blog de Choc

Deuxième album enregistré en duo par Gary Peacock et Marc Copland après le très beau “What It Says“ pour Sketch Records en 2002, “Insight“ porte bizarrement le même nom qu’un disque solo de John Taylor également produit par Philippe Ghielmetti pour le défunt label Sketch. Perfectionniste, à la recherche d’autres variations possibles, Marc Copland réenregistre souvent les mêmes thèmes, leur donne à chaque fois un son, une couleur harmonique particulière. Avec Gary Peacock et Paul Motian, il nous a déjà offert une version en trio de All Blues dans “Voices“, second volet de ses “New York Trio Recordings“. Marc joue aussi ce thème en solo dans “Time Within Time“ (hatOLOGY). Autre pièce de Miles Davis proposée ici, Blue in Green fut également gravé par Copland lors de la séance new-yorkaise de juin 2006 qui donna lieu à son premier disque en duo avec Peacock. Ne cherchez pas le morceau sur “What It Says“. Il n’existe que sur un CD promotionnel qui était offert avec le n°546 de Jazz Magazine. La version en est plus courte et Gary joue une contrebasse plus musclée, attaque ses notes de manière plus agressive. Contrairement à All Blues qui ouvre le disque, Blue in Green convient bien au piano sensible et raffiné de Copland qui aime à en colorer délicatement l’harmonie. Marc  l’a d’ailleurs repris deux autres fois ces dernières années, en duo avec David Liebman (“Bookends“) et en quartette avec John Abercrombie, Drew Gress et Jochen Ruckert (“Marc Copland And“), deux disques publiés sur le label hatOLOGY. River’s Run de Copland a fait l’objet de deux autres versions en duo et en trio. The Pond, un original de Peacock, est construit sur un ostinato, de même que The Wanderer, une pièce courte et onirique qui semble avoir été improvisée en studio. La main droite du pianiste égraine des harmonies étranges, de courtes phrases jouées legato. La contrebasse apparaît brièvement avant la coda. Mieux agencé, Matterhorn fait davantage  rêver. Si Rush Hour génère de nombreux échanges, Goes Out Comes In, voit les deux instruments monologuer avant de se rejoindre et magnifiquement dialoguer. Benediction joliment introduit à la contrebasse, et le délicieux Cavatina de Stanley Myers, contiennent des harmonies qui semblent tomber du ciel. Les accords étonnent et respirent, Marc donne les plus subtiles nuances à ses notes grâce à la finesse de son toucher et à son jeu de pédales qui en modifie subtilement les sonorités. Deux standards achèvent de convaincre : In Your Own Sweet Way de Dave Brubeck et Sweet and Lovely. Loin de constituer des redites, les versions proposées débordent d’invention. On les applaudit des deux mains.

Après un premier enregistrement pour ECM en solo en 2005 et plusieurs disques avec Enrico Rava, notamment le très beau “New York Days“ publié cette année sous le nom du trompettiste, Stefano Bollani sort un premier disque en trio pour la firme munichoise avec une section rythmique pour le moins inattendue : deux jeunes musiciens danois avec lesquels le pianiste italien a tourné au Danemark et en Scandinavie en 2002, année où il les a rencontrés. Le contrebassiste Jesper Bodilsen et le batteur Morten Lund ont à peu près son âge. Ils ont écouté les mêmes disques et partagent les mêmes options esthétiques, d’où la grande cohésion de leur trio. “Stone in the Water“ s’ouvre sur une délicieuse mélodie de Caetano Veloso. Les trois hommes prennent tout leur temps pour la faire scintiller. Ici point de musique énergique et sauvage. Tout est calme, volupté, silence entre les notes. Stefano et ses complices laissent respirer la phrase musicale, la développent et la transcendent en complète interaction. Jesper Bodilsen signe les deux thèmes suivants. Le premier, Orvieto, contient de bien belles notes. Un piano chante avec feeling et improvise avec brio. Une contrebasse ronde et mélodique l’écoute et lui répond. Une batterie marque discrètement le tempo. Edith n’est pas plus rapide. Le piano se greffe sur l’ostinato que joue la contrebasse. La main gauche se fait pesante et grave puis s’efface pour faire parler la basse. Stefano Bollani organise ses chorus avec un grand sens de la forme dans une perspective constamment mélodique. Ses doigts dansent et font rêver. Son touché délicat se fait miel dans Brigas nunca mais, un thème d’Antonio Carlos Jobim entièrement repensé. Ses propres compositions possèdent un léger parfum latin : Il cervello del pavone résonne de notes tintinnabulantes ; Un sasso nello stagno, une mélodie superbe, presque fragile dans sa simplicité, frappe l’oreille. Le pianiste use à bon escient de sa virtuosité, joue Francis Poulenc (Improvisation 13 en la mineur) avec intelligence, respect et gravité. Ses voicings assemblent les plus belles notes possibles. Un grand musicien assurément.

John Surman ne fait jamais le même disque. Bien au contraire, il surprend par l’éclectisme et la variété de ses projets, passant d’une musique à une autre, d’une instrumentation à une autre. Véritable homme-orchestre, le saxophoniste peut tout aussi bien être le seul maître d’oeuvre de ses albums (quatre opus en solo pour ECM entre 1979 et 1994) que se faire accompagner par des cordes, des ensembles de cuivres, un orgue ou une chorale. Avec “Brewster’s Rooster“, il revient au jazz et retrouve Jack DeJohnette, un complice avec lequel il a souvent enregistré. John Abercrombie, le guitariste de la séance, fit partie du Jack DeJohnette New Directions, groupe constitué par le batteur à la fin des années soixante-dix. Tous deux furent membres du trio Gateway que complétait Dave Holland à la contrebasse. L’instrument est ici confié à Drew Gress qui participe à sa première session pour ECM. Très mobile, son jeu s’accorde à merveille avec le drumming subtil et inventif d’un DeJohnette en grande forme. Slanted Sky, une ballade qui ouvre le disque permet de mesurer la souplesse de la section rythmique. Les deux hommes assurent, commentent les moindres accords des solistes, stimulent leurs ardeurs dans le brûlant Kickback, pièce dans laquelle le saxophoniste se montre particulièrement fougueux au baryton. Au soprano, il adopte un jeu plus mélodique. Counter Measures, un joli thème, en profite. Derrière lui, John Abercrombie assure un jeu rythmique, glisse de petites phrases chantantes dans le canevas musical que tisse le saxophone, ses interventions judicieuses laissant toujours de l’espace, de l’air à la musique. A l’écoute les uns des autres, les musiciens pratiquent un jeu interactif souvent passionnant. On en oublie les thèmes, souvent de simples riffs assemblés à la hâte. L’étonnant Haywain, une pièce free, semble même avoir été complètement inventée en studio. Reste à espérer des concerts, une suite à cet album, le premier d’un quartette de vétérans pour le moins prometteur.

Cinquième opus que Paul Motian consacre aux mélodies de Tin Pan Alley, “On Broadway Vol. 5“ est un disque presque aussi bon que “On Broadway Vol. 3“ enregistré en 1991 avec Lee Konitz et Joe Lovano, la guitare de Bill Frisell palliant l’absence de piano. Grand mélodiste, auteur de thèmes souvent repris, le batteur attache beaucoup d’importance aux souffleurs qui l’entourent. Après Chris Potter qui remonte le niveau de “On Broadway Vol. 4“ gâché par une chanteuse peu convaincante, il choisit deux saxophonistes complémentaires, Michaël Attias et Loren Stillman. De ce dernier, musicien dont l'alto chante comme un ténor, je recommande les albums, “How Sweet it is“ et “It could Be Anything“, tous deux remarquables. Proches du free mais tonales et structurées, ses phrases flottantes (influence probable de Wayne Shorter) conservent un fort aspect mélodique. Exposé par les deux saxophones, le piano de Masabumi Kikuchi assurant un délicat contrepoint mélodique, Morrock, un thème de Motian d’une simplicité lumineuse, ouvre l’album. Le pianiste assure un premier chorus abstrait, place des silences entre ses notes et fait d’emblée respirer la musique. Le batteur en ralentit le flux, l’aère et lui donne de l’espace. Les morceaux choisis sont d’ailleurs presque tous des ballades. Même Just A Gigolo rendu méconnaissable par un tempo très lent. Inspiré par Paul Bley, possédant un toucher très délicat, Kikuchi mêle un langage mélodique d’une rare élégance à d’imprévisibles dissonances. Le chorus qu’il prend dans A Lovely Way to Spend An Evening, une chanson populaire de 1943 dans laquelle Michaël Attias joue du baryton, témoigne d’une réelle vision poétique. De même la longue introduction très personnelle qu’il apporte à Midnight Sun, composé par Lionel Hampton et Sonny Burke en 1947. Michaël Attias qui joue aussi du soprano est également au baryton dans Something I Dreamed Last Night (chanson naguère interprétée par Marlène Dietrich et reprise par Miles Davis) et dans I See Your Face Before Me (un succès de Frank Sinatra). Comme dans une conversation, Loren Stillman lui répond à l’alto, les deux instruments finissant par mêler leurs voix mélodiques. La contrebasse de Thomas Morgan se voit souvent confier un rôle de bourdon ou de pédale. Dans cette musique modale,le tempo est souvent suggéré. Motian l’a bien compris. Il évite de trop marquer les temps. Sa pulsation irrégulière colore et suggère. Devenue instrument mélodique, sa batterie installe un tissu percussif extrêmement souple qui profite à la musique, la rend légère et fait battre son cœur.

Ils sont trois. Larry Grenadier et Jeff Ballard constituent l’actuelle section rythmique de Brad Mehldau et Mark Turner est un des rares saxophonistes à avoir choisi Warne Marsh comme modèle. Tous ont beaucoup d’expérience comme accompagnateurs d’où une conception collective de leur trio. Chaque instrument est ici une voix attentive qui entend, répond et réagit aux idées des deux autres. “Sky & Country“ comprend quatre morceaux de Turner, trois de Ballard et deux de Grenadier. Malgré leur complexité harmonique et rythmique, ils génèrent des improvisations d’une rare fluidité. Mark Turner chante de longues phrases mélodiques au ténor, mais prend soin de laisser de la place aux musiciens qui l’accompagnent. Ils écrivent ensemble une histoire et leurs instruments occupent l’espace sonore à parité égale. La contrebasse peut ainsi intervenir à tout moment pour compléter le discours mélodique du saxophone ou, associée à la batterie, lui apporter un ample contrepoint rythmique. Mark Turner a véritablement un son. Il joue souvent dans l’aigu du ténor de longues lignes chromatiquement complexes qu’il parvient parfaitement à faire respirer. Malgré son aspect quelque peu janséniste (Turner joue aussi du soprano, mais l’instrumentation réduite de l’album en limite les couleurs), cette musique intimiste n’est pas difficile à appréhender. L’écouter attentivement révèle sa logique, sa fraîcheur d’inspiration, sa modernité apaisante. Sous une froideur apparente se dissimule un grand lyrisme.
Fly occupera le Sunset du vendredi 22 au dimanche 24 mai (20h00 et 22h00 les deux premiers soirs. Concert unique à 21h00 le dimanche).