blog de Choc

Né à New York, Richie Beirach réside à Leipzig, mais aime le Japon, sa culture raffinée, l’extrême politesse de ses habitants. Il s’y est souvent rendu (vingt-six visites depuis les années 70) et affectionne Tokyo, lieu de rencontre du passé et du futur dont il livre ses impressions intimes sous la forme d’Haïkus, courts poèmes visant à cerner l’évanescence des choses par l’ellipse et l’allusion. La musique, le plus immatériel de tous les arts, relève du domaine du sensible, de l’émotion qui déforme et trahit la mémoire. Infidèle, celle de Beirach embellit et transcende ses visions pianistiques. Le regard affectueux qu’il porte sur le Japon est celui d’un improvisateur imprégné de musique classique européenne. Il passa des années à l’étudier avant de découvrir le jazz, accompagner Stan Getz, Chet Baker et devenir le pianiste du groupe Quest. Il possède suffisamment de métier pour éviter les rapsodies jazzistiques dont raffolent les habitants du pays du soleil levant. Le Japon lui inspire des mélodies magnifiques qu'il s'amuse parfois à faire danser, mais aussi de courtes pièces abstraites comme si à travers l’épure, il cherchait à saisir l’essence de ce pays qu’il admire. Ses phrases ne sont jamais chargées de notes inutiles, et si ses doigts courent sur le clavier dans Bullet Train, c’est pour nous transmettre l’impression de vitesse du Shinkansen, le TGV nippon. Dans Cherry Blossom Time dont il égraine les accords cotonneux, les cordes métalliques de la table d’harmonie du piano répondent aux arpèges qu’il fait pleuvoir comme les étincelles d’un feu de Bengale. Ses visions peuvent être de pures sensations musicales. Comment approcher autrement que par l’abstraction le kabuki, la forme épique du théâtre japonais traditionnel ? Comment traduire autrement que par des clusters martelés dans les graves du clavier la tragédie qui frappa récemment la ville de Sendaï ? Richie Beirach introduit son album par une pièce très brève (trente-sept secondes) censée décrire les néons qui, la nuit, éclairent Tokyo comme en plein jour. Il les réduit à quelques notes diaphanes, à la lumière blanche que le prisme n’a pas encore dispersé en spectre coloré. Les couleurs, le pianiste les réserve aux mélodies exquises qu’il invente et qui traduisent l’aspect romantique et lyrique de sa musique. Butterfly s’envole, porté par les ailes fines et légères du lépidoptère. Dédiée à Toru Takemitsu, le plus grand compositeur « classique » japonais du XXe siècle, Takemitsu San traduit la science harmonique du pianiste qui éblouit dans une pièce grave et poignante. Lament for Hiroshima and Nagasaki met les larmes aux yeux, mais Shibumi reste pour moi le joyau de ce disque inoubliable. Bénéficiant d’harmonies raffinées, sa simplicité, sa tranquillité émouvante me touchent profondément.   

Après plusieurs disques en trio ou en double trio avec deux contrebasses et deux batteries dans lesquels Joshua Redman improvise librement une musique austère, le saxophoniste change de cap et aborde en quartette des rivages plus souriants et mélodiques. Sous le nom de James Farm qui est aussi le titre de l’album, il se produit depuis 2009 avec Aaron Parks au piano, Matt Penman à la contrebasse et Eric Harland à la batterie. Le groupe fit ses débuts au festival de Montréal et joua l’année suivante à Paris, Salle Pleyel. Redman, Penman et Harland ont travaillé ensemble au sein du SF Jazz Collective et Parks utilise la section rythmique de James Farm dans “Invisible Cinema” son premier disque Blue Note. La formation a donc eu le temps de peaufiner sa musique en concert avant de l’enregistrer en studio, quatre jours pour en soigner les détails, la sonorité d’ensemble. Outre le piano, Parks utilise des claviers électriques (Prophet et Rhodes), de l’orgue Hammond ou à pompe, du célesta et même un tack piano (piano préparé) dans Coax, composition de Penman qui ouvre l’album. On y découvre une musique arrangée comme peut l’être un enregistrement de pop music. Une attention particulière est ainsi accordée aux mélodies, Eric Harland vocalisant discrètement pour les mettre en valeur. Avant de suivre une carrière de jazzman, Joshua Redman né en 1969 a découvert la musique avec James Brown, Earth Wind & Fire, Led Zeppelin et les Beatles. Il aime le funk et la soul, musiques dont le groove prépondérant fait battre le coeur. L’amateur de jazz pur et dur risque pourtant d’être déstabilisé à l’écoute d’une section rythmique souvent binaire qui, bien que fortement imprégnée de blues et de soul, porte et colore des thèmes simples et chantants qui relèvent du rock et du folk. Parfaitement intégrées à l’écriture musicale dont elles ne sont pas que le simple prolongement, les improvisations qui s’y rattachent font corps avec les thèmes. Avec son Fellowship Band, le batteur Brian Blade adopte un peu la même démarche : incorporer dans une seule et même musique les influences multiples de ceux qui la créent pour la fondre dans un creuset sonore parfaitement identifiable, une musique relevant de si nombreux genres qu’elle en fait tomber les barrières. Tous ici composent, chaque membre du quartette apportant avec lui l’expérience culturelle que sous-entend sa musique. Bijou et Unravel d’Aaron Parks sont deux belles mélodies, mais c’est probablement Low Five de Matt Penman, la dernière plage, qui reste le thème le plus marquant. Piano et contrebasse y chantent de magnifiques harmonies, Joshua Redman au soprano nous conduisant au septième ciel.

Ils se connaissent depuis une dizaine d’années. Olivier Hutman accompagnait Denise King à La Villa, club de la rue Jacob dont s'occupait Dany Michel. C’est conduit par ce dernier au Duc des Lombards en octobre 2009 que j’ai découvert la chanteuse dans un répertoire éclectique au sein duquel jazz, blues et soul faisaient bon ménage. Denise King n’est pas la première venue. Native de Philadelphie, elle s’y est imposée comme un talent incontournable du « Philly Sound » dont les représentants les plus illustres sont Billy Paul, Harold Melvin, Teddy Pendergrass, Patti LaBelle et les O’Jays. Sa voix puissante et chaude vous transporte dans un bain de miel fortement aromatisé. Cannelle et girofle anesthésient les émotions trop fortes que donne un chant trempé dans le gospel et la tradition du chant d’église. Outre un phrasé et une diction impeccables, Denise possède et transmet un feeling énorme. Les frissons vous saisissent et avec eux cette chair de poule que le froid ou l‘émotion provoquent. Aucune comparaison possible avec ces trop nombreuses voix blanches venues du Nord qui envahissent depuis quelques années le paysage jazzistique et laissent de marbre. Denise, il faut la voir sur la scène d’un club mettre le public dans sa poche bien chaude, le prendre par la main pour lui faire chanter des onomatopées, le faire plonger dans sa musique. Je l’ai revue au Duc en juin 2010, toujours avec Olivier, un des rares pianistes français chez qui le blues est parfaitement naturel. Ensemble, ils tournèrent tout l’été, rôdant les morceaux de cet album, leur premier. Les standards qu’il contient - I Got Rhythm, Besame Mucho, That Old Black Magic - vous sont probablement familiers. Nos deux complices proposent aussi des compositions originales aux couleurs et aux harmonies éclatantes. Je pense surtout à Naalaiya, morceau superbement arrangé qui renferme un admirable chorus de ténor d’Olivier Temine. Notre époque décadente produit rarement de vraies mélodies. Sur des textes de Denise ou de Viana, sa charmante épouse, Olivier Hutman y parvient. L’auteur de la magnifique “Suite Mangrove” a depuis longtemps compris que la musique n’est pas une histoire de vitesse, de virtuosité tapageuse et tape à l’œil. Olivier joue avec le cœur dans la tête. On y entend palpiter une musique de chair et de sang, non des suites d’accords abstraits et abscons produits par nos neurones. Elle possède une large palette de couleurs afro-américaines, comme si elle avait été composée là-bas, près du grand fleuve Mississippi. Olivier a le blues dans la peau. Ses notes swinguent, se trémoussent comme des danseuses virevoltant sur le parquet d’un vieux ballroom. September Song est à écouter toute l’année. Ballade rêveuse co-signée avec Denise, Remember est un must d’élégance pianistique et dans Two On the Plane les notes tendres et bleues du piano sont délicatement placées sur une mélodie délicieuse. Modeste, Olivier laisse souvent jouer son saxophoniste, plus convaincant que dans sa propre musique. Denise et lui peuvent sans crainte se reposer sur la contrebasse assurée et rassurante de Darryl Hall qui tient une place importante dans Nuages, l’instrument s’accordant idéalement avec la voix. Batteur au drumming précis et efficace très apprécié des vocalistes, Steve Williams complète une section rythmique on ne peut mieux choisie. Denise King et Olivier Hutman nous offrent un disque plein de joie, de mélodies heureuses qui réaffirment que le jazz est à la fois un art et un plaisir. Souhaitons leur de travailler longtemps ensemble.

Concerts au Duc des Lombards, les 6 et 7 juin.

La première plage s’intitule Confessions to My Unborn Daughter. Ambrose Akinmusire vingt-huit ans l’introduit en solo et fascine par la justesse de ses longues notes détachées, ses tutti, ses phrases mélodiques parfaitement ciselées. Son complice Walter Smith III les prend au vol et les commente au ténor. Harish Raghavan à la contrebasse et Justin Brown à la batterie apportent une trame rythmique souple et musclée à leurs échanges. Gerald Clayton intervient peu dans ce morceau. Beaucoup plus présent dans Jaya dont il s’empare du thème pour improviser, il tempère souvent le jeu fiévreux des souffleurs par de tendres harmonies. Dans Henya, son piano rejoint le Fender Rhodes de Jason Moran, co-producteur de l’album pour ajouter des couleurs, offrir un tapis de notes oniriques à un trompettiste qui met de l’amour dans ses notes et n’exhibe jamais gratuitement sa technique. Ce feeling est bien sûr davantage perceptible dans les ballades de l’album. Outre Henya, le frémissant Regret (no more), un duo piano trompette, déborde de lyrisme et Tear Stained Suicide Manifesto avec Moran au piano possède l’intensité émotive d’un requiem. « Humide et frais, le cœur est comme un miroir » affirme Akinmusire qui pleure parfois à travers sa trompette. C’est le cœur dans la tête qu’il compose et s’exprime, faisant ainsi passer les difficultés techniques et métriques que présente sa musique. Un véritable groupe de musiciens avec lesquels il se produit régulièrement l’accompagne. Ensemble, ils explorent un jazz moderne imprégné de tradition. La formation expérimente, prend des risques, emprunte aux musiques urbaines environnantes. Le trompettiste aime varier les combinaisons instrumentales. Far But Few Between le fait entendre en trio avec sa rythmique. What’s New, seule reprise de l’album, est un autre moment de tendresse qu’il partage avec Clayton. Plus surprenant, Akinmusire utilise sa voix dans My Name is Oscar, morceau dédié à Oscar Grant tué en 2009 à Oakland par un policier alors qu’il n’était pas armé. Cette tragédie, le trompettiste la met en scène le cœur saignant. Un simple accompagnement de batterie en transmet la violence.

Concert le mardi 17 mai (20h30) à la Maison des Cultures du Monde, 101 bd Raspail 75006 Paris, dans le cadre du festival Jazz à Saint-Germain-des-Prés.

Enregistré au Vanguard de New York en décembre 2010, ce concert de Fred Hersch ne possède pas l’intensité de celui qu’il donna en solo au Sunside en octobre dernier devant un public clairsemé, un moment de grâce comme les musiciens sont capables d’offrir lorsqu’ils sentent le public en osmose avec eux. Hersch joue pourtant un piano inspiré, une musique si fluide que l’on ne perçoit pas l’immense technique qu’elle nécessite. Son disque est le dernier set d’un engagement d’une semaine dans le club new-yorkais. Le pianiste y exprime ses sentiments, habille de superbes couleurs harmoniques les standards qu’il reprend et transforme. Le son est malheureusement un peu écrasé ce qui ne facilite pas son écoute. Il faut passer outre et se laisser porter par une musique qui ne dévoile pas d’emblée sa richesse. Fred commence son set par une version romantique d’In the Wee Small Hours of the Morning que des notes perlées enveloppent d’un baume apaisant. Il flatte la belle ligne mélodique de Memories of You d’Eubie Blake par des fioritures exquises, et nous fait tourner la tête avec Echoes qui ruisselle de tendresse. Rythmiquement, le pianiste fascine par son sens du tempo, sa conception très souple du rythme qui lui permet de passer du stride au boogie dans Down Home et Lee’s Dream, ou de jouer une bossa (Doce de Coco) avec un brio sans pareil. Héritant de nouvelles harmonies et d’une cadence inhabituelle, Work de Thelonious Monk devient un morceau presque neuf, et l’on peine à reconnaître Doxy de Sonny Rollins dans une progression d’accords labyrinthiques qui s’achèvent sur un blues. Certaines compositions furent interprétées à Paris : Work dans une version plus monkienne que celle proposée ici, et Pastorale, pièce contrapuntique dédiée à Robert Schumann dans laquelle cohabitent plusieurs lignes mélodiques, morceau aux accords de rêve et au feeling miraculeux.