blog de Choc

Sur scène, Yaron Herman prend son temps et développe les idées harmoniques qui lui passent par la tête. Il cherche, repense ses morceaux et ceux des autres, en donne des versions toujours différentes et se dépense sans compter dans de longues improvisations souvent oniriques. En studio, le pianiste canalise son énergie, réduit ses voicings et va à l’essentiel. Les morceaux de son disque précédent restent des esquisses enregistrées par un groupe qui n’a pas encore appris à se connaître. Ils seront retravaillés en concert. Perpétuellement insatisfait, Yaron cherchera sans doute à faire de même avec les compositions de ce nouvel album. Beaucoup plus abouti, il traduit pourtant une maturité nouvelle. Le pianiste fougueux place désormais sa technique au service d’une musique dont il a très soigneusement peaufiné les arrangements. La cohésion exceptionnelle du trio qui l’accompagne rend possible ce travail sur la forme. Matt Brewer à la contrebasse et Gerald Cleaver à la batterie apportent une grande fluidité rythmique aux morceaux. Le batteur fascine par la légèreté de son jeu de cymbales. Une contrebasse complice à la sonorité magnifique commente, installe un groove dont profite habilement le pianiste. Les rythmes interviennent beaucoup dans la composition de Vertigo et de Twins, morceaux exigeant une grande précision d’exécution. Matt Brewer apporte deux mélodies et Yaron en a puisé d’autres chez des compositeurs hébreux, Alexander Argov et Naomi Shemer, grande dame de la chanson israélienne. De cette dernière, Yaron reprend Lu Yehi, en solo, moment tendre et magnifique. Ecrit par Bjork, Isobel hérite des magnifiques couleurs qu’installe le Quatuor Ebène. Ce sont encore les cordes qui dans Muse répondent au piano. Cette pièce, la première de l’album, rappelle beaucoup Vision, l’ouverture d’“Expectations“, double album que Keith Jarrett enregistra pour Columbia en 1972. Bien que l’influence de ce dernier soit encore prépondérante, Yaron tend à s’en dégager. Intelligemment construites, ses longues phrases accueillent le silence. Joliment ciselées et restituées par une magnifique prise de son, les notes respirent, réservent de nombreux moments magiques, forment la trame d’un vaste tissu poétique. Joya et Rina Ballé éblouissent par leurs voicings. Cette dernière pièce, la plus longue du disque, abrite une splendide partie d’alto. Le Quatuor Ebène répète sans cesse le thème, le piano chante, les doigts égrainent un tapis de petites notes ensorcelantes qui réconfortent et ne lassent pas. Particulièrement inspiré, Yaron nous offre ici son plus beau disque.
Pour fêter sa sortie, Yaron Herman donne ce soir à 20 heures un concert unique au théâtre des Champs-Elysées: http://www.theatrechampselysees.fr/  

De bonnes chroniques de ce disque dans Jazzman et Jazz Magazine, Vladimir enthousiaste à la Fnac Montparnasse, m’ont donné envie de découvrir la musique de Christophe Leloil que je ne connaissais pas. « Bonne écoute » a écrit Jean-Paul Ricard le directeur artistique de l’Ajmi sur la carte postale qui accompagnait son envoi. Mes oreilles ont été enthousiastes. Outre la révélation d’un jeune trompettiste qui n’hésite pas à utiliser toutes sortes de sourdines pour rechercher divers effets de growl et vocaliser le discours instrumental, la compétence de l’arrangeur et l’agencement des épisodes orchestraux de cette suite instrumentale subtilement orchestrée impressionnent. "E.C.H.O.E.S." (Extended Composition Heard On Evolutive Swing) réunit une série de compositions à tiroirs s’enchaînant sans aucune pause. De fréquents changements de tempo au sein même de chaque morceau favorisent la déclinaison de nombreux interludes mélodiques qui introduisent habilement les chorus. Christophe se réserve ceux de la première pièce : Play the Blues and See What Happens, avant d’inviter ses musiciens à improviser. Trempée dans le blues, sa musique sonne résolument moderne. Nourrie du bop de Clifford Brown, elle s’enracine dans le swing de Roy Eldridge et dans le jazz des années 20. Le blues habite cette trompette agile et chaleureuse qui concilie tradition et modernité et passe aussi aisément d’un style à un autre que la nuit succède au jour. Car c’est un véritable voyage dans l’histoire du jazz qu’effectue ce sextet qui parvient à sonner comme un petit big band. Comment ne pas penser aux suites que Wynton Marsalis a composées pour son septet au début des années 90, à “Citi Movement“ notamment. Il faut saluer les protagonistes de cette belle aventure musicale qui, sans jamais tomber dans le syncrétisme, réunit le jazz d’hier et d’aujourd’hui. Omniprésente au piano, Carine Bonnefoy brode des harmonies délicates et assoit l’harmonie derrière les solistes. Il faut l’entendre improviser dans Roulette Russe et La Petite Ternade, composition qui étonne par sa modernité. Raphaël Imbert et Thomas Savy se partagent clarinettes et saxophones et donnent de chaudes couleurs à ces pages pleines de vie. Simon Tailleu et Cédrick Bec installent le swing et portent à ébullition une grande variété de rythmes. Avec eux, la musique jamais ennuyeuse acquiert une dynamique et une mobilité stupéfiantes. 

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SAMEDI 31 janvier
“La ville“, une pièce de Martin Crimp au Théâtre des Abbesses. Assise sur un banc, Claire (Marianne Denicourt), traductrice de textes fastidieux, raconte à son mari Christopher (André Marcon) sa rencontre avec un écrivain. Ce dernier lui a offert l’agenda qu’il destinait à sa fille, partie avec sa belle-sœur infirmière. Le temps passe. Claire en robe légère travaille dans son jardin. Jenny (Hélène Alexandridis), une voisine, une infirmière, vient se plaindre du bruit que font leurs enfants lorsqu’ils jouent dans le jardin avec Christopher qui a perdu son travail. Le mari de Jenny, un militaire, est parti à la guerre « Pas pour tuer, il est médecin » précise-t-elle. Les jours s’écoulent. Christopher a retrouvé un emploi et Claire lui annonce que l’écrivain qu’elle a rencontré quelques mois plus tôt l’invite à assister à une conférence à Lisbonne… L’intrigue serait banale si elle n’était pas portée par un texte d’une grande virtuosité littéraire. Martin Crimp pratique l’épure. Son écriture précise, presque minimaliste fourmille de détails nullement anodins, chacun d’eux étant la pièce d’un puzzle que l’auteur nous charge d’assembler. Il  nous livre très peu de choses sur ses personnages. A nous de les connaître, de les découvrir par l’écoute attentive des histoires qu’ils racontent, récits dont nous saisissons l’étrangeté sans vraiment les comprendre. Sont-ils réels ? Ne sortent-ils pas plutôt de l’imagination de Claire ? Sa fille– elle n’a aucun prénom – ne porte-t-elle pas curieusement un uniforme d’infirmière ? Et puis quel âge a-t-elle ? Le choix de confier le rôle à une toute petite jeune femme augmente la confusion du spectateur. Ne sommes-nous pas plutôt dans une histoire inventée par Claire au sein même d’une fiction théâtrale ? Jouée par de très bons acteurs et sobrement mis en scène par Marc Paquien, “La ville“ se voit sans ennui malgré les zones d’ombre désirées par l’auteur. On se laisse porter par des dialogues brillants teintés d’un humour très britannique, par une langue fluide et rythmée remplie de petites choses apparemment sans importance. Reliées les unes aux autres, elles forment la trame d’un récit complexe, une intrigue qui jusqu’au bout conserve son mystère. Amiens, Colombes, Bordeaux, Lille, La Rochelle, Istres et Nantes (au Grand T du 2 au 4 avril) accueilleront la pièce.

DIMANCHE 1er Février
Vu “Le bal des actrices“ de Maïwenn. Le film se présente comme un documentaire sur quelques actrices que la réalisatrice suit dans leurs déplacements et leur vie quotidienne. Caméra au poing, elle met en scène de fausses petites histoires comme celles dont raffolent les lecteurs de “Voici“, nous montre sur un ton gentiment moqueur ses comédiennes fragiles, humaines et plutôt sympathiques. Chacune d’entre-elles apparaît dans une séquence musicale au kitch hollywoodien. Mais, la réalisatrice a beau pratiquer l’autodérision, brosser des portraits pas toujours flatteurs de ses actrices, Mélanie Doutey, Karin Viard, Julie Depardieu, Jeanne Balibar, Marina Foïs, Muriel Robin, Charlotte Rampling, Romane Bohringer n’en font pas moins complaisamment parler d’elles en interprétant leurs propres personnages. La publicité n’a jamais nuit à personne et Maïwenn en profite pour faire la sienne et s’invente une relation avec un Joey Starr, étonnant de naturel. Filmé sans trop de soin - les images bougent exprès pour faire reportage –  , son ballet d’actrices ne manque pas de charme. Certaines séquences émeuvent (Estelle Lefébure touchante car mal à l’aise), d’autres font rire ou sourire. Parodie de comédie musicale américaine, le générique amuse et les séquences musicales sont très travaillées. L’affiche surtout accroche le regard. Ce n’est pas une scène du film, mais une image racoleuse qui fonctionne et attire le spectateur dans les salles. C’est probablement d’elle dont on se souviendra le plus.

LUNDI 2 février
Accueilli par Dominique Lioté, directeur général des brasseries Flo, on se bouscule ce lundi au “Bœuf sur le Toit“ pour boire du champagne et écouter le trio de Pierre Christophe animer une jam-session. Au cours de la soirée, la pétillante Anne Ducros, l’excellent tromboniste Sébastien Llado, l’incontournable Manu Dibango investirent la scène et firent tanguer ce lieu mythique, grand navire à nouveau secoué par le jazz et ses rythmes. Avant de devenir une brasserie célèbre, le Bœuf fut d’abord un ballet. Darius Milhaud le composa en 1919. La Comédie des Champs-Elysées l’inscrivit à son programme l’année suivante. Jean Cocteau trouva le nom et Louis Moysès appela ainsi le bar dancing qu’il ouvrit en 1921 au 28 de la rue Boissy d’Anglas. Épicentre du Paris des Années Folles, ce premier bœuf est celui dont parle Maurice Sachs dans son livre “Au temps du bœuf sur le toit“. Pianiste virtuose, Clément Doucet faisait le bœuf (l’expression y est née) avec Jean Wiener. On y croisait Igor Stravinsky et Blaise Cendrars, Pablo Picasso et Coco Chanel, Francis Poulenc et Jean Cocteau. Ce dernier suivit le Bœuf lorsque son propriétaire l’installa en 1941 au 34 rue du Colisée. Boiseries de chêne, peintures, photographies, décors géométriques à chevrons, verres gravés, grands panneaux en laque de Coromandel, l’endroit tout en enfilade évoque un grand paquebot art déco. Juliette Greco et Serge Reggiani, Django Reinhardt et Charlie Parker le fréquentèrent après la guerre. Propriété du Groupe Flo depuis 1985, le Bœuf sur le Toit accueillera des jazzmen les premiers lundi de  chaque mois. La programmation a été confiée à Frédéric Charbaut. Espérons-la d’un effet bœuf.

MERCREDI 4 février
Le Surnatural Orchestra au Cabaret Sauvage. L’endroit idéal pour un concert de ce big band décoiffant dont vous allez beaucoup entendre parler. Ce collectif de plus de vingt musiciens est d’abord une fanfare. Flûtes, trompettes, trombones, saxophones (alto, soprano, ténor et baryton), tuba et deux gros soubassophones aux pavillons rutilants pour jouer les basses créent une pâte sonore colorée, la douce petite musique des flûtes accompagnant le tonnerre des cuivres, les lignes mélodiques suaves et élégantes des anches. Pour marquer les rythmes, deux batteurs percussionnistes complètent cette vraie fanfare malgré la présence d’un préposé aux claviers et occasionnellement d’une basse électrique. Capable de se produire en pleine rue, en bas de chez vous, le Surnatural Orchestra transporte avec lui ses lumières, ses lampes, ses luminaires. Avec leurs longues tiges flexibles, ces derniers ressemblent à de longues fleurs géantes. Ils éclairent des tenues de scène bariolées, un spectacle coloré et visuel. Un fil tendu aux deux extrémités de la piste circulaire du Cabaret Sauvage attend des funambules ; une corde suspendue au sommet du chapiteau, invite à des numéros d’acrobates. Ces voltigeurs amis font partie d’un cirque, la Compagnie des Colporteurs. Leurs numéros accompagnent de nouvelles compositions aux titres surprenants (Six apparitions de Berlusconi sur un écran), mais aussi des improvisations collectives ou soundpainting, une musique mobile, in progress, que dirige à tour de rôle les membres de l’orchestre ou l’homme sans tête qui donne son titre au nouvel album. On est pris dans un tourbillon de notes, une féérie de couleurs et de lumières, gigantesque patchwork sonore dans lequel des valses à trois temps tendent la main au swing, rencontrent Nino Rota et Carla Bley, le Willem Breuker Kollectif et Battista Lena. “Sans tête“, leur nouvel opus vient de paraître, deux disques dans un coffret cartonné. S’y ajoutent “Soif" épopée marine de Nicolas Flesh, et une plaquette contenant des photos et dessins de Camille Sauvage. Prochain concert parisien au Studio de l’Ermitage les 10 et 11 mars prochains.

DIMANCHE 8 février
Dave Liebman, Bobo Stenson, Jean-Paul Celea et Daniel Humair au Sunside. Le club refuse du monde. Ce nouveau groupe n’a pas échappé à la vigilance de l’amateur de jazz. Il se souvient de Quest, groupe à l’énergie dévastatrice, l’un des meilleurs des années 80. Dave Liebman l’animait et son saxophone soprano lançait des flammes. Le groupe jouait un jazz moderne tendu à l’extrême, comme un fil prêt à se rompre. La musique de ce nouveau quartette  présente des différences notables. Daniel Humair la souhaite moins agressive et son drumming est davantage caresse de cymbales que martèlement de tambours de guerre. Il colore le flux  harmonique, mais peut installer un vrai chabada pour ponctuer un morceau plus classique hérité du bebop. Dave Liebman possède une très forte personnalité. Dès qu’il souffle dans un saxophone – ténor, mais surtout soprano – une sonorité puissante et originale s’impose et fascine. Au piano, Bobo Stenson calme les notes de feu du saxophoniste, développe un jeu mélodique sensible et lyrique, introduit des dissonances, des ruptures, joue des phrases abstraites qui étonnent. Une basse solide fait le lien, tisse les fils d’un travail de groupe. Loin de faire gronder son instrument, Jean-Paul Celea préfère commenter dans les aigus, saupoudrer d’harmonies les compositions de ses partenaires. La formation donne ses premiers concerts. Elle est déjà très prometteuse.

MERCREDI 11 février
"Les Enfants Terribles" de Jean Cocteau mis en scène par Paul Desveaux au Théâtre de l’Athénée. Ce n’est pas une pièce mais un opéra de chambre composé pour trois pianos par Philip Glass, le troisième volet d’un tryptique consacré à Cocteau, après “Orphée“ (1993) et "La belle et la bête" (1995). Avec l’aide de la chorégraphe Susan Marshall, Glass l’a conçu comme un dance-opera dans lequel les chanteurs sont aussi des danseurs. Frappé en pleine poitrine par une boule de neige lancée par Dargelo, un camarade qu’il vénère, Paul (le baryton Jean-Baptiste Dumora) doit garder la chambre. Sa sœur Elisabeth (la soprano Myriam Zekaria) le veille jalousement. Elle écarte Agathe, un double féminin de Dargelos (Muriel Ferraro, une soprano, tient les deux rôles) dont Paul est amoureux et manigance le mariage cette dernière avec Gérard (le ténor Damien Bigourdan), le narrateur de l’histoire. Découvrant ces manœuvres, Paul s’empoisonne. Elisabeth rejoint son frère dans la mort. Ces quatre personnages occupent la scène. Ils chantent, dansent, au rythme d’une musique ensorcelante. Une nouvelle chorégraphie confiée à Yano Latridès donne à voir des scènes presque irréelles : celle de la boule-de-neige ; le frère et la sœur jouant à se disputer et à « partir » ; Paul somnambule tournant sur lui-même tel un derviche. Les moments féeriques ne manquent pas dans ce spectacle qui nous mène dans des chambres mystérieuses où se promènent des enfants joueurs qui préfèrent les rêves à la réalité. Un tapis, quelques coussins, deux chaises, un lit qui va et vient, il n’en faut pas davantage pour décorer l’espace scénique et inventer une chambre, lieu clos « espace imaginaire où le territoire de l’intime se révèle à cœur ouvert. » Trois pianistes (Véronique Briel, Cécile Restier, Vincent Leterme et Stéphane Petitjean en alternance) occupent le fond de la scène derrière un fin rideau qui sert d’écran aux ombres et aux jeux de lumières. Ils répètent des figures, de courtes phrases sans cesse enrichies de micro-intervalles, quarts ou huitièmes de ton, progression additive de figures répétitives. La musique rythmée et en mouvement épouse les tensions dramatiques du récit. L’ouverture est splendide, de même que l’interlude instrumental accompagnant la danse de Paul en somnambule. Dommage que Muriel Ferraro articule mal. Elle compense ce défaut par sa grâce, sa mobilité. Jolie fille, elle tourbillonne et virevolte comme un papillon. On sort de ce spectacle de belles images plein les yeux et hypnotisé par une musique qui vous trotte très longtemps dans la tête.

VENDREDI 13 février
Le Sunside accueille Vijay Iyer. New-yorkais d’origine indienne, ce dernier n’a pas peur de jouer un piano différent, une musique résolument moderne qui n’est pourtant pas exempte de lyrisme. Son trio l’aide beaucoup à la construire. Stephen Crump à la contrebasse et Marcus Gilmore à la batterie tissent une véritable toile rythmique aux ponctuations irrégulières, aux métriques inhabituelles, un tissu percussif d’une grande mobilité qui superpose de nombreuses figures asymétriques. La main gauche du pianiste plaque des accords sombres et dissonants ; la droite peut longuement répéter un thème riff, s’emparer de quelques notes et développer de longs voicings inattendus. Vijay Iyer pratique un jeu orchestral. Il prend le temps de faire sonner ses notes, de les jouer crescendo. La caisse claire porte le flux sonore à ébullition ; la contrebasse réactive s’empare d’une ligne jouée par le piano pour la commenter. Une mélodie peut jaillir d’un amoncellement d’accords et de clusters. Vijay invente, varie sans cesse son langage pianistique et prend des risques. Sa musique in progress bruisse de cadences sauvages et vibre de puissance. “Trajicomic“, son dernier album a été récompensé par Jazzman. Un Choc de l’année 2008 tout à fait mérité. Vijay en joue quelques morceaux. Je reconnais Comin’up et sa renversante petite musique, sa structure rythmique particulière. Le second set moins abstrait, plus mélodique, me laisse une profonde impression. Le jazz bat d’autres rythmes, explore de nouveaux champs harmoniques. On ne doute pas de sa bonne santé après un tel concert.
Photos © Pierre de Chocqueuse, sauf Marianne Denicourt © Frédéric Joyeux - "La Ville“©Photo X - "Les Enfants Terribles © Elizabeth Carecchio.