blog de Choc

Récipiendaire en 2008 d’une bourse de la fondation Guggenheim (John Simon Guggenheim Fellowship Award for Music Composition), la pianiste Geri Allen a passé un an (entre avril 2008 et avril 2009) à préparer son quatorzième album, un enregistrement en solo particulièrement ambitieux qui risque de faire date. Il s’inscrit sous le triple patronage de Cecil Taylor, McCoy Tyner et Herbie Hancock, trois pianistes de jazz moderne qui ont ouvert des portes, donné d’autres fonctions, d’autres couleurs à l’instrument. Bien que reconnaissant sa dette envers ces maîtres qui l’ont inspirée, Geri Allen loin de rejouer leur musique, l’éclaire sous une autre lumière, à travers le prisme sonore de ses compositions. Les huit premiers morceaux du disque constituent une suite de huit réfractions. Le terme réfracter se dit d’un rayon lumineux dont la direction a été modifiée par le passage d’un milieu transparent dans un autre. Geri Allen emploie ce mot à dessein. La musique des trois hommes a jalonné son parcours artistique. Elle survit réfractée dans son piano, comme un écho. Détentrice d’un master d’ethnomusicologie, Geri Allen a étudié non seulement le jazz et ses racines, mais encore la musique de l’Inde et de l’Afrique. Sa musique pianistique est un fleuve impétueux chargé d’histoire qui brasse et réunit de nombreux styles et courants musicaux. Le titre de l’album (Volant vers le son) implique cette idée de voyage, de déplacement et doit être entendue comme une métaphore. Consacrant les trois premières pièces de sa suite à trois pianistes qu’elle affectionne, elle leur emprunte des éléments stylistiques et médite sur leur musique, matière première de ses propres visions. Son piano se fait percussif, abstrait et polyphonique dans Dancing Mystic Poets at Midnight dédié à Cecil Taylor. Il devient orchestral dans Red Velvet in Winter (pour Herbie Hancock) et Flying Toward the Sound pour McCoy Tyner dont elle emprunte la sonorité brillante, le jeu ornemental. D’une durée de seize minutes, GOD’s Ancient Sky reste la pièce maîtresse de l’oeuvre. La pianiste enchevêtre plusieurs thèmes, esquisse des mélodies qu’elle enrichit d’harmonies, de phrases inattendues. Sa main gauche puissante rythme ses visions musicales, donne assise à une musique dynamique et solidement charpentée. Sa main droite, joue de longues phrases fluides, pose les couleurs d’un voyage musical et spirituel. Dédié à son fils Wally, un jeune et talentueux musicien, Your Pure Self (Mother to Son) conclut la partie audio du CD. Il contient de courts extraits vidéo de trois des morceaux de l’album, des images poétiques de la réalisatrice Carrie Mae Weems qui a collaboré avec la pianiste pour créer un film sur sa vie de musicienne afro-américaine. Le texte du livret rédigé par l’universitaire Farah Jasmine Griffith, auteur de l’une des meilleures études publiées sur Billie Holiday, éclaire la démarche artistique d’une jazz woman incontournable. CD disponible sur www.motema.com

PHOTOS © Carrie Mae Weems/ Motema Records

Chroniquer tous les disques que je reçois étant tâche impossible, cette rubrique sélectionne les meilleurs et permet d’en parler. Beaucoup d’albums sont publiés en novembre, assez peu en décembre, mais les vraies réussites sortant du lot sont plutôt rares. La technique ne compense pas la pauvreté des idées musicales. Découvrir de la musique originale n’arrive pas si souvent, même si ma discothèque gonfle chaque année d’une trentaine d’enregistrements que je ne me lasse pas d’écouter.  

-Dans “Sotho Blue” enregistré avec les sept musiciens d’Ekaya, on retrouve les vraies couleurs de la musique d’Abdullah Ibrahim, alias Dollar Brand, musicien à nouveau inspiré. Le pianiste excelle dans les ballades (Sotho Blue), laisse improviser ses souffleurs et les rassemble pour exposer les thèmes, leur donner une forme chorale (The Wedding). Jouée par une formation réduite, la musique conserve sa dimension orchestrale. Une section rythmique, trois saxophones (alto, ténor et baryton), un trombone, l’altiste jouant parfois de la flûte, suffisent à embellir les mélodies lyriques du pianiste qui s’inspire de la musique traditionnelle de son pays, l’Afrique du Sud, pour composer une œuvre originale résolument personnelle. (Intuition / Integral Distribution. Sortie le 25 octobre) 

-Recueil de chansons aux orchestrations minimalistes, le nouveau disque de Sophia Domancich risque de surprendre l’amateur de jazz qui affectionne le trio DAG et attend de la pianiste une musique d’avant-garde. “Snakes and Ladders” (un jeu de société d’origine indienne connu sous le nom de Moskcha-Patamu) réunit dans le même album John Greaveset Robert Wyatt. Crédité aux percussions, Ramon Lopez prête également sa voix à un morceau latino totalement inattendu. D’autres invités traversent cet enregistrement fascinant de simplicité, de musicalité, et qui regorge de mélodies subtiles finement arrangées. Simon Goubert assure les parties de batterie. Jef Morin et Louis Winsberg se partagent les guitares, Sophia jouant du piano et toutes sortes de claviers. Cette suite inclassable de miniatures sonores proches du rock et de la pop anglaise des années soixante et soixante-dix risque d’être diversement accueillie. Tant pis pour les grincheux. (Cristal Records / Harmonia Mundi. Sortie le 4 novembre)

-Intitulé “Pour”, le nouvel opus du Jean-Philippe Viret trio ressemble beaucoup au précédent qu’il prolonge comme le second volet d’un diptyque. Not Yet, sa première pièce fait penser à Peine Perdue, composition ouvrant “Le Temps qu’il faut”. La barge rousse, une pièce évoquant le voyage de cet oiseau migrateur a été improvisée en studio, mais le disque est surtout un minutieux exercice d’écriture, un travail sur la forme riche de nuances et de contrastes. On retrouve avec plaisir les complices du contrebassiste, le pianiste Edouard Ferlet et le batteur Fabrice Moreau. Leur jazz de chambre délicat et tendre ne manque pas d’élégance. (Mélisse / Abeille Music. Sortie le 15 novembre)

-Après “Loverly” un album moins convaincant dans sa déjà longue discographie, Cassandra Wilson revient au meilleur de sa forme dans “Silver Pony”, opus mêlant des extraits de concerts enregistrés en Europe et des titres studio. Cassandra chante le blues (Saddle up my Pony de Charlie Patton, Forty Days and Forty Nights de Muddy Waters) reprend deux extraits de “Loverly” et leur donne un tout autre souffle. Avec elle de formidables musiciens dont le fidèle Marvin Sewell à la guitare, mais aussi Reginald Veal à la contrebasse et Herlin Riley à la batterie, tous deux assurant la section rythmique de la pianiste Junko Onishi dans “Baroque“. Les grands moments abondent avec une version funky de Blackbird, Watch the Sunrise qu’elle chante avec John Legend, le saxophoniste Ravi Coltrane officiant dans Silver Moon, la pièce maîtresse de cet album. (Blue Note / EMI. Sortie le 8 novembre)

-Le trio de Giovanni Mirabassi enregistré en public. “Live at Blue Note Tokyo” ne contient que des compositions originales. Les meilleurs morceaux sont signés par le contrebassiste Gianluca Renzi et le batteur Leon Parker, déjà partenaires du pianiste dans les albums “Terra Furiosa” et “Out of Track”. Les thèmes un peu fades de Mirabassi génèrent toutefois des improvisations qui captent l’attention. On aurait aimé entendre le pianiste interpréter quelques standards, cultiver un autre jardin que le sien, mais le groupe bien soudé se lâche davantage qu’en studio et nous offre un jazz moderne pour une fois consistant. (io! Discograph / Wagram. Sortie le 15 novembre)

-Originaire de Cluj (Roumanie) et vivant à New York, le pianiste, arrangeur et compositeur Lucian Ban a écrit de nombreuses œuvres pour des ballets, des films et des pièces de théâtre. En 2008, il enregistre avec le saxophoniste Sam Newsome et quelques musiciens “The Romanian-American Jazz Suite” qui tente de marier la musique folklorique roumaine avec le jazz. Projet beaucoup plus ambitieux, “Enesco Re-Imagined”, réunit un casting exceptionnel. Ralph Alessi (trompette), Tony Malaby (saxophone ténor), Mat Maneri (violon alto) Albrecht Maurer (violon), John Hébert (contrebasse et co-leader de l’album), Gerald Cleaver(batterie), Badal Roy (tablas et percussions) et Ban lui-même au piano offrent de véritables écrins orchestraux à quelques-unes des œuvres du compositeur roumain Georges Enesco (1881-1955). Parmi-elles, deux des mouvements de sa sonate pour violon et piano “dans le caractère populaire roumain” élargis à tous les membres de l’orchestre. Les nouveaux arrangements de Ban et Hébert regorgent d’idées, de rythmes et de couleurs. Jouer ces œuvres en concert (le disque a été enregistré live à Bucarest) permet aux musiciens d’improviser sur des thèmes magnifiques et de les tremper dans le grand bain du jazz. (Sunnyside / Naïve. Sortie le 16 novembre)

-Après un disque très Flower Power non dépourvu de charme (“Panic Circus”), Alexandre Saada sort un album de piano solo, son premier. On y découvre un musicien sensible qui a choisi de nous faire partager son goût pour l’harmonie. Largement improvisé, “Present” n’a rien d’un exercice de virtuosité. Le pianiste prend même tout son temps pour décrire le paisible univers intérieur dans lequel il nous invite à entrer. Cet opus, le quatrième de son auteur, séduit par ses couleurs, ses climats impressionnistes. Il contient une délicieuse plage cachée et mérite une écoute attentive. (Promise Land / Codaex. Sortie le 25 novembre)

-Installé à Nantes, François de Larrard fait peu parler de lui. Cet ingénieur, docteur en génie civil mène de front une double carrière. Récipiendaire du prix spécial du jury du concours de la Défense en 1982, ce passionné de musique baroque auteur de nombreux albums aime aussi jouer en solo ses propres compositions, des mélodies harmonisées sur lesquelles il improvise, se plaisant par ses variations à en modifier l’éclairage. Dans “Zoo”, son troisième opus en solo, François utilise sa main gauche pour évoquer une cage dans laquelle un animal tourne en rond, la droite associée à son esprit exprimant souvenirs, rêves et désirs du captif. Chaque cage contient un animal différent. Ce sont ainsi d’autres ostinato, d’autres mélodies qui surgissent, l’auditeur se voyant offrir un certain nombre de pièces descriptives - (Rose fait des courses, Folk Song, Mayo), tout au long de sa promenade musicale. Un disque très attachant. (Yolk. Sortie le 1er décembre)

-Opéra jazz de Laurent Cugny adapté d’une pièce de l’écrivain portoricain José Rivera, “La Tectonique des nuages” est LE disque événement de l’année. David Linx, Laïka Fatien et Yann-Gaël Poncet (l’auteur des textes des chansons) assurent toutes les voix. Autour d’eux un ensemble de dix musiciens et non des moindres (Pierre-Olivier Gauvin, Thomas Savy, Nicolas Folmer, Denis Leloup, Phil Abraham, Eric Karcher, Frédéric Favarel, Lionel Suarez, Jérôme Regard, Frédéric Monino, Frédéric Chapperon et Laurent au piano) multiplient les combinaisons instrumentales, rythment et posent de superbes couleurs sur la musique. On peut suivre les péripéties de cette histoire en un seul acte et d’une durée de deux heures dans le livret de cinquante pages qui accompagne les CD. Le son d’une exceptionnelle qualité sert des arrangements de toute beauté. Je réécoute Eva, J’ai fouillé Los Angeles, mes morceaux préférés, sans jamais m’en lasser. Le coffret renferme également un DVD audio Blue-ray contenant le mixage de la musique en 7.1 pour le home cinéma - sept sources sonores et un caisson de basses. (Signature / Harmonia Mundi. Sortie le 2 décembre)

Enregistré en public en avril 2007, “Rabo de Nube” , le précédant disque de Charles Lloyd,  reflète imparfaitement la valeur des musiciens qui l’entourent. Depuis peu avec le saxophoniste, Jason Moran, Reuben Rogers et Eric Harland connaissent encore mal sa musique. Bien différent est “Mirror”, un album studio dans lequel ils développent un solide jeu collectif et interactif. Lloyd joue souvent les mêmes morceaux dans des versions toujours différentes et les enregistre plusieurs fois. Il reprend ici des thèmes qui nous sont familiers pour les relire différemment. Go Down Moses, The Water is Wide et Lift Every Voice bénéficient de nouveaux arrangements, se parent d’habits neufs qui les rendent aussi attractifs que s’ils venaient de naître. Discret, faisant souvent taire son piano, Jason Moran guette les bons moments pour ajouter des couleurs harmoniques, jouer une pédale, répondre au saxophone ou enrichir la musique de notes inattendues. Une paire rythmique d’une souplesse exceptionnelle assure un subtil contrepoint rythmique aux vagabondages poétiques des solistes. Dans Caroline, No un des plus beaux morceaux de “Pet Sound” (des Beach Boys), Lloyd enroule tendrement ses notes autour de la mélodie réharmonisée. Avec l’âge, ses chorus moins longs semblent flotter dans l’espace comme si de grandes ailes les portaient vers l’azur. Il peine un peu à trouver sa sonorité, ce vibrato très ample auquel il nous a habitué. Il ne joue pas toujours très juste dans La Llorona ou dans la version très dépouillée de I Fall in Love Too Easily, mais son immense feeling n’a jamais été aussi perceptible que dans cet album. Son chant apaisé est une bouffée d’air frais, le souffle d’une respiration intérieure et mystique. Dans Tagi, un raga d ‘une dizaine de minutes, il nous invite à trouver le bonheur dans la paix et nous fait partager la douceur d’une méditation modale qui ressemble à un rêve.

Deux disques de Benoît Delbecq paraissent simultanément : “The Sixth Jump“, son premier album en trio et “Circles and Calligrams“, un enregistrement de piano solo. Les deux opus ont des titres en commun (Ando, Le sixième saut). Leurs pochettes sont également semblables : même graphisme et typographie, un cercle inachevé sur fond bleu nuit pour “The Sixth Jump“, sur fond blanc pour “Circles and Calligrams“. Tous deux contiennent d’anciennes compositions de Benoît. Le même jour a déjà fait l’objet de trois enregistrements. Benoît Delbecq a fait la connaissance d’Emile Biayenda lors d’une tournée en Afrique en 1994. Il tient la batterie dans “Phonetics“ (2003) et ne joue pas comme un batteur de jazz. Originaire du Congo, le pays des pygmées Aka, il installe des métriques inhabituelles et tisse avec la contrebasse de Jean-Jacques Avenel des cycles polyrythmiques d’aspect mélodique, leurs rythmes se mêlant à des timbres très travaillés. Le piano préparé de Benoît peut se transformer en instrument de percussion, sonner comme un balaphon. Emile Biayenda utilise deux caisses claires, deux calebasses dont l’une remplie d’eau, et un shaker de poignet est fixé à la batte de sa grosse caisse. Tant sur le plan du rythme que de la couleur, la musique du trio, intuitive et souple, présente un aspect très africain. Dans Ando contrebasse et batterie font tourner un ostinato, le piano improvisant à la manière d’un ngoni, sorte de harpe à chevalet mandingue. Déjà présent dans “Pursuit“ (1999), Jean-Jacques Avenel se passionne pour cette musique traditionnelle. Dans Aka, il fait chanter des lignes de basses serrées comme les mailles d’un filet. Le piano préparé et les percussions donnent également un fort parfum mélodique à cette pièce fascinante. Introduit par la contrebasse mélodique d’Avenel, Letter to György L. reste ancré dans une approche européenne du jazz et Piano Page est un piano solo.

Ce qui nous ramène à“Circles and Calligrams“, un disque en solo élaboré en Italie près de Pérouse, et conçu comme un set de concert. « Environ la moitié des morceaux a été créée sur place. Je ne pouvais pas en six semaines produire un set entier de choses nouvelles. J’ai ainsi passé du temps à revoir d’anciennes compositions. » Benoît a bien sûr soigneusement préparé son instrument, placé dans certaines cordes divers morceaux de bois ou des gommes pour en modifier le timbre, obtenant ainsi des sons plus bas. Seules certaines cordes ont leur sonorité altérée. Les graves du piano rythment la musique comme des tambours. Les doigts peuvent se poser sur des touches préparées et faire entendre les lames de bois d’un balaphon ou assurer des chorus avec le son d’un piano. En réelle osmose avec son instrument, Benoît se tient aujourd’hui plus loin du clavier, joue avec davantage de souplesse, de puissance, et le Bösendorfer 225 qu’il utilise pour tous ses enregistrements parisiens y gagne en dynamique. Dans A Lack of Dreams, des groupes de notes jouées à des vitesses différentes semblent se poursuivre. Dans Fireflies (lucioles), deux cycles de lignes mélodiques de longueur inégale se superposent. Le pianiste reprend brièvement Flakes de Steve Lacy sans le développer. Alpha est également une ébauche, une idée musicale que Benoît a souhaité conserver. Ces deux pièces sont jouées sur un piano non préparé, de même que Meanwhile et Le sixième saut, des pages abstraites et oniriques qui s’intercalent entre des morceaux plus rythmés. John Cage, Luciano Berio, György Ligeti, mais aussi Mal Waldron et Thelonious Monk nourrissent son piano différent. Disque après disque et depuis plus de vingt ans, Benoît Delbecq invente un univers sonore, une musique envoûtante qui ne ressemble à aucune autre.

Les amateurs de piano auraient tort d’ignorer cette belle rencontre. Les associations qu’offre l’instrument ne sont pas légions dans le jazz. On se souvient des rencontres Herbie Hancock - Chick Corea dans les années 70. Ce dernier a récemment enregistré en duo avec la jeune pianiste japonaise Hiromi. Dans “Duet“ (2008), nos deux virtuoses font sonner leurs pianos comme des cathédrales et provoquent le tournis par leurs myriades de notes. “Double Portrait“ est loin de proposer la même esthétique. Entre Bill Charlap et Renee Rosnes, point de haute voltige, de poursuites impitoyables. S’ils s’amusent à reprendre Never Will I Marry de Frank Loesser, Bill et Renée sont mari et femme depuis 2007. Ce disque est le premier qu’ils partagent et ni l’un ni l’autre n’éprouvent le besoin d’engager un duel pianistique pour montrer leur savoir-faire. Sa musique reflète leur parfaite entente, le respect et la tendresse qu’ils éprouvent l’un pour l’autre. Point de compétition ici, mais quatre mains s’entrecroisent, s’unissent pour créer non sans malice la plus belle musique possible. Le vertige est provoqué par une palette harmonique élargie à 176 notes. Ana Maria de Wayne Shorter, Little Glory de Gerry Mulligan, Double Rainbow (Chovendo Na Roseira) d’Antonio Carlos Jobim s’en trouvent subtilement embellis. Simple échauffement de doigts, Chorinho (petit pleur en portugais) ouvre l’album et fait pleurer une joyeuse pluie de notes. Le second piano assure la cadence, apporte les basses, structure la musique par le rythme. Dans The Saros Cycle, une composition de Renee, mais aussi dans Double Rainbow et Ana Maria, les deux pianistes font entendre une même voix mélodique. Les thèmes se parent de magnifiques couleurs, les échanges se font délicats. Les mains embellissent, peaufinent, ajoutent des graves, cisèlent des phrases chantantes. Nos deux complices ne font qu’un et l’on a bien du mal à distinguer leur propre jeu de piano dans cet entrelacs d’harmonies poétiques qui ne se bousculent jamais, mais se complètent, la clarté de l’expression passant ici au premier plan. A une tendre et romantique version de My Man’s Gone Now (George Gershwin), succède pourtant un Dancing in the Dark (Arthur Schwartz) enlevé et trempé dans le blues. Inner Urge de Joe Henderson bénéficie également d’une interprétation musclée. Le couple ne manque pas de tonus, mais Bill et Renee font surtout parler leur cœur. Ne boudez pas leurs ébats pianistiques. Magnifique peinture de Marc Chagall (Au-Dessus de la ville) sur la pochette.