Riley s’autorise aux balais quelques fioritures rythmiques sur sa caisse claire et fait chanter les peaux de ses tambours. Les deux hommes assuraient la section rythmique de Johnny Griffin et d’Eddie « Lockjaw » Davis au Minton’s en 1960 et l’année suivante celle du pianiste Junior Mance avant de rejoindre Monk en 1964, en janvier pour Riley, en octobre pour Gales. Dans Well, You Needn’t, un autre thème des années 40 abordé sur un tempo plus musclé que d’habitude, ce dernier prend un élégant solo à l’archet, Ben Riley, batteur souvent discret, s’y révélant exubérant. Particulièrement inspiré Monk se lance dans un long et étonnant chorus qui en transcende la mélodie.

En solo, il se réserve Don’t Blame Me, co-écrit par Dorothy Fields et Jimmy McHugh, un thème qu’il joue en stride depuis 1963. Son album “Criss-Cross” en contient une version plus lente que celle acrobatique du présent concert, le pianiste très en forme multipliant dissonances et cascades de notes arpégées. Est-ce parce que Monk l’appréciait particulièrement que la version de Blue Monk qui vient après est si joyeuse ? Pour le label Prestige, il l’enregistra en trio en 1954 avec Percy Heath et Art Blakey peu de temps après l’avoir composée. Là encore le tempo est vif et régulier, une autoroute pour Charlie Rouse qui improvise six chorus, Monk qui lui succède obligeant parfois sa rythmique à accélérer. Rouse est son saxophoniste depuis 1958. Il  l’a connu dans les années 40 alors qu’il se produisait au Minton’s Playhouse de Harlem. Co-écrit avec le batteur Kenny Clarke, dont le drumming très moderne fonctionnait très bien avec les conceptions rythmiques monkiennes, Epistrophy date de cette époque. Le pianiste qui le jouait à la fin de ces concerts en donne ici une version plus longue et plus énergique que d’habitude. Brièvement exposée en solo, la mélodie de I Love You Sweetheart of All My Dreams, une chanson de 1928 que popularisa Rudy Vallee, conclut une prestation mémorable de 47 minutes aujourd’hui ressuscitée.

Crédits Photos : Thelonious Monk (photo pochette “Palo Alto”) © Larry Fink –  Thelonious Monk & Larry Gales © Lee Tanner – Thelonious Monk & Charlie Rouse © Veryl Oakland – Thelonious Monk (portrait) © Jim Marshall.

Retardé de plusieurs mois par un virus tenace qui continue d’inquiéter, “Skin in the Game” de David Linx est dans les bacs des disquaires depuis le 18 septembre. J’en publie la chronique à l’occasion du concert que le chanteur donne en octobre au New Morning. Ce même 18 septembre paraissait “Faune”, un opus très remarqué du batteur Raphaël Pannier. Le 19 juin sortait “Les heures propices” de Franck Tortiller et Misja Fitzgerald-Michel. Enfin le 28 août étaient mis en vente “1291” du trio Humair / Blaser / Känzig et le “No Solo” d’Andy Emler. Ma chronique élogieuse de ce dernier peut vous surprendre, mais contre toute attente, il est inoubliable.

Andy EMLER : “No Solo” (La Buissonne / Pias)

Tout en la respectant, je ne suis guère sensible à la musique d’Andy Emler. Ses arrangements millimétrés pour son MegaOctet me laissent froid malgré les excellents musiciens qui l’entourent. Je n’en crois pas mes oreilles en découvrant ce “No Solo”, voyage musical au sein duquel les compositions du pianiste bien qu’écrites sur mesure pour ses invités, s’ouvrent à l’imprévu et irradient un feeling inhabituel. Ces pièces aménagées comme une suite, Andy Emler les a enregistrées en solo avant de les confier aux musiciens pour lesquelles elles ont été pensées, chacun d’eux rajoutant en re-recording dans un autre studio sa propre partie instrumentale ou vocale. “No Solo”, pas vraiment car les deux premières pièces de l’album, Andy Emler les réserve à son seul piano avant que l’instrument ne donne le jour à des duos et à des trios, à une musique qui s’éveillant à la lumière, devient quasi orchestrale. Les harmonies lumineuses de The Warm Up évoquent les envolées lyriques de “Selling England By The Pound”, l’un des grands disques de Genesis. Une flûte admirable, celle de la syrienne Naïssim Jalal plonge For Nobody dans un bain de douceur. Les voix de l’iranienne Aïda Nosrat, de la malienne Aminata « Nakou » Dramé  que la kora de Ballaké Sissoko accompagne, de Thomas de Pourquery chantant comme Robert Wyatt humanisent une musique sensible et colorée qui devient pure magie lorsque Géraldine Laurent y insuffle son âme, longues et miraculeuses notes de saxophone alto portées par un ostinato de piano envoûtant.

HUMAIR / BLASER / KÄNZIG : “1291” (OutNote / Outhere Music)

Premier disque qu’enregistrent ensemble Daniel Humair (batterie), Samuel Blaser (trombone) et Heiri Känzig (contrebasse), “1291” fait entendre une musique ouverte et inventive jouée sans filet par un trio interactif à l’instrumentation inhabituelle. Samuel Blaser nous est connu pour son éclectisme musical, son jeu énergique. Entre ses mains, l’instrument fait entendre une voix nouvelle, des sonorités inouïes. Le tromboniste tord souvent le cou à ses notes, les fait grogner et crier. Mais c’est aussi un grand mélodiste qui n’hésite pas à actualiser le blues et à dépoussiérer des œuvres de Claudio Monteverdi ou de Guillaume de Machaut comme en témoigne sa discographie. Daniel Humair aime lui aussi les défis, les combinaisons sonores improbables qu’il nourrit d’un drumming très libre. Associée à la contrebasse ronde et puissante d’Heiri Känzig qui pratique aussi un jeu mélodique, sa batterie colore la musique et porte haut le langage expressif du trombone, l’absence d’un piano ou d’une guitare offrant une grande liberté harmonique au trio. Le titre de l’album, fait référence à la Suisse, leur terre natale, fondée en 1291 par un pacte fédéral unissant les cantons d’Uri, de Schwytz et de Nidwald. Outre des compositions originales, le répertoire comprend des pièces d’Edward Kid Ory et de Sidney Bechet (Les Oignons) le grégorien d’un saint neuchâtelois, un cantique et un chant traditionnel suisses (Guggisberglied). Trois jazzmen d’exception nous en livrent des versions modernes et inattendues qu’il faut absolument écouter.  

David LINX : “Skin in the Game” (Cristal / Sony Music)

Ses musiciens  – Gregory Privat (piano), Chris Jennings (contrebasse) et  Arnaud Dolmen (batterie) –, le chanteur les a rencontrés le 14 février 2018, jour de la Saint Valentin, sur la scène de l’Auditorium de Radio France. De ce coup de foudre musical résulte cet opus, l’un des meilleurs enregistrements de David Linx qui, idéalement accompagné, se livre et donne le meilleur de lui-même. Plusieurs morceaux particulièrement réussis, rendent hommage à des femmes qui comptent ou ont compté dans sa vie. Prophet Birds est dédié à la romancière Toni Morrison, Azadi à Aisha Karefa-Smart, la nièce de l'écrivain James Baldwin que David évoque dans la pièce qui donne son nom à l'album, et On the Other Side of Time à l’épouse de Claude Nougaro. Sa voix expressive impressionne par sa justesse, l’émotion qu’elle dégage, les sentiments qu’elle exprime. Invitée sur plusieurs plages, la guitare de Manu Codjia colore très subtilement l’espace sonore. Auteur de ses textes, David s’implique (« Skin in the Game » signifie s’impliquer, se positionner), chante haut et fort la beauté du monde et ses musiques splendidement orchestrées nous la fait approcher.    

Raphaël PANNIER : “Faune” (French Paradox / L’autre distribution)

Agencé comme une seule et grande pièce dont chaque morceau est l’un des éléments, “Faune”, enregistré à New York sous la direction artistique du saxophoniste Miguel Zenón, est le premier disque que le batteur Raphaël Pannier publie sous son nom. Il rassemble des compositions originales habiles et séduisantes (l’étonnant Lullaby porté par l’alto de Zenón), des thèmes écrits par des jazzmen (Lonely Woman d’Ornette Coleman, ESP de Wayne Shorter) mais aussi Forlane de Maurice Ravel et Le Baiser de l’Enfant-Jésus d’Olivier Messiaen qui bénéficient d’arrangements très séduisants et du piano de Giorgi Mikase (présent également dans Monkey Puzzle Tree), Aaron Golberg le jouant dans les autres morceaux. Réduite à un saxophone alto, un piano, une contrebasse et une batterie, l’instrumentation parvient à donner une grande richesse de timbres à ce jazz moderne rythmiquement complexe que soutient avec brio la contrebasse attentive de François Moutin. Une seule réserve, la batterie trop présente laisse peu respirer la musique. Pourquoi constamment saturer l’espace sonore de coups de cymbales, de roulements intempestifs ? Colorer la musique, oui, mais un drive plus discret aurait sûrement mieux convenu à celle, superbe, qu’il a si finement arrangée.

Franck TORTILLER / Misja FITZGERALD-MICHEL :

“Les heures propices” (Label MCO / Socadisc)

Depuis qu’il avait entendu Misja Fitzgerald-Michel interpréter en concert son disque autour de la musique de Nick Drake, “Time of no Replay”, Franck Tortiller souhaitait jouer avec lui. Après avoir tester en quartette la musique d’un album, ils choisirent de l’enregistrer en duo et sans aucune amplification, l’absence d’une section rythmique pour les accompagner leur permettant de retrouver le son naturel de leurs instruments, un son acoustique qui convient parfaitement aux mélodies qu’ils interprètent, un son chaud qu’ont capté avec précision les vieux micros à ruban de l’ingénieur du son Ludovic Lanen. Des compositions originales séduisantes de Franck Tortiller, mais aussi Air, Love and Vitamins écrit par le guitariste autrichien Harry Pepl, aujourd’hui un standard, et une délicieuse version de Redemption Song que Bob Marley enregistra en 1980 en constituent le programme. Utilisant deux guitares (6 et 12 cordes), Misja fait entendre les belles sonorités de ses instruments, son jeu folk et mélodique répondant aux notes cristallines du vibraphone de Franck. Se répartissant avec bonheur des chorus fluides et inspirés, les deux hommes donnent vie à une musique heureuse, reflétant la joie qu’ils éprouvent à la jouer.

Crédits Photos : Andy Emler © Christophe Charpenel – Misja Fitzgerald-Michel & Franck Tortiller © Jean-Baptiste Millot.

“Big Wheel” de Thomas Grimmonprez, je l’ai trouvé d’occasion chez Gibert Joseph quelques jours avant le confinement. “8 Kindred Spirits” de Charles Lloyd et “New Visions” d’Enrico Pieranunzi étaient également commercialisés avant que la Covid-19 ne contraigne les rares magasins qui vendent encore des disques à fermer leurs portes le 17 mars. Me refusant à vous encourager à les acheter sur internet ou sur des plateformes de téléchargement, j’ai préféré attendre leurs réouvertures pour vous en parler. “The Love Songs”, que m’a envoyé le saxophoniste Manuel Hermia, l’un de ses trois cosignataires, est l’un des rares CD que j’ai reçu lors de cette nécessaire réclusion. “Secrets Are The Best Stories” de Kurt Elling et “Freya” de Tineke Postma ont fait l’objet de chroniques dans le numéro d’avril de Jazz Magazine mais ne paraissent que maintenant. “Promontoire”, un projet en solo du pianiste Benjamin Moussay et “Songs For A Flying Man” de l’inclassable Alexandre Saada devaient aussi sortir en avril. Par ordre alphabétique, en voici les chroniques.

Kurt ELLING :

“Secrets Are The Best Stories”

(Edition Records / UVM)

Chanteur au phrasé exceptionnel, Kurt Elling aime poser des mots sur les musiques des autres. Ce nouveau disque, l’un de ses meilleurs, emprunte une partie de son matériel thématique à Jaco Pastorius, Django Bates, Vince Mendoza et Wayne Shorter que Danilo Pérez, le pianiste de cet album, a beaucoup accompagné. Avec Elling, Pérez en a choisi les musiciens. Les deux hommes se connaissent depuis longtemps et les morceaux de Django Bates qu’ils interprètent en duo sont très réussis. Pérez apporte également des compositions sur lesquelles le chanteur, inspiré par la littérature, a mis des paroles. Gratitude est dédié au poète Robert Bly et Beloved à Toni Morrison disparue l’an dernier. Porté par le drumming musclé de Jonathan Blake, le saxophoniste Miguel Zenón y prend un chorus incandescent. Chantée en espagnol, une belle version de Rabo de Nube du chanteur et guitariste cubain Silvio Rodríguez complète le répertoire.

Thomas GRIMMONPREZ :

“Big Wheel” (OutNote / Outhere Music)

Enregistré en quartette, ce disque est le fruit d’une séance pas comme les autres tant l’entente semble avoir été parfaite entre les musiciens. À l’écoute des uns des autres, ces derniers improvisent sur les thèmes simples et chantants du batteur Thomas Grimmonprez qui les rythme de manière à toujours les laisser respirer. Tout en assurant un tempo infaillible, Jérôme Regard réagit constamment aux propositions des solistes. Sa contrebasse (ou celle de Matyas Szandai dans trois morceaux) s’intègre à la riche polyphonie de timbres que tissent le piano de Benjamin Moussay et la guitare de Manu Codjia. Ce dernier qui tire mille couleurs de son instrument est ici particulièrement inspiré. Souvent modale et bien que non dénuée d’une certaine tension dans Sweet Cake et Hypnosis notamment, la musique, aussi rêveuse qu’interactive, provoque un rare bonheur d’écoute.

Manuel HERMIA / Pascal MOHY / Sam GERSTMANS :

“The Love Songs”

(Jazz Avatars / L’autre distribution)

Saxophoniste belge, Manuel Hermia s’intéresse à toutes sortes de jazz mais aussi aux musiques du monde dont il introduit des instruments dans ses disques. Je n’ai pas été convaincu par son récent album avec l’Orchestra Nazionale Della Luna (“There is Still on Earth” sur BMC Records), mais “The Love Songs”, enregistré en trio, est très séduisant. Au programme quelques standards célèbres, des « Love Songs » que les trois hommes interprètent avec tendresse et sensibilité, la musique, rythmée par une contrebasse faussement nonchalante (Sam Gerstmans), se passant très bien de batteur. Manuel Hermia souffle de longues phrases chantantes dans ses saxophones (ténor et alto) et nous offre une version émouvante de Soul Eyes que John Coltrane n’aurait probablement pas reniée. Découvert auprès de Mélanie De Biasio, Pascal Mohy  joue peu de notes mais organise judicieusement ses chorus. I Aime You (de Manuel Hermia) et You Don’t Know What Love is en témoignent.

Charles LLOYD :

“8 – Kindred Spirits Live from the Lobero Theatre”

(Blue Note / Universal)

Le 15 mars 2018, à l’occasion de ses 80 ans, Charles Lloyd réunissait autour de lui les musiciens de son quartette – Gerald Clayton (piano), Reuben Rogers (contrebasse) et Eric Harland (batterie) – et invitait le guitariste Julian Lage et l’organiste Booker T. Jones. La prestation de ce dernier n'est disponible que dans un coffret de luxe en édition limitée qui contient l’intégralité du concert. Le présent disque et le DVD qui l’accompagne en proposent les meilleurs moments, quatre longs morceaux qui suffisent à notre bonheur. Dream Weaver qui donne son nom au premier album Atlantic du saxophoniste bénéficie d’une fascinante introduction modale. La Llorona (un traditionnel), Part 5, Ruminations et Requiem sont souvent joués par le saxophoniste qui les a enregistrés plusieurs fois. On lui pardonnera ses notes approximatives, tant ses improvisations ruisselantes de feeling sont touchées par la grâce.   

Benjamin MOUSSAY :

“Promontoire” (ECM / Universal)

Il utilise souvent de nombreux claviers, mais le piano acoustique reste son instrument de prédilection. C’est sur ce dernier que Benjamin Moussay a enregistré son premier disque en solo, “Promontoire”, qui relève autant du jazz que de la musique classique européenne qu’il a étudiée au Conservatoire de Strasbourg avant de se consacrer au jazz. Soigneusement ciselées et souvent improvisées, ses courtes pièces (des miniatures tant elles sont brèves) révèlent un musicien romantique qui fait chanter les notes des belles mélodies qu’il invente. Associées à des paysages, à des portraits (Théa, celui de sa jeune sœur), elles nous invitent à en imaginer les images. Si trois morceaux de l’album ont été conçus pour accompagner celles de “Nana”, un film muet de Jean Renoir, la montagne reste sa principale source d’inspiration, un pic rocheux du massif des Vosges qui reste cher à son cœur donnant son nom à l’album.

Enrico PIERANUNZI Trio :

“New Visions” (Storyville / UVM)

S’il aime composer des thèmes mélodiques et les faire chanter par son piano, Enrico Pieranunzi apprécie aussi d’être bousculé par des rythmiques qui le poussent au dialogue et à changer ses habitudes. Entendu auprès du trio de Christian McBride, le drumming lourd et musclé du batteur Ulysses Owens Jr. avec lequel il enregistre pour la première fois le conduit à tenir compte des métriques irrégulières que propose ce dernier et à adopter un jeu plus dur et plus tendu. Quant à Thomas Fonnesbæk, il allie une sonorité ample et puissante à des attaques impressionnantes et apporte une seconde voix mélodique à la musique. Ils ont déjà joué et enregistré ensemble – “Blue Waltz” sur Stunt Records en 2017. Que ce soit dans les pièces improvisées de l’album ou dans les délicieuses ballades qu’il contient, leur complicité inventive force l’admiration.

Tineke POSTMA :

“Freya” (Edition Records / UVM)

Septième album de la saxophoniste hollandaise depuis “Sonic Halo” (Challenge Records) enregistré en 2014 avec Greg Osby, “Freya” (déesse de la fertilité germano-scandinave) marque pour elle un nouveau départ. Influencée par sa découverte en 2015 au North Sea Jazz Festival de la formation Made in Chicago de Jack DeJohnette, Tineke Postma imagine une musique ouverte dans laquelle est mis en avant le discours collectif, l’implication des solistes qui y déposent leurs propres idées mélodiques et les font circuler. Si Kris Davis joue du piano dans quelques morceaux, la trompette cuivrée et expressive de Ralph Alessi reste le principal interlocuteur de son saxophone, un alto le plus souvent. Avec eux, Matthew Brewer à la contrebasse et à la basse électrique et Dan Weiss à la batterie tissent une toile rythmique souple et mobile qui encadre mais n’enferme jamais les improvisations, le jeu interactif confié à des musiciens talentueux étant constamment privilégié.

Alexandre SAADA :

“Songs For A Flying Man”

(Labrador / Proper Music Group)

Après un disque réjouissant avec la chanteuse Clotilde Rullaud dans lequel le jazz, la soul music et le folk font bon ménage, Alexandre Saada tourne le dos au jazz et à l’improvisation pour se faire le chantre d’un univers musical aussi séduisant que l’était la pop music sophistiquée des années 60 et 70. Recueil de chansons souvent autobiographiques écrites avec la chanteuse Mélissa Bon, “Songs For A Flying Man” est aussi le fruit d’un minutieux travail de studio. Alexandre Saada sait mettre en valeur les mélodies délicieuses qu’il porte en lui. Une instrumentation à chaque fois différente les habille, ce qui donne à son album une grande variété de couleurs et d’ambiances. Ses nombreux claviers (piano, orgue, clavinet), les guitares électriques et acoustiques de Laurent Brifo, la contrebasse d’Alexandre Perrot et la batterie de Bertrand Perrin sont au cœur d’un dispositif orchestral qui accueille d’autres instruments, proches et ami(e)s contribuant aux parties vocales d’un opus en apesanteur.

Photo : Danilo Pérez & Kurt Elling © Anna Webber

“Weaver of Dreams” de Don Grolnick, “Telepathy” de Bill Stewart, “BlackActionFigure” de Stefon Harris, trois disques Blue Note que vous connaissez peut-être et que je livre à votre attention. D'autres feront l’objet de chroniques la semaine prochaine. Je ne vous communique pas leurs noms pour vous en laisser la surprise. Enregistrés entre 1990 et 1999, mal ou pas du tout distribués dans l’hexagone, ces enregistrements passés inaperçus n’ont jamais existé en vinyle. En attendant que les magasins rouvrent leurs portes et que paraissent les nouveautés discographiques dont les sorties ont été repoussées, je vous propose de les (re)découvrir en deux temps et, si cela vous est possible, de les (ré)écouter.

Don GROLNICK : “Weaver of Dreams” (enregistré en 1990)

Décédé en 1996 à l’âge de 48 ans, le pianiste Don Grolnick n’enregistra que cinq albums, mais participa à quantité de séances avec des jazzmen et des pop stars dont il assurait les claviers. On trouve son nom au générique d’enregistrements de James Taylor, Linda Ronstadt, Paul Simon, Garland Jeffreys, Phoebe Snow, Michael Franks, Boz Scaggs et Steely Dan. Très lié aux Brecker Brothers (il joue sur plusieurs de leurs disques et produisit le premier album de Michael Brecker), il fut aussi le premier pianiste de Steps. “Weaver of Dreams” est son second disque après “Hearts and Numbers” (Hip Pocket Records 1985), et le premier de ses deux enregistrements pour Blue Note, “Nighttown“ (1992) étant presque aussi bon.

“Weaver of Dreams” réunit un septuor de musiciens qui ont déjà travaillé avec lui. Exposant le thème à l’unisson, Randy Brecker (trompette), Barry Rogers (trombone), Michael Brecker (saxophone ténor) et Bob Mintzer (clarinette basse) font merveille dans Taglioni, une frémissante pièce chorale dans laquelle Barry Rogers montre son savoir-faire. Son trombone est également à l’honneur dans His Majesty the Baby que la contrebasse de Dave Holland et les cymbales de Peter Erskine rythment avec souplesse. Musicien de studio et de salsa, Barry Rogers s’éteignit en 1991, moins d’un an après cette session. Composé en 1925, le bientôt centenaire I Want to Be Happy est l’occasion d’un réjouissant lifting. Michael Brecker et Bob Mintzer s’y époumonent à cœur joie. Jouant un piano raffiné, Don Grolnick se fait seulement accompagner par sa rythmique dans Weaver of Dreams, l’autre standard de ce disque dont les arrangements très réussis impressionnent. L’influence de George Russell est perceptible dans les accentuations et les changements de rythmes de Nothing Personnal. Comme dans le lent et crépusculaire Pensimmons, la trompette de Randy Brecker s’envole, son frère Michael se réservant un chorus d’anthologie dans Five Bars, dernière plage d’un album honteusement méconnu.

Bill STEWART : “Telepathy” (enregistré en septembre 1996)

Batteur très demandé pour son sens des nuances et la finesse de son jeu, mais également pianiste, Bill Stewart, né à Des Moines (Iowa) en 1966, a participé à un grand nombre de séances. L’une de ses premières fut pour “Out A Day”, un album en trio du pianiste Franck Amsallem avec Gary Peacock à la contrebasse. La même section rythmique joue sur “Home Row” enregistré en 1992 par le pianiste Bill Carrothers mais commercialisé en 2008. Membre du quartette de John Scofield et du trio du pianiste/organiste Larry Goldings, Bill Stewart a fait peu de disques sous son nom. Si les deux derniers, Incandescence” (2008) et “Space Squid” (2015) sur le label Pirouet ne sont pas ses meilleurs, son premier, “Think Before You Think” (Jazz City 1989) et les deux albums qu’il enregistra pour Blue Note dans les années 90, le second étant “Telepathy, révèlent aussi un compositeur inspiré.          

“Telepathy”, réunit autour de lui Steve Wilson (saxophones alto et soprano), Seamus Blake (saxophone ténor), Bill Carrothers (piano) et Larry Grenadier (contrebasse). Quelques thèmes relèvent du hard bop, Thelonious Monk et Jacky McLean signent deux plages du répertoire mais, composés par Stewart, la plupart des morceaux de l’album possèdent des harmonies inhabituelles et leur cheminement mélodique est souvent inattendu. Wayne Shorter aurait très bien pu les écrire. On pense à lui à l’écoute de Myrnah qui se termine par un court solo de batterie, de These Are They qui abrite de nombreuses dissonances. Son solo de piano semble surgir de nulle part. Bill Carrothers en ralentit le rythme, emprunte des sentiers qui bifurquent pour mieux faire ressortir son aspect onirique. Le pianiste brille aussi dans les deux ballades de l’album, Lyra dont les harmonies flottantes évoquent un paysage brumeux et Calm une invitation au rêve que la contrebasse de Grenadier accompagne. Ce dernier a rejoint le trio de Brad Mehldau et va bientôt se faire connaître. Quant à Carrothers, il est alors quasiment inconnu. Les rares disques qu’il a enregistrés, il les a produit lui-même sur son label. C’est à l’écoute de “Telepathy” que je l’ai découvert. Enthousiasmé par cet album, Dany Michel l’invita quelques mois plus tard à se produire à La Villa, club de la rue Jacob dont il assurait la programmation. Sa carrière ne faisait que commencer.

Stefon HARRIS : “BlackActionFigure” (enregistré en février 1999)

Diplômé de la Manhattan School of Music en 1994, le vibraphoniste Stefon Harris entreprit d’emblée une carrière de sideman. Influencé par Milt Jackson et Bobby Hutcherson –, il remplace ce dernier en 2008 au sein du SF Jazz Collective – il apporte d’autres couleurs et d’autres rythmes à l’instrument. Membre du Classical Jazz Quartet (quatre disques avec Kenny Barron, Ron Carter et Lewis Nash), il a enregistré avec Steve Turre, Joe Henderson (“Porgy & Bess”), Cassandra Wilson, Greg Osby, Jason Moran, Joshua Redman et Kurt Elling (“Man in the Air). Ses propres albums, Stefon Harris les a publiés sur Blue Note jusqu’en 2006. Henri Renaud ne tarissait pas d’éloges sur “A Cloud of Red Dust” (1998), son premier. “Kindred” (2001) est cosigné avec Jacky Terrasson.

Second opus de Stefon Harris pour Blue Note, “BlackActionFigure” rassemble sept musiciens. De ceux qui ont enregistré avec lui “A Cloud of Red Dust”, il garde Steve Turre au trombone, Greg Osby au saxophone alto* et Jason Moran au piano. Un nouveau flûtiste (Gary Thomas qui joue aussi du saxophone ténor) et une nouvelle rythmique – Tarus Mateen à la contrebasse et Eric Harland à la batterie – répondant mieux à son désir d’ouverture musicale, complètent son septuor. Ils ne jouent pas toujours ensemble, “BlackActionFigure” étant pensé et organisé comme une suite, de courts intermèdes en duo et en solo unissant les morceaux. Conversation at the Mess, un duo vibraphone-batterie, introduit ainsi BlackActionFigure, l’une des deux pièces en quartette de l’album, une conversation nerveuse entre le vibraphone et le piano dont la tension est entretenue par la section rythmique. Collage, une composition du pianiste Onaje Allen Gumbs, met en valeur la flûte en sol (alto flute) de Gary Thomas, son long solo s’écartant des barres de mesure pour en poétiser le thème. L’instrument donne à l’arrangement d’Alovi sa couleur chatoyante et se joint au trombone de Steve Turre dans Chorale, une pièce dont le motif mélodique joué à l’unisson  introduit Faded Beauty, ballade à l’orchestration soignée dans laquelle Stefon Harris exprime tout son talent.

*Coproducteur de cette séance, Greg Osby va enregistrer deux mois plus tard pour Blue Note “Inner Circle” avec presque le même personnel.

Don Grolnick © Photo X/D.R.