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15 septembre 2016 4 15 /09 /septembre /2016 10:51
Giovanni GUIDI - Gianluca PETRELLA - Louis SCLAVIS - Gerald CLEAVER : “Ida Lupino” (ECM / Universal)

Un premier album en 2006 sur le label Venus, quatre autres sur Cam Jazz et enfin deux disques sur ECM parmi lesquels le remarquable “This Is The Day” en trio, l’un des 12 Chocs 2015 de ce blogdeChoc, ont suffi à placer Giovanni Guidi dans le peloton de tête des meilleurs pianistes italiens. Ses disques se suivent mais ne se ressemblent pas. Contrairement à “This Is The Day” dont les mélodies lumineuses interpellent, “Ida Lupino” fait entendre une musique plus introspective, un matériel thématique très largement improvisé que les musiciens réunis ici, tous sur la même longueur d’onde, rendent singulièrement inventif.

Giovanni GUIDI - Gianluca PETRELLA - Louis SCLAVIS - Gerald CLEAVER : “Ida Lupino” (ECM / Universal)

Bien que l’étroite complicité unissant le piano de Giovanni Guidi au trombone de Gianluca Petrella soit ici au cœur du dispositif orchestral, la présence de Louis Sclavis aux clarinettes et de Gerald Cleaver à la batterie est loin d’être anodine. Cleaver joue d’ailleurs sur un des meilleurs opus de Guidi, “We Don’t Live Here Anymore”, un enregistrement new yorkais offrant une musique très libre, proche de celle que contient ce nouvel album. Ida Lupino et Per i morti di Reggio Emilia, un thème de l’auteur-compositeur-interprète turinois Fausto Amodei en sont les seules pièces écrites. Presque tout le reste a été improvisé en studio bien qu’ici ou là surgissent parfois des airs, des mélodies préalablement existantes. Les musiciens ont spontanément créé et structuré ces morceaux plus ou moins abstraits, plus ou moins lyriques. Improvisation collective sans thème préétabli, No More Calypso relève même du free jazz. Things We Never Planned (« Choses que nous n’avons jamais planifiées ») est un titre explicite.

Giovanni GUIDI - Gianluca PETRELLA - Louis SCLAVIS - Gerald CLEAVER : “Ida Lupino” (ECM / Universal)

Si la dynamique, la résonance, la durée de chaque note lui importent toujours, Giovanni Guidi s’efface, laisse de la place au trombone, aux clarinettes de Sclavis. Ce dernier marque de son empreinte Just Tell Me Who It Was, une mélopée orientale, une danse que rythme un piano discret et une batterie très présente. La clarinette introduit aussi La Terra et expose la superbe mélodie d’Ida Lupino, un des plus beaux thèmes de Carla Bley que Paul Bley immortalisa. Le piano y tient un rôle modeste et les parties improvisées sont réduites au minimum. Interlocuteur privilégié du piano, le trombone y assure les contrechants. C’est à lui que sont confiés les chorus de What We Talk About When We Talk About Love, une pièce à la pulsation rythmique régulière. Dans Per i morti di Reggio Emilia, l’instrument multiplie les effets de growl. Probable hommage au saxophoniste argentin Gato Barbieri qui nous a quitté le 2 avril, Gato incite au recueillement. Le piano martèle une note grave comme pour sonner le glas. Le trombone monologue, pleure, et nous émeut. Le piano conclut seul par une mélodie aussi délicate qu’inattendue. Autre lamento, The Gam Scorpions met en valeur le délicat toucher du pianiste qui affirme un ample jeu mélodique. La batterie commente, pose des couleurs ; trombone et piano chantent de concert, se hissent au-delà des cimes. On est alors dans les étoiles.

Photos © Caterina di Perri / ECM Records

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8 septembre 2016 4 08 /09 /septembre /2016 16:00
J. TERRASSON / S. BELMONDO “Mother” (Impulse ! / Universal)

En 2012, Jacky Terrasson invitait Stéphane Belmondo à participer à l’enregistrement de “Gouache” à Pompignan au Studio Recall de Philippe Gaillot. Stéphane fit de même quelques mois plus tard, conviant Jacky à jouer des claviers dans “Ever After”, un disque également enregistré à Pompignan, aux portes des Cévennes. L’endroit est particulièrement propice à la musique, surtout au printemps et en été lorsque les musiciens peuvent profiter de la piscine alimentée en eau de source. Au cœur d’un vaste domaine de cinq hectares, un grand mas en pierre de taille abrite le studio et ses larges baies vitrées. Jacky y a créé plusieurs albums. Les 88 touches du Steinway D mis à disposition n’attendent que ses doigts pour faire naître sa musique. Stéphane y a également ses habitudes. Son “Love for Chet” y a été enregistré, et lorsqu’un disque avec Jacky fut envisagé, le Studio Recall s’imposa naturellement.

J. TERRASSON / S. BELMONDO “Mother” (Impulse ! / Universal)

Une trentaine de morceaux y furent enregistrés en trois jours. « Les ballades sonnaient particulièrement bien. Elles avaient une beauté et une atmosphère bien à elles » confie Jacky Terrasson dans le dossier de presse. Elles sont donc largement majoritaires dans cet album lumineux qui traduit constamment les états d’âme, les émotions des musiciens. “Mother” rassemble quatorze morceaux dont de nombreux standards, Pompignan et Pic Saint-Loup (un des bons vins de la région) étant de courts intermèdes improvisés. Il s’ouvre sur First Song, probablement la partition la plus jouée de Charlie Haden et se referme sur une sobre version de Que reste-t-il de nos amours, deux morceaux mélancoliques qui traduisent l’atmosphère feutrée de l’album. Le bugle et sa sonorité plus ronde, plus douce que celle de la trompette, convient bien aux ballades intimistes. Stéphane l’utilise dans La chanson d’Hélène que Jacky enrichit d’harmonies délicates et dans Mother, une des plus belles compositions du pianiste. “Gouache” en contient une version en quartette mais celle du nouveau disque est particulièrement émouvante. Il devait s’intituler “Twin Spirit” mais avec la disparition de la mère de Jacky en juin, “Mother” s’imposa comme titre d’album. Écrit par Stéphane et également jouée au bugle, Souvenirs n’est pas non plus dénué de vague à l’âme. Un piano espiègle en marque la cadence.

Ailleurs, la trompette prend le relais. Stéphane et Jackie rivalisent de virtuosité dans In Your Own Sweet Way et s’amusent à croiser leurs lignes mélodiques dans Lover Man abordé sur tempo médium. Autre grand standard, You Don’t Know What love Is brillamment harmonisé révèle le pianiste romantique qui tire des notes exquises de son instrument. Une reprise humoristique d’un thème de Stéphane Grappelli, les Valseuses, est l’occasion de rendre hommage au jazz d’antan. Jacky adopte une cadence de stride et, utilisant sa sourdine, Stéphane ajoute des effets de growl à cette musique chaloupée. La main gauche du pianiste donne son délicat balancement à Hand in Hand, morceau également joyeux et primesautier. Dans Fun Keys, un thème riff trempé dans le blues, un morceau rapide, le piano est aussi un instrument de percussion. Le blues reste également très présent dans les fermes accords de piano qui rythment You Are The Sunshine of My Life de Stevie Wonder. Sa mélodie reste longtemps masquée, le jeu très physique de Jackie se voyant tempéré par la trompette délicate de Stéphane. Deux complices assurément.

Photos : Philippe Levy-Stab

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22 juillet 2016 5 22 /07 /juillet /2016 09:30
Warren WOLF : “Convergence” (Mack Avenue)

Originaire de Baltimore (Maryland), Warren Wolf étudia la musique au Baltimore School of Arts avant de compléter ses études au Berklee College of Music de Boston et de s’immerger plus à fond dans le jazz dans la classe du vibraphoniste Dave Samuels. Son diplôme en poche, il resta deux autres années à Berklee pour y enseigner le vibraphone et la batterie dans la classe de percussion qu’on lui avait confiée. De retour à Baltimore, il devint un musicien très actif, tant au vibraphone que comme pianiste et batteur. Membre du Live Sextet du saxophoniste Bobby Watson, c’est au sein du Inside Straight Quintet du bassiste Christian McBride qu’il se fera surtout remarquer. Depuis 2014, il est le vibraphoniste du SF Jazz Collective, un poste occupé avant lui par Stefon Harris et Bobby Hutcherson. L’excellent Mulgrew Miller tient le piano dans ses deux premiers disques “Incredible Jazz Vibes” (2005) et “Black Wolf” (2009). Deux autres virent le jour avant que Wolf ne signe avec Mack Avenue, maison de disques fondée à Détroit (Michigan) en 1990. C'est en 2007, au festival Jazz en Tête de Clermont-Ferrand, qu'on le vit pour la première fois sur une scène européenne.

Warren WOLF : “Convergence” (Mack Avenue)

-Convergence” est le troisième opus que Warren Wolf enregistre pour Mack Avenue. Christian McBride qui l’a coproduit joue dans presque tous les titres. King of Two Fives, un duo avec le vibraphoniste, met tout particulièrement en valeur son jeu de contrebasse aussi précis que mélodique. Sa walking bass fait merveille dans Tergiversation, une des quatre plages en trio de l’album, une composition de Gene Perla, un autre bassiste, qui révèle la technique éblouissante de Wolf, musicien de haut vol, tant au vibraphone qu’au marimba qui occupe une place de choix dans ce disque. Si les plages en trio avec McBride et Jeff « Tain » Watts à la batterie y sont les plus nombreuses, “Convergence” offre de nombreuses combinaisons instrumentales grâce à deux invités prestigieux, Brad Mehldau et John Scofield. De bonnes factures, les morceaux en quintette ne sont pas les plus intéressants mais Havoc contient de passionnants échanges guitare / vibraphone et les chorus de Scofield et de Wolf sauvent de l’ordinaire le funky Soul Sister. Intégré à la rythmique, Mehldau n’y fait que passer. Il se réserve Four Stars From Heaven, la plus longue plage du disque et au sein d’une rythmique ouverte (le drive étonnement libre de Watts) parvient facilement à adapter son jeu de piano à une autre musique que la sienne. Dans l’énergique Cell Phone, Mehldau et Wolf s’offrent chacun un solo, ce dernier au marimba soulevant l’enthousiasme. Composé par Dave Samuels, New Beginning, un duo piano / vibraphone, s’inscrit dans la tradition du blues, le jazz moderne pratiqué par Wolf restant profondément ancré dans le canal historique qui le vit naître et grandir. Les chaudes racines africaines de sa musique ressortent bien plus encore lorsque Wolf qui, outre du vibraphone, joue également du piano et du Fender Rhodes, adopte le marimba comme instrument principal. Il le devient dans Montara de Bobby Hutcherson (en trio), A Prayer for the Christian Man (deux des grandes réussites de cet album), et dans une splendide version de Stardust en solo couplé avec la célèbre Valse Minute (The Minute Waltz) de Frédéric Chopin.

Photo : Anna Webber

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15 juillet 2016 5 15 /07 /juillet /2016 09:26
René Marie : “Sound of Red” (Motéma / Harmonia Mundi)

Moins populaire mais oh combien plus talentueuse que Lisa Simone ou China Moses (les filles de…), René Marie n’en reste pas moins l’une des grandes chanteuses de jazz de la grande Amérique. En France, l’Académie du Jazz a eu du flair en lui décernant en 2002, le Prix du Jazz vocal pour “Vertigo” (MaxJazz), un disque enregistré par une parfaite inconnue mais au sein duquel officient Chris Potter au saxophone ténor, Mulgrew Miller au piano, Robert Hurst à la contrebasse et Jeff « Tain » Watts à la batterie.

René Marie : “Sound of Red” (Motéma / Harmonia Mundi)

Née en 1955 et mariée à dix-huit ans, René Marie Stevens entreprit tardivement une carrière musicale. Longtemps employée de banque, elle éleva ses deux enfants avant de choisir la musique dans la seconde moitié des années 90. Malgré l’opposition de son mari dont elle va bientôt divorcer, elle abandonne son travail, s’installe à Richmond (Virginie) et décroche le premier rôle dans un spectacle consacré à Ella Fitzgerald. Elle a 42 ans, chante, fait du théâtre, compose et arrange ses propres morceaux. Ses activités s’étendront progressivement à l’enseignement du chant, René animant à partir de 2010 des groupes de thérapie vocale. Le label MaxJazz a publié son premier disque officiel en 2000. Trois autres ont suivi, tous d’excellente facture, la révélation d’une grande chanteuse. Signée en 2011 par le label Motéma, René va ajouter quatre albums à sa discographie, “I Wanna Be Evil” consacré au répertoire d’Eartha Kitt (et nominé aux Grammy Awards américains) manquant de peu le Prix du Jazz Vocal 2013 de l’Académie du Jazz. Elle s’est produite par deux fois au Duc des Lombards (en novembre 2013 et en octobre 2014) subjuguant le public du club par la spontanéité et le professionnalisme d’un jeu de scène félin et mobile, par sa voix chaude et sensuelle, son sourire irrésistible.

René Marie : “Sound of Red” (Motéma / Harmonia Mundi)

René Marie chante du jazz mais aussi d’autres musiques, ses racines musicales la portant vers la soul, le blues, le gospel et le folk et à sortir de sentiers trop battus – elle n’a pas hésité à inclure dans son répertoire White Rabbit du Jefferson Airplane et Hard Days Night des Beatles, des groupes honnis par les puristes du jazz. Dans “Sound of Red”, un disque largement autobiographique dont elle a écrit toutes les chansons, tous ces genres cohabitent sans qu’un quelconque manque d’unité soit à déplorer. Sa cohésion provient des arrangements de René et des musiciens qui l’entourent. On retrouve auprès d'elle le bassiste Elias Bailey et le batteur Quentin E. Baxter, ce dernier déjà présent dans “Serene Renegade”, un disque MaxJazz de 2004 et coproducteur avec René du présent album. Si Kevin Bales, son pianiste habituel, est longuement remercié dans le livret pour son inspiration, sa musicalité et son amitié, l’instrument est ici confié à John Chin. Né à Séoul, ce dernier s’est installé à New York après de solides études en Californie, au Texas, à la Rutgers University (il y étudia avec Kenny Barron) et à la Juilliard School. La place que tient le piano est loin ici d’être négligeable. Chin improvise abondamment dans If You Were Mine et dans Lost, une longue pièce en quartette, il est le principal interlocuteur de la chanteuse et dialogue avec elle, cette dernière improvisant avec l’orchestre un scat inattendu. C’est toutefois Many Years Ago, une ballade dans laquelle il économise ses notes, et Go Home, un simple duo piano / voix, le morceau le plus émouvant de l’album, qui révèlent pleinement sa sensibilité harmonique.

René Marie : “Sound of Red” (Motéma / Harmonia Mundi)

Confié au trompettiste Etienne Charles déjà présent dans “I Wanna Be Evil”, l’arrangement des cuivres de If You Were Mine fait appel à deux autres souffleurs, Michael Dease au trombone et Diego Rivera au saxophone ténor. Car René Marie multiplie ici les combinaisons instrumentales. Dans Sound of Red qui prête son titre à l’album, Sherman Irby s’ajoute à la section rythmique et nous gratifie d’un chorus de saxophone alto. La guitare de Romero Lubambo ajoute de chaudes couleurs méditerranéennes à Certaldo, une ville italienne que la chanteuse célèbre également en quintette. This is (not) a Protest Song aborde la dure condition de sans-abri qui affecta sa propre famille dans sa jeunesse. C’est avec Blessing l’un des deux gospels de cet enregistrement. Une deuxième voix, celle de Shayla Steele, assure les chœurs. Qu’elle s’amuse à siffler un couplet de Colorado River Song, ou qu’elle chante avec elle-même en re-recording dans Stronger Than You Think, René Marie ensorcelle dans cet opus, son onzième, le plus personnel de sa discographie, l’un des meilleurs albums de jazz vocal publié cette année.

Photos © John Abbott

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28 juin 2016 2 28 /06 /juin /2016 09:00
Christophe PANZANI : “Les âmes perdues” (Jazz & People / Harmonia Mundi)

C’est dans “Fall Somewhere”, un disque de Nicolas Moreaux, grand créateur de paysages sonores, que j’ai découvert Christophe Panzani. Renfermant un long dialogue inspiré entre son saxophone et celui de Bill McHenry, Far, une grande page lyrique, m‘a particulièrement ému. Car au ténor, Panzani possède une sonorité bien particulière. Le timbre en est doux, léger, aérien, une sonorité d’alto, Christophe préférant le registre aigu de l’instrument. On pense à Lee Konitz, mais aussi à Jeremy Udden, altiste américain avec lequel Moreaux a enregistré l’an dernier sur Sunnyside le très beau “Belleville Project”.

Christophe PANZANI : “Les âmes perdues” (Jazz & People / Harmonia Mundi)

Christophe Panzani n’est pas l’homme d’une seule formation. Multi-instrumentiste – il pratique également le soprano, la flûte et la clarinette basse –, il est Avec Andy Sheppard l’un des deux saxophonistes ténor que l’on peut entendre dans “Appearing Nightly”, un disque en big band de Carla Bley enregistré au New Morning en 2006. Il joue également dans le quintette du pianiste Florian Pellissier, dans Pasta Project qu’il anime avec l’accordéoniste Vincent Peirani. Avec le pianiste Tony Paeleman, il co-dirige The Watershed, groupe comprenant Pierre Perchaud et le batteur Karl Jannuska. Je ne vais pas détaillé ici les nombreuses activités musicales auxquels se livre le saxophoniste, “Les âmes perduesque publie Jazz & People, premier label de jazz participatif français que dirige Vincent Bessières, étant la vraie raison de cette chronique. Car Christophe Panzani m’a instantanément séduit par le lyrisme, la volupté de son souffle. C’est qu’il s’exprime en poète, chante avec bonheur la ligne mélodique des musiques qu’il invente. Celles de ce disque, son premier en leader, il les a toutes imaginées pour ses interprètes, des musiciens amis, sept pianistes chez lesquels il s’est rendu, parcourant la France (Paris, Tours, Poitiers) et l’Allemagne (Cologne) avec son matériel d’enregistrement, ses micros et son saxophone ténor.

Christophe PANZANI : “Les âmes perdues” (Jazz & People / Harmonia Mundi)

L’aidant dans cette tâche, Tony Paeleman a enregistré ses duos avec Edouard Ferlet et Dan Tepfer, se chargeant également de la prise de son d’Étrangement calme, morceau que Christophe lui a attribué et dans lequel il se contente d’assurer un long ostinato, de rythmer le chant suave et ensorcelant du ténor. Le piano occupe également une place modeste dans Le rêve d’Icare. Loin de toute exhibition, Yonathan Avishai y pose les accords graves et sombres sur lesquels se développe le chant mélancolique de Christophe. Confié à Edouard Ferlet et Dan Tepfer (respectivement dans Sisyphe et Le Jardin aux sentiers qui bifurquent), l’instrument dialogue et révèle ses possibilités harmoniques, Dan offrant même un contrepoint virtuose aux notes diaphanes que murmure le ténor. Vouloir comparer les jeux respectifs de nos sept pianistes reste toutefois parfaitement inutile. Chacun apporte sa sensibilité, sa musicalité, son toucher, et joue sur son propre piano ce qui donne un éclairage spécifique à chaque morceau. Leonardo Montana surprend par la vivacité de son discours. Je découvre Laia Genc, une pianiste allemande dont je ne sais rien de la musique. Ses harmonies riches et colorées semblent particulièrement inspirer les tendres rêveries du saxophone. J’ignorais que Guillaume Poncelet, le trompette de l’ONJ de Daniel Yvinec jouait du piano de manière aussi délicate. Christophe lui a réservé Traduire Eschyle et sa mélodie est un autre grand moment de pur bonheur. Ils sont nombreux, s’enchaînent, s’additionnent. 43 minutes de musique au total, le timing parfait d’un disque qui interpelle aussi par son visuel, un étonnant portrait de Christophe Panzani par le dessinateur Ludovic Debeurme.

Concerts de sortie le vendredi 1er juillet (19h30 et 21h30) au Duc des Lombards avec les pianistes Yonathan Avishai, Laia Genc, Leonardo Montana et Tony Paeleman.

 

Photos © Philippe Marchin

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20 juin 2016 1 20 /06 /juin /2016 11:02
Dave LIEBMAN & Richie BEIRACH : “Balladscapes” (Intuition)

Ces deux-là se fréquentent depuis si longtemps qu’ils sont tous les deux capables, comme par télépathie, de prévoir le discours de l’autre, la musique gagnant en fluidité et en cohérence. Ensemble, ils ont constitué des groupes, Lookout Farm et Pendulum dans les années 70, puis Quest au début des années 80, qui se reformera plusieurs fois, nous laissant un dernier album en 2013 sur Enja, “Natural Selection” (1988) restant pour moi leur plus bel opus. En duo, Dave Liebman et Richie Beirach ont également enregistré de nombreux disques. Le plus récent, “Unspoken” (Out Note) date de 1989. Car Beirach réside à Leipzig. Il enseigne, possède son propre trio, et a moins l’occasion de rencontrer Liebman, très occupé lui aussi.

Dave LIEBMAN & Richie BEIRACH : “Balladscapes” (Intuition)

La riche palette harmonique de Richie Beirach doit beaucoup à ses dix ans de piano classique. Son vocabulaire s’étend aux intervalles distendus, aux accords percussifs qui peuvent surprendre chez un musicien au toucher subtil, au phrasé délicat. Outre une grande liberté tonale, il cultive une esthétique raffinée qui tempère les improvisations souvent aventureuses de Dave Liebman, un saxophoniste au tempérament de feu assumant aujourd’hui un jeu beaucoup plus mélodique. Affectionnant le registre aigu du soprano, son instrument de prédilection bien qu’il joue aussi du ténor et de la flûte, il évite ici les suraigus, s’abstient de crier mais non de verser des larmes (ce qu’il fait dans une reprise émouvante de Sweet Pea au ténor) pour se concentrer sur les thèmes, des standards parfois anciens – For All We Know date de 1934 – dont il fait chanter les mélodies. Ses improvisations bénéficient du soutien sans faille d’un piano tout aussi capable de plaquer de solides accords que d’assurer un contrepoint mélodique aérien.

Balladscapes” s’ouvre sur Siciliana, une sonate de Jean-Sébastien Bach que les jazzmen apprécient. Également au répertoire, Moonlight in Vermont, Lazy Afternoon, This is New et Day Dream bénéficient d’interprétations aussi inspirées que lyriques. Cosigné par Duke Ellington et Billy Strayhorn, Day Dream est abordé au ténor par Liebman. Sa sonorité ample, volumineuse, donne du caractère, du relief au morceau. Le saxophoniste joue ici beaucoup plus de ténor que dans ses autres albums. L’instrument est également mis en valeur dans un medley renfermant Welcome et Expression, deux morceaux de John Coltrane, des prières qui apaisent et donnent du baume au cœur. Liebman et Beirach reprennent aussi quelques-unes de leurs compositions. DL est un ancien thème du pianiste précédemment enregistré en duo et avec Quest. Composé par les deux hommes, Kurtland est longuement introduit en solo et au ténor par Liebman. Le piano joue également sa partie en solo, les deux instruments se rejoignant pour conclure. Déjà enregistré lui aussi, le majestueux Master of the Obvious de Liebman est une autre pièce maîtresse de ce disque. Un soprano rêveur en chante les notes, tout comme il poétise autrement Zingaro, morceau d’Antonio Carlos Jobim qui, introduit à la flûte, n’a plus rien de brésilien. Car ces ballades sont des paysages sonores, des terres que l’on parcourt lentement, au rythme de la musique, à petits pas pour ne pas la quitter trop vite, pour encore et encore l’écouter.

Photo X/D.R.

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9 juin 2016 4 09 /06 /juin /2016 15:21
Brad MEHLDAU Trio : “Blues and Ballads” (Nonesuch / Warner)

Blues and Ballads est le premier disque en trio de Brad Mehldau depuis bientôt quatre ans, depuis “Where Do You Start”, Grand Prix de l’Académie du Jazz en 2012. Le pianiste s’est toutefois rappelé à nous l’an dernier avec “10 Years Solo Live”, un coffret de 4 CD(s) renfermant les meilleurs moments de ses concerts en solo, exercice dans lequel il excelle et prend des risques. Effectuées en temps réel, ses longues et babéliennes improvisations plongent alors l’auditeur dans le rêve, l’éternité d’un instant qui semble indéfiniment durer, le souvenir d’un moment unique qu'il a toujours souhaité retrouver. En trio, Brad est plus sage, surtout dans ce disque, le plus facile qu’il nous ait donné à entendre depuis longtemps. Non qu’il cherche à simplifier son jeu, mais jouer avec une contrebasse et une batterie tempère son piano aventureux, l’oblige à freiner ses ambitions, à mieux structurer son discours.

Brad MEHLDAU Trio : “Blues and Ballads” (Nonesuch / Warner)

Comme son titre l’indique, ce disque contient des blues et des ballades. Brad les joue avec une sensibilité énorme, ajoute des harmonies raffinées aux intervalles diminués qui constituent la spécificité du blues. Ce ne sont plus ceux des temps difficiles que les Noirs chantaient dans les plantations du Sud. La tristesse qu’ils véhiculaient s’est perdue, comme son histoire aujourd'hui trop oubliée. Composé par Buddy Johnson en 1945 et popularisé par son orchestre (sa sœur Ella en était la chanteuse), Since I Fell for You résume bien la démarche artistique du pianiste qui aère constamment son discours, trouve des harmonies adéquates pour chaque mélodie et privilégie la beauté de la note. Les tempos sont lents. La contrebasse de Larry Grenadier assure un discret contrepoint mélodique. La batterie de Jeff Ballard donne relief et souplesse à de longues phrases que Brad étire, improvise à partir des thèmes qu’il reprend.

Brad MEHLDAU Trio : “Blues and Ballads” (Nonesuch / Warner)

Des standards dont une version de I Concentrate on You (Cole Porter) teintée de samba, Cheryl de Charlie Parker abordé énergiquement sur tempo medium, deux morceaux de Paul McCartney, And I Love Her qu’il écrivit en 1964 lorsqu’il était l’un des Beatles, étant le plus célèbre, constituent le répertoire de l’album. Brad Mehldau les joue avec une infinie tendresse avant de les confronter à son propre langage, à son jeu ambidextre qui lui permet de jouer simultanément plusieurs thèmes, de converser avec lui-même, de répondre par des basses puissantes au questionnement mélodique de sa main droite. La section rythmique préfère alors se taire, écouter un piano inventif et porteur d’émotion. Pendant trois bonnes minutes, il est seul à réinventer These Foolish Things (Remind Me of You), à nous en offrir une version aussi dépouillée que subtile. Il fait de même dans My Valentine, un morceau de Paul McCartney que contient “Kisses on the Bottom publié en 2012. Dans la version originale arrangée par Alan Broadbent, naguère le pianiste du défunt Quartet West, le solo est confié à la guitare acoustique d’Eric Clapton. Ici, Brad reprend la mélodie en solo, la passe au prisme de ses propres harmonies avant de la retremper en trio dans le blues. And I Love Her est l’un des sommets de l’album. Ce n’est pas la première fois que le pianiste nous propose cette chanson que Paul composa pour le film “A Hard Day’s Night. Le coffret “10 Years Solo Live”, en contient une version en solo. Avec Grenadier et Ballard, il ne s’éloigne jamais du thème lorsqu’il improvise, mais la qualité de ses voicings, ses phrases qui ondulent comme des vagues, son élégant balancement rythmique, soulèvent l’enthousiasme. Le pianiste peut aussi adopter un jeu beaucoup plus simple. Dans Little Person, une chanson que Jon Brion, composa pour le film “Synecdoche, New York”, il joue la mélodie, l’effleure avec délicatesse et respect. Car c’est un Brad Mehldau serein et inspiré qui s’exprime tout au long de ce disque. Ses phrases chantantes, les belles couleurs harmoniques qu’il pose sur de grandes mélodies procurent beaucoup de joie.

Photos © Michael Wilson.

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25 mai 2016 3 25 /05 /mai /2016 09:11
Tandem chic pour big band choc

Thad JONES / Mel LEWIS Orchestra : “All My Yesterdays”

(Resonance Records / Socadisc)

1966 : chargé des programmes de jazz de WKCR-FM, la station de radio de la Columbia University de Manhattan, George Klabin, 19 ans, aujourd’hui Président des disques Resonance, est aussi un ingénieur du son amateur. Fréquentant les clubs de New York et de ses environs, il enregistre les concerts auxquels il assiste et avec la permission des musiciens, les diffuse lors de ses émissions. Le jeune homme s’est lié d’amitié avec Alan Grant qui possède une émission journalière sur WABC-FM, une grosse radio new yorkaise, et apprécie son travail. Grant le contactera à deux reprises (7 février et 21 mars 1966) pour qu’il enregistre au Village Vanguard les premiers concerts du nouvel orchestre de Thad Jones & Mel Lewis dans le but d’intéresser une maison de disque.

 

Édité à l’occasion du 50ème anniversaire de la naissance de l’orchestre, “All My Yesterdays” (Resonance Records), un coffret de 2 CD(s), le second, 77 minutes environ, étant beaucoup plus long que le premier, réunit enfin la totalité exploitable de ces concerts (une édition pirate très incomplète en existait). Un copieux livret de 88 pages renfermant des interviews des survivants de l’orchestre et illustré de nombreuses photos l’accompagne. Préfacé par Zev Feldman (Executif Vice Président et General Manager de Resonance) et George Klabin, il contient également une étude sur les débuts de l’orchestre par Chris Smith, une interview de Jim McNeely qui rejoignit la formation en 1978.

Tandem chic pour big band choc

Le 7 février 1966, un lundi, George Klabin installe donc son matériel au Vanguard, un matériel léger mais d’excellente qualité, et occupe deux petites tables proches de la scène. Il dispose de six micros (Neumann U67, Beyer, AKG et Electro Voice), un pour chaque section (trombones, trompettes et saxophones), un pour la contrebasse, et le dernier pour Thad Jones qui fait face à l’orchestre, le dirige et prend quelques solos. Un magnétophone 2 pistes stéréo et une table de mixage complètent son « studio mobile » avec lequel il enregistre pour la première fois un big band de 18 musiciens.

Tandem chic pour big band choc

Trompettiste chez Count Basie de 1954 à 1963, Thad Jones l’a alors quitté pour jouer avec George Russell et intégrer le Concert Jazz Band de Gerry Mulligan. A la dissolution de ce dernier en 1964, il monte un quintette avec Pepper Adams et travaille pour les studios jusqu’à ce que Basie le contacte en 1965 pour lui confier le répertoire de son prochain album. Thad qui a souvent écrit des arrangements pour son orchestre lui propose alors des morceaux plus ambitieux : The Second Race, The Little Pixie, Low Down, Big Dipper, Back Bone, All My Yesterdays mais aussi Ah, That’s Freedom que son frère Hank à composé. Basie les essaye mais les refuse : trop compliqués, trop modernes et atypiques pour son big band. Pour les jouer, il s’associe avec Mel Lewis, le batteur du Concert Jazz Band (il fut aussi le batteur de Stan Kenton, Woody Herman et Benny Goodman) qui depuis longtemps souhaite créer son ensemble. Recruter des musiciens n’est pas un problème mais ils font souvent partie de plusieurs formations ce qui complique les répétitions et nécessite des remplaçants. Ces dernières débutent en décembre 1965 aux Studios A & R. Le Thad Jones / Mel Lewis Orchestra vient de naître.

Tandem chic pour big band choc

Le lundi 7 février, Thad Jones et Mel Lewis portent donc leur formation sur les fonts baptismaux. Le monde du jazz en émoi connaît déjà son existence et pour son tout premier concert le Village Vanguard affiche complet. George Klabin ne perd rien de la musique. L’absence de balance l’oblige à régler le volume de son magnétophone au cours des premiers morceaux. Heureusement, il y a deux sets et les compositions vont être jouées deux fois. 75 % de ce qu’il enregistre est ainsi exploitable. Le son est même étonnamment bon. Il sera meilleur encore le 21 mars. L’orchestre a besoin de davantage de matériel et Thad pense qu’il peut encore mieux jouer. Pour ce concert, Klabin installe quatre autres micros et apporte une seconde table de mixage. La batterie a désormais son propre microphone. Klabin connaît les arrangements et sait quand débute les solos ce qui lui permet aussi de mieux enregistrer la musique.

Mais qu’a-t-il de différent des autres cet orchestre ? Il réunit des jeunes – Jimmy Owens, Danny Stiles, Joe Farrell, Garnett Brown, Eddie Daniels –, des moins jeunes plus expérimentés – Snooky Young, Bill Berry, Jimmy Nottingham, Jerome Richardson, Jerry Dodgion, Pepper Adams, Marv « Doc » Holladay, Bob Brookmeyer, Jack Rains, Hank Jones, Sam Herman, Richard Davis –, des chrétiens et des juifs, des blancs et des noirs, ce qui est encore inhabituel à cette époque en Amérique. La musique qu’il propose est surtout beaucoup plus moderne que celle de la plupart des big band de l’époque.

Tandem chic pour big band choc

Au sein d’un même morceau, le Thad Jones / Mel Lewis Orchestra peut se transformer en trio, quartette, octette s’il est rejoint par une des sections, ou en une formation plus importante. Thad qui le dirige avec les mains, peut décider l’accélération d’un tempo, de changer un morceau en cours d’exécution, la musique, constamment « in progress » n‘étant jamais figée. Son étonnante vitalité, son groove, sa flexibilité éclatent dans ce répertoire sophistiqué que les musiciens n’ont découvert que quelques jours avant ces enregistrements. Le trompettiste essaye ses arrangements, en confie les solos aux musiciens qu’il estime les plus aptes à les jouer. Ils peuvent étirer une simple ligne de blues ou jouer ensemble des intervalles inhabituels, des lignes mélodiques compliquées. Obéissant aux ordres et dirigés par signes, ils alternent souplesse et rigueur au sein d’un vrai travail d’équipe. Co-leader de la formation, Mel Lewis fait de même. Il observe scrupuleusement les tempos demandés, réagit très vite au besoin d’autres rythmes, prend ici un solo dans Back Bone et Once Around et adapte son jeu à la taille de l’orchestre. Batteur puissant, il sait aussi tempérer le flux sonore, mettre en valeur, les sections, les instruments qu’il est chargé d’accompagner. Mel entend tout et donne puissance et finesse à un big band qui est aussi le sien.

Le matériel thématique comprend donc de nombreuses compositions de Thad Jones. De celles que le trompettiste destinait à Basie, The Second Race sera intégré plus tardivement au répertoire. Les autres, dont le fameux The Little Pixie, sont bien sûr joués ici. Morceau oh combien associé à la formation, il contient de longs chorus de Hank Jones, de Jerome Richardson (à l’alto), mais aussi de Thad qui phrase avec élégance, sculpte chacune de ses notes – il le fait aussi dans Low Down dont il est le seul soliste –, et réaffirme quel grand instrumentiste il était. Repris par toutes les sections, Big Dipper, une sorte de blues à rallonge (ses dix premières mesures en relèvent) dans lequel Jimmy Nottingham assure la trompette solo, sonne magnifiquement, et All My Yesterdays brille par l’orchestration somptueuse qui l’habille.

Tandem chic pour big band choc

Ces morceaux ne figurent pas dans “Presenting Thad Jones / Mel Lewis & The Jazz Orchestra”, premier disque que la formation enregistre en studio les 4, 5 et 6 mai 1966 pour le label Solid States. Thad préfère y inclure Don’t Ever Leave Me, le vitaminé Once Around dans lequel le baryton de Pepper Adams entretient la tension, Willow Weep For Me (l’arrangement est de Bob Brookmeyer) et Mean What You Say introduit par le piano élégant de Hank Jones et suivi par un chorus ébouriffant de Thad. Ces thèmes, les musiciens semblent les avoir parfaitement assimilés au Vanguard le 21 mars. The Little Pixie, Ah, That’s Freedom et les autres morceaux que joue l’orchestre – le drolatique Mornin’ Reverend au sein duquel une cloche à vache marque le tempo, Lover Man arrangé par Joe Farrell qui prend ici un chorus de ténor inoubliable – nous seront révélés par l’enregistrement que Phil Ramone, l’ingénieur du son des premiers albums Solid State de la formation, en fera dans ce même club le 28 avril 1967. A cette date, le Thad Jones / Mel Lewis Orchestra fait partie de l’histoire.

Tandem chic pour big band choc

Notes

-Lors du concert du 21 mars, Pepper Adams remplace Marv « Doc » Holladay au baryton ; Snooky Young indisponible, Dany Stiles prend sa place dans les trompettes et Tom McIntosh occupe le siège de Bob Brookmeyer chez les trombones.

 

-Thad Jones quitta la formation en 1978 pour s’installer à Copenhague. Rebaptisé The Mel Lewis Orchestra, l’orchestre continua à se produire au Village Vanguard tous les lundis sous la direction du batteur. Mel Lewis disparut en 1990, quatre ans après Thad Jones. Le Vanguard Jazz Orchestra lui succéda. Il perpétue le souvenir du Thad Jones / Mel Lewis Orchestra en se produisant tous les lundis dans le club new-yorkais.

 

-En France, le Vintage Orchestra, formation de seize musiciens que dirige le saxophoniste Dominique Mandin, reprend les arrangements que Thad Jones écrivit pour son orchestre. Depuis février 2015, il se produit une fois par mois au Sunside / Sunset. Prochain concert le 13 juin au Sunset.

 

PHOTOS : Chuck Stewart – Raymond Ross Archives  / CTS Images – Ray Avery / CTS Images.

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18 mai 2016 3 18 /05 /mai /2016 09:19
Un duo bien assorti

MADELEINE & SALOMON : “A Woman's Journey

(Tzig’Art / Promised Land / Socadisc)

Un duo bien assorti

Flûtiste de formation, Clotilde Rullaud se décida tardivement à chanter. Sarah Lazarus l’initia au jazz vocal, lui apprit à improviser. Clotilde étudia aussi le chant classique et, renseignée par la chanteuse ethno musicologue Martina Catella, s’intéressa aux différentes techniques de chant existantes de part le monde. Elle avait publié un premier disque avec le guitariste Hugo Lippi lorsque Olivier Hutman me la présenta en 2008, l’année de la parution d’“In Extremis”, son second album, un opus plus ambitieux réalisé avec des musiciens talentueux – Olivier au piano, Dano Haider à la guitare, Antoine Paganotti à la batterie. Inclassable, ouvert à toutes sortes de musiques, à l’Afrique comme à l’Amérique du Sud, à la musique française, La noyée de Serge Gainsbourg se retrouvant au même programme que le Pie Jesus de Maurice Duruflé, “In Extremis” me déconcerta malgré la voix originale de Clotilde, son feeling, son groove, son franc sourire et sa franchise que j’apprécie.

Un duo bien assorti

Après de solides études de piano classique, Alexandre Saada passa à d’autres musiques, intégra un groupe de rock pour y jouer de l’orgue, se consacra au jazz, aux musiques improvisées, prolongeant sa formation auprès de Daniel Goyone, de Michel Petrucciani. Je fis sa connaissance chez Paris Jazz Corner, le disquaire de la rue de Navarre. Il me remit son premier disque, une autoproduction intitulée “Eveil” enregistré en trio dans les années 2000. Un opus fait à la va vite, un peu bancal mais plein de bonnes idées, la découverte d’un piano sensible aux harmonies riches, aux notes bien choisies. Après “Panic Circus”, un intermède coloré, recueil de chansons pop passées à la moulinette d’un jazz électrique, Alexandre m’impressionna par ses albums solo, recueils de miniatures aux notes économes, aux harmonies travaillées intégrant avec bonheur le silence à la musique. Des disques évoquant des paysages brumeux de petit matin, mais aussi des figures amis dans “Portraits”, le dernier de ses trois opus en solo. “Present”, un disque improvisé de 2009 dans lequel il renoue avec ses racines classiques, et “Continuation to the End”, quatorze photographies sonores d’instants mémorisés enregistrés chez lui sur son propre piano, témoignent de la profondeur de son univers poétique.

Se connaissant depuis longtemps, Clotilde et Alexandre se sont rapprochés à l’occasion d’une tournée en Asie. Se découvrant des goûts communs pour la poésie, ils ont décidé de s’associer pour partager leur commune approche minimaliste de la musique. Une invitation du Melbourne Recital Center (Australie) les incita à repenser l’American Songbook, à lui donner une dimension politique plus engagée. Ce travail est aujourd’hui un disque, leur premier qu’ils publient sous leurs prénoms d’emprunts : Madeleine et Salomon.

Un duo bien assorti

Hommage à des chanteuses militantes qui affirmèrent leur féminité et surent porter un regard personnel sur la société dans laquelle elles vivaient, “A Woman’s Journey” s’ouvre sur une composition de Nina Simone chantée à capella. Les paroles sont celles d’un poème très célèbre de William Waring Cuney (1906-1976). Clotilde, une mezzo, la chante dans le registre grave, sa voix se rapprochant ainsi de celle de Nina, une voix de contralto, Images (il manque le s, les images du poème étant plurielles) acquérant ici la dimension mystique d’un chant religieux. La voix de Clotilde reste grave dans une magnifique version de All the Pretty (Little) Horses (le Little de la chanson a ici disparu), une berceuse que tous les américains connaissent, mais qu’un piano inspiré enrichit ici de mémorables couleurs harmoniques. De Nina Simone, le duo reprend aussi Four Women, un des morceaux le plus poignant de son répertoire. Introduit à la flûte par Clotilde qui le chante avec autant d’émotion que de conviction, il contient un bref passage onirique, une rêverie pianistique de l’imprévisible Alexandre qui en pose sobrement les accords. De Strange Fruit, une chanson courageuse pour l’époque (1939), qui colla à la peau noire de Billie Holiday, Clotilde, bénéficiant des accords lumineux du piano, en donne une version dépouillée, murmurée comme si on cherchait à bâillonner la chanteuse, comme si le poème de Lewis Allen (alias Abel Meeropol) continuait à déranger l’Amérique bien pensante. Plus loin, Save the Children, un extrait de “What’s Going On”, le chef-d’œuvre de Marvin Gaye, fait entendre un arrangement inattendu, le re-recording permettant de multiplier flûtes et pianos, de créer plusieurs voix. Elles sont ainsi plusieurs à chanter Les Fleurs, morceau popularisé par le pianiste Ramsey Lewis en 1968 et que Minnie Ripperton reprit deux ans plus tard dans “Come to My Garden”, son premier disque.

Car loin de reprendre que des titres célèbres, Madeleine & Salomon puisent leur matériel thématique dans un vaste répertoire. L’amateur de jazz connaît Little Girl Blue, une chanson de 1935 co-signée Richard Rogers (pour la musique) et Lorenz Hart (pour les paroles), un standard bénéficiant ici de la riche palette harmonique dont dispose Alexandre. Janis Joplin la chanta. Mais, de cette dernière, l’amateur de jazz point trop curieux a-t-il déjà entendu Mercedes Benz ? Swallow Song de Mimi et Richard Farina lui est-il familier ? La sœur de Joan Baez et son mari l’enregistrèrent en 1965 dans “Reflections in a Crystal Wind”, leur second album et la cadence soutenue que lui donne le piano, celle d’une chevauchée fantasque et fantastique, est ici renversante.

Élargi à la soul et à la folk music, le répertoire de ce disque (qui contient aussi At Seventeen, une chanson de Janis Ian particulièrement cruelle et désabusée), provoque la surprise. J’écoute pour la première fois No Government, un protest song de Philip Anthony Johnson qu’interpréta Nicolette Suwoton, une chanteuse d’origine nigériane née à Glasgow et installée à Londres. Je découvre également High School Drag, un poème « beat » sur la guerre froide écrit par Mel Welles, un obscur scénariste de Série B. L’actrice Phillipa Fallon le récite dans le film “High School Confidential” (1958). Ces deux morceaux, Madeleine & Salomon les entremêlent, n’en font qu’un, les paroles de High School Drag semblant sortir d’un mégaphone. Alexandre les rythme avec un piano préparé qui rend ses notes métalliques. Le duo tire également de l’oubli The End of Silence d’Elaine Brown, membre actif du Black Panther Party qui en chanta son hymne. Embellie par les harmonies du piano, la voix d’abord lointaine et récitante, se fait puissante comme celle d’une afro-américaine adressant une prière à l’église.

Dans tous ces morceaux, Alexandre Saada, assure un piano aussi délicat que minimaliste, juste ce qu’il faut pour valoriser la voix, embrasser ses murmures. Nonchalamment, son piano tranquille émerveille. Le souffle, l’âme passent au premier plan dans ce disque artisanal et surnaturel qui baigne dans une atmosphère envoûtante. Vous faites partie de moi (I’ve Got You Under my Skin de Cole Porter adapté en français par Joséphine Baker) est même volontairement fragile. Une voix sensible la porte et nous offre son cœur.

Alexandre Saada et Clotilde Rullaud (Madeleine & Salomon) se produiront au New Morning le 15 juin à 20h30. Accompagnant la musique, de courts films oniriques constitués d'images d'archives seront projetés pendant leur concert.

 

Photos © Alexandre Saada

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10 mai 2016 2 10 /05 /mai /2016 09:06
À voix basse

Jean-Christophe CHOLET - Matthieu MICHEL “Whispers”

(La Buissonne / Harmonia Mundi)

 

Pianiste de formation classique, Jean-Christophe Cholet compose pour la danse, le théâtre, pour des orchestres symphoniques ou d’harmonie. Avec Heiri Känzig à la contrebasse et Marcel Papaux à la batterie, il possède le sien depuis 2002, un trio inventif et d’une rare cohésion avec lequel il a déjà enregistré sept albums que l’on peine à trouver dans les bacs des disquaires. Il donne de nombreux concerts en Suisse, en Allemagne, en Autriche, en Italie, mais je ne l’ai jamais vu sur une scène parisienne. L’écoute fortuite de “Beyond the Circle”, un disque de 2008, me fit découvrir sa musique, son piano raffiné qui privilégie l’harmonie, la couleur, la beauté de la note. La sortie de “Connex” en 2011 me donna l’occasion de rédiger une chronique enthousiaste.

À voix basse

Enregistré avec le trompettiste Matthieu Michel, un complice de vingt ans, le jazz de chambre apaisé de “Whispers” nous ouvre les portes des rêves. Matthieu ne joue ici que du bugle. Plus doux que celui d’une trompette, son timbre est mieux adapté à une conversation intime, à une musique qui semble naître de la brume, jaillir du silence, se chante, mais aussi se murmure, se chuchote (Whisper). Dès la première plage, Fair, le piano se fait mélancolique. Un bugle subtil à la sonorité ouatée répond à ses accords. Le dialogue entre les deux instruments s’instaure un peu plus tard, en douceur. He’s Gone, une composition de Charlie Mariano leur en donne l’occasion. Le tempo est lent, les harmonies magnifiques. Disposant d’un toucher élégant, Jean-Christophe Cholet fait magnifiquement sonner le piano du Studio La Buissonne. Peu de notes, mais de l’espace pour les faire respirer, pour goûter leurs nuances. On ne s’attend pas à ce qu’un accordéon introduise Rêve, le morceau suivant. L’instrument de Didier Ithursarry renforce l’aspect crépusculaire de la musique, lui ajoute grâce et mystère. De la couleur aussi. Rythmé par les tambours de Ramon Lopez qui s’invite aussi à ces agapes, Rêve est plus vif, plus tendu. Dans l’inquiétant Junction Point, également en quartette, le rythme n’est que foisonnement, ponctuation sonore. Il est souvent suggéré, esquissé. Le swing n’a pas vraiment sa place dans cet album poétique qui sort de l’ordinaire et ne se laisse pas facilement classifier.

Jazz ? Musique improvisée ou contemporaine ? Qu’importe, car la musique s’impose, majestueuse dans sa simplicité, son absence d’artifice. Dans The Fairground, un duo piano / batterie, Ramon Lopez ne se préoccupe pas des barres de mesure. Il aère et colore le tempo, fait bruisser ses cymbales et parler ses tambours. Il n'a pas besoin d'être toujours présent. Les plages que se réservent les deux leaders se suffisent à elles-mêmes. Zemer et Le tour de Marius, le plus long morceau de l'album, contiennent de magnifiques échanges mélodiques entre le piano et le bugle. Dialogue feutré entre le bugle et l’accordéon, Onnance éblouit par sa lumière, sa profonde sérénité. Ne manquez pas la plage cachée de ce disque habité. De la musique tout simplement.

Photo © Jean-Baptiste Millot

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