blog de Choc

Dans les notes de livret qu’il a tenu à rédiger lui-même, Philippe Pilon avoue avoir pris tout son temps pour préparer ce disque, son premier. Il souhaitait y apporter ses propres compositions, en peaufiner les arrangements pour que son album ne soit pas un simple objet de consommation parmi tant d’autres albums oubliables. Philippe a eu bien raison, car il se distingue immédiatement des autres par un swing jubilatoire qui manque à de nombreuses productions actuelles. Non qu’il faille nécessairement associer au jazz le balancement de la syncope - certains disques de jazz moderne ne swinguent pas ce qui ne les empêche pas d’être excellents - , mais à une époque de confusion des genres, l’emploi de cette pulsation souple et (re)bondissante abusivement associée au seul jazz classique (il en marqua certes l’histoire), procure un plaisir indicible. Etrange parcours que celui de ce saxophoniste qui, après une adolescence consacrée au rock, au ska et au reggae, découvre à 18 ans le jazz de Lester Young, avec A Ghost of a Chance - « un choc profond » - qu’il ne pouvait manquer inclure dans son répertoire. Le saxophone, Philippe Pilon le pratique dès sa jeunesse. Il a huit ans lorsqu’il choisit de l’étudier, commence par l’alto puis adopte le ténor. Il enseigne aujourd’hui l’instrument dans différentes écoles et conservatoires et en milieu scolaire. Ce disque a d’ailleurs été enregistré dans le théâtre du centre culturel Athénée de Rueil-Malmaison. Philippe y donne des cours depuis 1997 et s’y sent parfaitement à l’aise. La musique de “Take It Easy” témoigne de cet état d’esprit. Le saxophoniste l’aborde avec douceur et décontraction. Ses phrases élégantes et souples s’attachent à l’esthétique. Hantées par le blues, ses improvisations mélodiques en profitent. Dans son texte, Philippe révèle que ses idées musicales lui viennent en marchant. Il chante et rythme de ses pas les mélodies qu’il invente, trouvant ainsi pour elles le meilleur tempo possible. Avec Pierre Christophe au piano, Raphaël Dever à la contrebasse et Guillaume Nouaux à la batterie, il dispose d’un excellent quartette que complètent dans certaines plages les trompettistes Julien Alour et Jérôme Etcheberry. De bons compagnons de jeu, l’aspect ludique de la musique recouvrant d’un voile pudique les difficultés techniques rencontrées. Le thème qui donne son nom à cet enregistrement est un riff inspiré par un solo de Lester. Egalement composé par Philippe, Sulkin’ se base sur les harmonies de Honeysuckle Rose. Le tempo est vif dans Never too Late et les chorus fiévreux se succèdent jusqu’à la coda. La belle trompette de Julien Alour expose le thème à l’unisson du ténor puis le laisse s’envoler. Celle plus classique de Jérôme Etcheberry s’invite dans trois autres morceaux. Marqué par le blues, Ghost Town et son thème aérien bénéficient d’une walking bass efficace et d’un piano inventif. L’Elfe, calypso au swing irrésistible, donne réellement envie de danser. Musicien caméléon, Pierre Christophe maîtrise blockchords et jeu en single notes, joue aussi bien un piano modal que du blues et du bop et fait merveille dans cette séance. Outre A Ghost of A Chance, superbe ballade qu’interpréta Lester et que chantèrent aussi Billie Holiday et Ella Fitzgerald, ce disque renferme I Found A New Baby et Blue Turning Grey Over You, standards que l’amateur de jazz affectionne. Il permet de découvrir les compositions et le chant d’un saxophoniste que l’on aurait tort d’ignorer.   

Laïka Fatien prend tout son temps pour peaufiner ses albums. Elle a étudié la musique, apprit à chanter le jazz au CIM et à l’IACP, se lançant dans l’aventure au sein du grand orchestre de Claude Bolling. Parallèlement à sa carrière de musicienne et aux trois disques qu’elle a enregistrés sous son nom, Laïka est une comédienne qui a fait ses classes au Théâtre de Chaillot et à la Cartoucherie. Ses deux activités se rejoignent lorsqu’elle trouve à s’exprimer dans des comédies musicales (“A Drum is a Woman“ de Duke Ellington et Orson Welles en 1996) ou lorsqu’elle est Celestina del Sol dans “La tectonique des nuages”, l’opéra jazz de Laurent Cugny qu’elle chante en français et en espagnol, sa langue maternelle – elle est née d’un père ivoirien et d’une mère hispano-marocaine. Dans ses propres disques, elle utilise l’anglais, la langue du jazz et du swing. Elle admire beaucoup Carmen McRae et Billie Holiday dont elle revisite le répertoire dans son second opus, mais ne cherche à imiter personne. Menue et gracieuse comme une danseuse étoile, Laïka parvient à rester elle-même, la relecture des standards qu’elle reprend bénéficiant de sa voix chaude et douce, la chanteuse privilégiant la justesse et la sincérité au maniérisme et aux effets de style. Dans “Nebula”, elle pose ses propres paroles sur des instrumentaux, des musiques de Wayne Shorter (Lost) et Joe Henderson (Black Narcissus), mais aussi sur Isle of Java morceau du saxophoniste Tina Brooks que Jackie McLean interprète avec lui en sextette dans “Jackie’s Bag”. Cet album Blue Note contient Appointment in Ghana, composé par McLean. Laïka le reprend sous le titre de Watch Your Back (attention derrière toi). Rebaptisé Matrix, Think of One de Thelonious Monk hérite d’un arrangement étonnant. Un tempo funky décalé, des rythmes asymétriques accompagnent la voix, la mélodie étant confiée à la guitare de Chris Bruce. L’instrument tient une place essentielle et donne un aspect folk aux ballades, à Imagination notamment (musique de Jimmy Van Heusen, paroles de Johnny Burke. Ella Fitzgerald et Nat “King” Cole en popularisèrent le thème). Laïka chante aussi Stevie Wonder et nous livre une émouvante version de Visions. Meshell Ndegeocello y assure la basse. On lui doit surtout les arrangements très soignés de l’album, un parfait écrin sonore pour la chanteuse qui fait passer ses sentiments dans sa voix, habite ses morceaux, nous les murmure au creux de l’oreille. Ici, le jazz et la soul music se tendent la main, les barrières musicales tombent d’elles-mêmes. Björk et Villa-Lobos se rencontrent. Dans ce disque aux orchestrations très variées, les souffleurs occupent peu de place. Il n’y a pas de saxophone dans Black Narcissus. Claviers électriques et guitare compensent son absence. Oliver Lake (saxophone alto) et Joshua Roseman (trombone) abordent à l’unisson le thème riff d’Isle of Java (rebaptisé Essence) et se répartissent les chorus. Dans Appointment in Ghana, le trombone pose en premier les couleurs du morceau ; l’alto répond à la voix ; la guitare s’associe aux percussions. Le morceau a quelque chose d’évanescent, de nébuleux, comme si la musique surgissait au plus profond d’un rêve.

Evrim Evci m’était parfaitement inconnu avant qu’il ne me fasse parvenir son disque, une autoproduction réunissant quelques musiciens que j’apprécie. Séduit par sa musique et non par le texte de pochette pour le moins rebutant qui l’accompagne, je me suis penché sur sa biographie et appris qu’Evrim, ingénieur de formation et autodidacte touche à tout, avait été rédacteur en chef du site Citizen Jazz. J’ai surtout découvert un talentueux saxophoniste dont les compositions traduisent un réel sens des couleurs et un intérêt pour la forme. On est d’emblée séduit par l’heureux mélange de sonorités qu’apportent le trombone de Sébastien Llado, le soprano d’Evrim et le ténor de Max Pinto, trois vents qui chantent de vraies mélodies, pratiquent l’improvisation collective, soufflent de beaux riffs et prennent de très inventifs chorus individuels. Derrière eux, Marc Buronfosse à la contrebasse et Antoine Banville fournissent des rythmes souples et solides. Ils ont l’habitude de jouer ensemble et assurent de parfaits tempos. Marc joue de bien belles notes dans Albissong, un thème confié au piano de Nico Morelli qui introduit joliment le morceau. Les improvisations de ce dernier sont parfois plus banales, mais au sein de la section rythmique, Nico place des accords judicieux pour en renforcer le groove. Dans la nuit du 11 au 13, un blues au feeling généreux, la guitare de Frédéric Favarel se substitue à son piano pour dialoguer avec les vents et électrifier la musique. J’apprécie moins Whimsical, une pièce dure et abstraite, mais m’enthousiasme pour la pièce suivante, Ne m’aime pas, dont le thème évoque Útviklingssang de Carla Bley (“Social Studies”). Sébastien Llado en est l’homme clef. Son chorus de trombone lui confère sa chaleur. Llado souffle aussi dans des conques pour poétiser Endeka, autre composition mélodieuse de l’album. Entre-elles, Evrim Evci place des morceaux plus funky. Son soprano commente avec éclat Dans la nuit du 11 au 13 et dialogue avec le ténor de Max Pinto dans Heckyll & Jyde. La dernière plage du disque, la plus longue, Zacatin, accueille le chanteur kurde Issa Hassan. Son bouzouki double les notes du thème, improvise et donne un aspect oriental à la musique. “Hétérotopos” : du grec topos (lieu) et hétéro (autre), un lieu autre, un disque à l’alchimie capiteuse dont il émane une belle lumière.

Difficile d’ignorer le nouveau disque de ces trois-là. Chick Corea, Stanley Clarke et Lenny White connurent gloire et fortune dans les années soixante-dix avec Return to Forever. Avant de devenir l’un des groupes phares du jazz fusion, il est bon de rappeler qu’à l’origine RTF distillait un jazz métissé de musique brésilienne et de rythmes latins. Leurs deux premiers disques sont dans cette veine. Corea joue seulement du Fender Rhodes et White n’a pas encore rejoint la formation qui, outre Corea et Clarke, comprend la chanteuse Flora Purim, le saxophoniste flûtiste Joe Farrell et le batteur percussionniste Airto Moreira. Lorsque ces derniers quittent le groupe en 1973, Corea, Clarke et White tentent l’aventure en trio. Pendant quelques mois, ils jouent du jazz acoustique dont on ne possède malheureusement aucun enregistrement. Un soir, à San Francisco, deux guitaristes les rejoignent sur la scène du Keystone Korner. Le succès qu’ils rencontrent les conduisent à électrifier de manière beaucoup plus radicale leur musique, Corea se remet au Fender et adopte le synthétiseur. Ils engagent aussi un guitariste, Bill Connors, brièvement remplacé par Earl Klugh, puis par Al Di Meola en 1974. Avec ce dernier, RTF fait le plein de concerts et de tournées mondiales. Dissout en 1977, il s’est reconstitué en 1983 et plus récemment en 2008.

Malgré son titre ambigu, “Forever”, double CD au minutage copieux, n’est pas réellement un disque de RTF. Il renferme le premier enregistrement acoustique que les trois hommes publient sous leurs trois noms. Point de fusion donc, mais du jazz, les meilleurs moments d’une tournée « unplugged » effectuée en 2009 qui ne manquent pas de panache. Corea apporte No Mystery qui donne son nom à un album célèbre de RTF, Señor Mouse qu’il joua souvent en duo avec Gary Burton, mais aussi Windows qui se trouve dans “Now He Sings, Now He Sobs”, son premier disque. En complète osmose, le trio reprend aussi avec enthousiasme une poignée de standards, On Green Dolphin Street, Waltz for Debby et Hackensack. Utilisant une large palette harmonique, Chick Corea joue avec un brio phénoménal un piano dynamique, lyrique et volubile. Lenny White surprend par sa compréhension d’un jazz ternaire qu’il rythme et maîtrise à la perfection. D’une justesse parfaite, les notes que Stanley Clarke fait naître forment un tissu mélodique qui enveloppe le piano. Il fait sonner magnifiquement ses cordes et utilise l’archet avec sûreté dans La Canción de Sofia, sa propre contribution au répertoire de ces concerts. Nos trois lascars exhibent parfois un peu trop leur technique, mais cette dernière reste toujours au service d’une musique conséquente qui pèse son poids de belles notes.

Plus électrique, le deuxième disque est principalement la répétition en studio d’un concert que les trois hommes donnèrent à l’Hollywood Bowl de Los Angeles pour lancer leur tournée de 2009. La chanteuse Chaka Khan, le violoniste Jean-Luc Ponty et Bill Connors, le premier guitariste de RTF, ont été conviés à les rejoindre. Ce dernier joue dans After the Cosmic Rain et Space Circus deux des morceaux de “Hymn of the Seventh Galaxy” le seul disque de RTF dans lequel on entend sa guitare. Ponty intervient dans ces deux titres, ainsi que dans I Love You Porgy que chante Chaka Khan, Armando’s Rhumba et Renaissance, une de ses compositions. Son violon s’intègre idéalement à la musique, lui apporte une plus grande diversité de couleurs. Il éclairait déjà la version originale d’Armando’s Rhumba incluse dans “My Spanish Heart” (1976), le disque de Corea le plus proche de ses racines hispaniques. Captain Marvel est joué en trio avec ce dernier au Fender Rhodes, et Señor Mouse en quartette avec Connors. On comparera les versions de ce double CD, toutes deux excellentes. Accompagné par Lenny White, Chick Corea improvise sur Crescent de John Coltrane. Comme dans Armando’s Rhumba, il utilise un piano acoustique. Il en joue aussi dans une reprise époustouflante de 500 Miles High enregistrée en trio avec Clarke et White le 30 septembre 2009 au Monterey Jazz Festival, douze minutes d’un jazz virtuose que les amateurs apprécieront.

Photo © Tailor Cruthers, courtesy of Universal Records

Treize Chocs sur plusieurs centaines de nouveaux enregistrements édités cette année, les choisir n’a pas été simple, même si les œuvres fortes ne sont pas si nombreuses. Ceux d’entre-vous qui me lisent régulièrement se sont probablement rendu compte que je chronique souvent des disques de piano solo. J’aime tout particulièrement l’instrument et il m’a été difficile d’écarter de cette sélection “Precipice” de Denny Zeitlin, “Alone” de Marc Copland, “Memories of Paris” d’Eric Watson et les “Solo” de Vijay Iyer et de Mulgrew Miller, ce dernier un enregistrement d’octobre 2000, à mettre entre toutes les mains. Estimant déraisonnable d’attribuer une majorité de ces Chocs 2010 à des pianistes jouant en solo, j’ai souhaité diversifier ce palmarès, y faire entrer d’excellents albums de musiciens moins médiatisés dont je suis de près la carrière. Si Edouard Bineau semble enfin sortir de l’ombre avec son “Wared Quartet”, Choc de l’année Jazz Magazine / Jazzman, il m’a paru bon de mettre en avant les magnifiques enregistrements de Lucian Ban et John Hébert sur Enesco, de Patrick Favre en trio et du Marc Buronfosse Sounds Quartet, une autoproduction méritant une large distribution. J’ai hésité à inclure le “Solo Piano at Schloss Elmau” de Vladyslav Sendecki, musicien presque inconnu en France qui officie à Hambourg au sein du NDR Big Band. Ce palmarès ne contient donc qu’un seul disque en solo, celui de Geri Allen. Les pianistes y restent fort nombreux, mais entre Charles Lloyd, musicien célèbre et Tord Gustavsen, pianiste encore trop peu présent sur les scènes françaises, (deux artistes ECM auteurs cette année d’excellents opus), le second mérite un coup de pouce, une aide supplémentaire que le premier n’a nul besoin. Je vous laisse le soin de découvrir ces Chocs et de les commenter s’il l’envie vous en prend. Je vous rappelle également que cette chronique est la dernière de l’année. Le blogdechoc sommeillera jusqu’aux premiers jours de janvier. Bonnes fêtes à tous et à toutes.  

Douze albums dont un double…

-Geri ALLEN : “Flying Toward the Sound” (Motema) S’inscrivant sous le triple patronage de Cecil Taylor, McCoy Tyner et Herbie Hancock, cette suite en solo particulièrement ambitieuse en huit mouvements apparaît comme une des grandes réussites de la pianiste. Cette dernière donne corps et âme à une musique solidement construite et structurée par un discours lyrique, virtuose et impétueux. Percussif, abstrait, polyphonique et orchestral, son jeu pianistique intense et inspiré n’a jamais autant impressionné. Chroniqué dans le blogdechoc le 26 novembre

-Lucian BAN & John HEBERT : “Enesco Re-imagined” (Sunnyside / Naïve) Avec l’aide de six musiciens exceptionnels, le pianiste Lucian Ban et le contrebassiste John Hébert relisent sous l’angle du jazz quelques œuvres du compositeur roumain Georges Enesco (1881-1955). Parmi elles, deux des mouvements de sa sonate pour violon et piano “dans le caractère populaire roumain” élargis à tous les membres de l’orchestre. Bénéficiant d’une instrumentation neuve, les délicates mélodies d’Enesco bénéficient de somptueux écrins orchestraux et revivent de manière inattendue. Chronique en janvier 2011 dans Jazz Magazine / Jazzman (Choc)

-Edouard BINEAU : “Wared Quartet”  (Derry Dol / Socadisc) L’arrivée de Daniel Edermann aux saxophones transformant son trio en quartette, Edouard Bineau se retrouve enfin sous les feux des projecteurs jazzistiques. Le pianiste compose toujours des mélodies accrocheuses, reprend deux thèmes de “L’obsessioniste” et revient au blues qu’il jouait dans sa jeunesse. Musicien invité, Sébastien Texier joue du saxophone alto dans trois morceaux et  Erdmann dynamise une musique plus agressive et musclée qui conserve tout son lyrisme.  Chroniqué dans Jazz Magazine/Jazzman n°619 – novembre (Choc)

-Marc BURONFOSSE Sounds Quartet : “Face the Music” (MBSQ) Cette autoproduction disponible dans certaines Fnac parisiennes est une des meilleure surprise de l’année. On savait Marc Buronfosse excellent contrebassiste; on ignorait son talent à composer des thèmes, à peindre des paysages oniriques avec de si belles couleurs. Encadrés par une section rythmique mobile et réactive (Marc Buronfosse et Antoine Banville), le piano acoustique et les synthétiseurs de Benjamin Moussay et les et saxophones de Jean-Charles Richard mêlent leurs sonorités, dialoguent et inventent. Chroniqué dans le blogdechoc le 21 mai

-Laurent CUGNY : “La tectonique des nuages” (Signature / Harmonia Mundi) Plusieurs années de travail, un enregistrement étalé sur deux ans, le grand œuvre de Laurent Cugny se voit enfin pérennisé par le disque plus de quatre ans après sa création. J’en ai récemment encensé la musique, saluant les performances exceptionnelles des chanteurs (David Linx éblouissant) et de Laïka Fatien, mais aussi les superbes interventions des solistes et les magnifiques couleurs que Laurent a posées sur ses thèmes, les rendants inoubliables. Chroniqué dans le blogdechoc le 9 décembre

-Benoit DELBECQ : “The Sixth Jump” (Songlines / Abeille Musique) Difficile de choisir entre deux albums publiés simultanément, “Circles and Calligrams”  en solo et ce disque en trio, le premier que sort Benoît Delbecq. Enregistré avec Jean-Jacques Avenel et Emile Biayenda, “The Sixth Jump” présente un aspect très africain. Spécialiste du piano préparé, Benoît fait sonner son instrument comme un balaphon, improvise sur les métriques inhabituelles que tissent la contrebasse et la batterie, longs fils d’une musique envoûtante primée par l'Académie Charles Cros. Chroniqué dans le blogdechoc le 15 octobre

-Patrick FAVRE : “Humanidade” (AxolOtl Jazz/Frémeaux & Associés) Trois albums en trio salués par la presse n’ont toujours pas suffi à faire connaître le discret pianiste avignonnais d’un large public. Après “Danse Nomade” (2003) et “Intense” (2006), Patrick poursuit son inlassable et exigeante quête mélodique avec “Humanidade” enregistré avec Gildas Boclé à la contrebasse et Karl Jannuska à la batterie. Le son, l’harmonie, l’émotion sont au cœur d’une musique sensible et profonde que les parisiens pourront découvrir au Sunside le 20 janvier prochain. Chroniqué dans Jazz Magazine/Jazzman n°611 - février (Choc)

-Tord GUSTAVSEN Ensemble : “Restored, Returned” (ECM / Universal) Après trois albums magnifiques en trio pour ECM, le pianiste norvégien élargit sa formation et y intègre le saxophoniste Tore Brunborg et la chanteuse Kristin Asbjørnsen dont la voix chaude et éraillée fait merveille. Le gospel, le blues, les vieux cantiques protestants nourrissent cette musique intimiste. Tord privilégie la mélodie, accorde beaucoup d’importance au silence et à la respiration de chacune de ses notes. Celles que contient cet opus en quintette sont les grains d’or des blés d’un bel été. Chroniqué dans Jazz Magazine/Jazzman n°611 - février (Choc)

-Fred HERSCH Trio : “Whirl” (Palmetto / Codaex) Le disque d’un miraculé, le premier enregistré par le pianiste après la sortie de son coma. En trio avec John Hébert et Eric McPherson, Hersch s’abandonne et joue des phrases étonnamment fluides et poétiques, fascine par ses choix harmoniques et les couleurs de son piano. Il n’a plus rien à prouver, a donné le plus beau concert de l’année et affirme magnifiquement son retour dans ce recueil de standards et de compositions personnelles dédiées à des amis, des artistes qu’il admire et célèbre. Chroniqué dans Jazz Magazine/Jazzman n°617 - septembre (Choc)

-José JAMES & Jef NEVE : “For All We Know” (Impulse ! / Universal) Dans le domaine du jazz vocal, l’année qui s’achève fut un bon cru. Le disque enregistré par José James et Jef Neve m’a toutefois particulièrement séduit. Le nom du premier n’évoque pas grand-chose à l’amateur de jazz. Ses propres albums sont plus proches de la soul et du hip-hop. Malgré une tessiture un peu limitée, sa voix de baryton douce et suave s’accorde parfaitement au piano qui l’accompagne. Adoptant un jeu sobre, jouant des harmonies aux couleurs délicates, Jef Neve se révèle beaucoup plus convaincant que dans ses propres disques.Chroniqué dans le blogdechoc le 25 juin

-Paul MOTIAN Trio : “Lost in a Dream” (ECM / Universal) Batteur inventif, Paul Motian affranchit l’instrument de sa fonction rythmique pour lui faire chanter et moduler des sons. Grand compositeur de thèmes, il en confie les notes poétiques aux musiciens des orchestres avec lesquels il expérimente inlassablement de nouvelles combinaisons sonores. Dans ce disque enregistré au Village Vanguard en février 2009, le saxophoniste Chris Potter et le pianiste Jason Moran donnent espace et relief à ses mélodies, les servent avec une imagination et un lyrisme qui en décuplent la beauté. Chroniqué dans le blogdechoc le 20 avril

-Junko ONISHI : “Baroque” (Verve / Universal) Pianiste virtuose et audacieuse, la japonaise Junko Onishi confirme son retour avec ce disque enregistré en sextette à New York avec trois solides souffleurs (Nicholas Payton, Waycliffe Gordon et James Carter) et la section rythmique de ses enregistrements au Vanguard, Reginald Veal et Herlin Riley. Baignant dans le blues et le gospel, “Baroque” est un hommage sincère à Charles Mingus, mais aussi à Jaki Byard, Eubie Blake, Sir Charles Thompson et Thelonious Monk. Chroniqué dans Jazz Magazine/Jazzman n°619 - novembre

Et un coffret de trois disques…

-Dave DOUGLAS & KEYSTONE : “Spark of Being” (Greenleaf / Orkhêstra) Ce coffret contient la bande-son d’un film expérimental réalisé par le cinéaste Bill Morrison sur le mythe de Frankenstein et les recherches sonores du trompettiste Dave Douglas autour de ce projet. Le trompettiste a beaucoup travaillé les effets sonores des trois disques, entrelaçant les sonorités électriques et les instruments acoustiques d’une musique modale qui doit beaucoup au Miles Davis électrique de “Bitches Brew”. L’énorme travail de post-production réalisé au mixage -  ajout de séquences de musique concrète et électronique conçues sur ordinateur - parachève l’aspect novateur de cette somptueuse tapisserie de sons. Chroniqué dans le blogdechoc le 5 novembre

Photo © Pierre de Chocqueuse