blog de Choc

Enrico Pieranunzi est quasiment inconnu en France, lorsque le public de jazz le découvre en 1989 dans deux des titres de “A Sip of your Touch“, premier album de son compatriote Riccardo Del Fra pour IDA Records . Dans la foulée, Philippe Vincent, le fondateur du label, lui propose d’enregistrer plusieurs disques en 1990, « une année qui fut pour moi un tournant, tant dans ma vie privée que dans ma musique ». En juin, Marc Johnson l’invite à se produire en trio avec lui et Peter Erskine dans un festival de musique classique en Virginie. Marc et Enrico se piquent alors au jeu du dialogue. Pour le pianiste romain qui maîtrise tous les aspects du piano, un approfondissement harmonique et une autre manière de jouer le tempo s’offrent à lui. Quant à l’ancien contrebassiste de Bill Evans, il se complaît dans ce jeu intuitif dans lequel chacun peut à tout moment orienter le discours de l’autre, proposer autre chose, une mélodie nouvelle entrevue fugacement ou l’idée d’un thème travaillé plus tard à l’ombre des studios. Les 17 et 18 décembre, les deux hommes enregistrent pour IDA “The Dream Before Us“ après une série de concerts dont un donné à Lausanne le 13 décembre pour la Radio Suisse Romande aujourd’hui publié. « Je me souviens parfaitement que nous n’avions rien planifié. Nous avons juste commencé à jouer en complète interaction, à l’écoute de nos imaginations, de nos sensibilités respectives » écrit-il dans les notes du livret. Sans aucune préméditation, les deux hommes rencontrent en chemin une poignée de standards qu’ils développent. A l’époque de cet enregistrement, l’univers d’Enrico Pieranunzi reste encore marqué par l’héritage du bebop historique. Des années de piano classique ont développé son sens de la forme et de la rigueur. Sa main gauche, solide et puissante égrène des lignes dures, des accords énergiques. Avec Marc Johnson, il prend des risques, installe des dissonances obsédantes dans Singing All Times et Minding, deux des pièces d’une Blue Suite conséquemment abstraite. Influencé par le jeu modal de Bill Evans, il joue aussi un piano lyrique et romantique qui est toujours sa signature. Mélange de standards et de parties improvisées, la magnifique Yellow Suite en témoigne.

D’emblée, la contrebasse d’Arild Andersen chante des notes admirables avec un son énorme. Volumineux comme une montagne, le saxophone de Tommy Smith gronde avec une autorité que l’on n’a plus l’habitude d’entendre dans le jazz. Excellemment enregistrée, la batterie aux peaux très tendues de Paolo Vinaccia – né en Italie, il réside en Norvège depuis 1979 - sonne comme si elle était accordée pour un concert de rock. Le nouveau trio d’Arild Anderson, l’un des meilleurs bassistes du nord de l’Europe, fait entendre une musique aussi explosive que lyrique. Dans les ballades, des morceaux d’une douceur hypnotique, le ténor charme par des phrases d’une suavité rare. L’absence de piano n’est pas un problème, Anderson élargissant la palette sonore de sa formation par les effets électroniques qu’il ajoute à sa contrebasse (emploi d’un octaveur, mise en boucle de certaines notes, de courtes phrases dont la répétition donne un certain mystère à la musique). Composée en 2005  pour fêter de centenaire de la libération de la Norvège de l’asservissement suédois, Independency, longue suite divisée en quatre parties approchant les 45 minutes, abrite des moments d’une grande  puissance. Un saxophone virtuose souffle des notes incandescentes (Independency Part 2), métal en fusion sur lequel coule du miel, de petites notes onctueuses qui plongent dans le rêve. Le groupe nous en entrouvre les portes, dessine les images sonores de paysages de neige dans le troisième mouvement d’Independency. Originaire d’Edimbourg, élève de la Berklee College of Music de Boston et auteur d’une bonne vingtaine d’albums sous son nom, Tommy Smith n’a jamais tant impressionné que dans cet enregistrement live réalisé en septembre 2007 au Belleville Club et au Drammen Théâtre d’Oslo. Prelude to a Kiss d’Ellington, la seule reprise de l’album, subit ainsi une profonde relecture, sa structure harmonique en sortant amplement transformée. Ce disque essentiel se clôt avec Dreamhorse, magnifique dialogue contrebasse/saxophone arbitré par la batterie sur une mélodie gardée longtemps par la mémoire.

Alon Yavnai a travaillé avec Joe Lovano, Yo-Yo Ma, Freddie Hubbard, Nancy Wilson, mais surtout avec Paquito D’Rivera dont il fut longtemps le pianiste. Il sort enfin un album en trio sous son nom, son premier, un disque longuement mûri, pleins de couleurs chatoyantes et de rythmes subtils. Alon est un mélodiste. Il écrit de beaux thèmes, les interprète sobrement, avec des notes qui séduisent et émeuvent, voyagent comme les ballons que portent les grands vents de la terre. Le toucher est fin, les doigts vifs et habiles à faire chanter un piano et lui donner du rythme. Cela va d’un léger balancement à une métrique plus complexe, un large éventail de cadences. Travel Note, pièce qui donne son titre à l’album et dans laquelle le contrebassiste Omer Avital joue de l’oud, rappelle certaines structures rythmiques de la musique marocaine, mais aussi le festijo, une des danses populaires du folklore afro-péruvien. Alon Yavnai explore et rassemble ainsi sa double culture ; sud-américaine par sa mère argentine, juive par son père. Né en Israël, il y a grandi et étudié, se nourrissant des riches traditions musicales de l’Afrique du Nord qui, via l’Espagne, se sont répandues en Amérique Latine. Jamey Haddad n’utilise pas une batterie conventionnelle, mais se sert de percussions qui soulignent, ponctuent discrètement, et ne pèsent jamais sur le discours mélodique. Car le langage poétique du piano enchante, petites musiques rêveuses et tranquilles qui surgissent d’un lointain intérieur. Alon met son âme dans ses doigts lorsqu’il joue en solo - Numi Numi, une berceuse traditionnelle, Shir Ahava Tari (Chanson d’amour fraîche) - , des moments de grâce témoignant d’une maîtrise pianistique aboutie.
Meilleurs morceaux : Bayit, Yoman, Shir Ahava Tari, Zricha. 

Le premier thème, Peine perdue (une très bonne musique de film si un metteur en scène avisé l’utilise) reflète bien les climats sereins que propose cet album. Piano, contrebasse et batterie servent des mélodies chantantes, brodent des harmonies tendres et un peu irréelles, comme perçues à travers le voile du rêve. Ici l’art de la fugue voisine avec le blues, le vocabulaire du trio relevant autant de la musique classique européenne que du jazz. Jean-Philippe Viret et ses deux complices nous offrent des pièces ouvertes, nourries d’accords chromatiques, de tensions dissonantes (7 à dire), leur aspect mélodique les rendant parfaitement accessibles. En un rien, Dans la Peau d’un autre, Si peu de choses, des morceaux plus abstraits,  reposent sur l’habileté des musiciens à penser de longues improvisations oniriques dans laquelle le silence aère la musique, contribue à sa respiration. Fabrice Moreau, le batteur, pratique alors l’ellipse, la fragmentation rythmique. La belle contrebasse de Jean-Philippe Viret improvise, mais sert aussi le piano sensible d’Edouard Ferlet dont on goûte la douceur paisible, la voix un peu fragile. Les deux hommes, excellent à parler le même langage, à décrire des paysages mélancoliques qui envoûtent longtemps après leur écoute. On les applaudit des deux mains.
Meilleurs Morceaux : Si peu de choses, Peine perdue, Les arbres sans fin.

On connaît encore mal Frank Kimbrough, pianiste généreux dont le vocabulaire harmonique complexe n’exclut pas la profondeur. Il fut le dernier pianiste du regretté Dewey Redman et joue dans certains disques de Ron Horton, Ted Nash, Michael Blake et Ben Allison… Membre du Maria Schneider Orchestra et du Herbie Nichols Project, il a gravé sous son nom, ou en duo avec le vibraphoniste Joe Locke, des albums pour les labels Mapleshade, Omnitone et Palmetto. Publié en 2006 et enregistré en trio, “Play“ demeure remarquable de finesse et de maturité tant pour ses compositions -  l’inoubliable Waiting in Santander - que pour le jeu interactif des musiciens : Masa Kamaguchi à la contrebasse et Paul Motian à la batterie. On retrouve une composition de ce dernier dans “Air“ paru en janvier 2008 aux Etats-Unis et inexplicablement absent des bacs des disquaires français, mais téléchargeable en toute légalité sur plusieurs sites. Ayant choisi d’enregistrer en solo, le pianiste met ici en avant l’aspect mélodique de son jeu. It Should’ve Happened a Long Time Ago de Motian, Air dont les notes cristallines du thème semblent flotter entre ciel et terre et Three Chords, peut-être le morceau le plus poétique de ce formidable recueil, débordent de lyrisme et émeuvent profondément. La virtuosité du pianiste éclate davantage dans des pièces plus vives, dans Quickening précédemment enregistré en trio avec Ben Allison et Jeff Ballard, dans Ca’lina et ses accords acrobatiques de ragtime, dans The Spins riche en dissonances. Thelonious Monk qui aurait pu en écrire le thème, marque l’album de sa présence. Frank Kimbrough reprend deux de ses compositions : Jackie-ing que Monk grava pour la première fois en 1959, un thème-riff très simple, mais d’une construction très originale, et Coming on the Hudson. Monk ne l’enregistra qu’une seule fois, le 6 novembre 1962. Initialement prévu pour apparaître sur “Monk’s Dream“, il constitue aujourd’hui un des bonus de “Criss-Cross“, second opus Columbia du pianiste. Insistant sur l’aspect mélodique du morceau, Frank Kimbrough en donne une version moins heurtée, presque méconnaissable. Il calme  également le tempo de Wig Wise, un thème que Duke Ellington joue en trio dans “Money Jungle“. Ce disque, un vrai choc, est pour moi le meilleur disque de piano solo de l’année. On peut en écouter des extraits sur le site de Palmetto Records, http://www.palmetto-records.net/
Meilleurs morceaux : It Should’ve Happened a Long Time Ago, Quickening, Coming on the Hudson, Air, Three Chords.