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20 mars 2017 1 20 /03 /mars /2017 09:22
Tony PAELEMAN : “Camera Obscura” (Shed Music / Absilone)

Le jazz, Tony Paeleman ne l’a pas découvert tout de suite. L’écoute de la musique pop des années 60 et 70 et l’apprentissage de la musique classique précédèrent sa pratique. Des études musicales au Conservatoire de Nice puis au sein du département Jazz et Musiques Improvisées du Conservatoire National Supérieur de Paris ne sont pas parvenues à faire de lui un musicien académique. Sa vision du jazz ne l’est même pas du tout. Bon pianiste, il sait très bien arranger sa musique, des compositions originales marquées par de nombreuses influences dont il peaufine les détails avec le plus grand soin. Quatre ans après “Slow Motion”, son premier disque, univers musical encore en gestation attestant d’un imaginaire très riche, son nouvel album, “Camera Obscura” confirme l’originalité de sa musique, ancrée dans le jazz par ses parties improvisées, mais ouverte à d’autres genres musicaux qui enrichissent et renouvellent le genre.

Ce disque, Tony Paeleman en a bichonné l’enregistrement. Très fort dans ce domaine, il s’est chargé de la prise de son d’Étrangement calme, un des duos saxophone – piano que renferme “Les âmes perdues” de son ami Christophe Panzani, opus dont il a assuré le mixage et le mastering. Il fait de même avec “Camera Obscura”, ajoutant des effets judicieux à Broken Frame qu’arpège la guitare de Pierre Perchaud. Ce dernier contribue aussi à Kindred Spirits, morceau lent et aérien également confié au saxophone ténor de Julien Pontvianne dont la sonorité diaphane en renforce l’aspect onirique. On retrouve avec lui Nicolas Moreaux à la contrebasse et Karl Jannuska à la batterie qui officiaient dans l’album précédent. Les autres invités sont des saxophonistes. Emile Parisien (soprano), Antonin Tri-Hoang (alto) et Christophe Panzani (ténor et clarinette basse) mêlent les timbres de leurs instruments respectifs dans Movin’Heads, une pièce colorée, enrichie par des effets sonores et scandée par des rythmes bondissants relevant du hip-hop. Les anches s’entrecroisent et nous font également rêver dans Zadar, un lamento dont la mélodie répétitive hypnotise. Complexes et sophistiqués, les rythmes de The Hex et Morning Live ne sont pas non plus ceux du jazz. Utilisant pourtant son vocabulaire, le piano improvise sur des métriques changeantes. Au sein d’un même morceau, les rythmes bougent et avec eux la musique se transforme, images sonores qui, constamment mélangées, en génèrent de nouvelles. Introduit par le piano qui en décline progressivement les accords, Roxanne, une des plus célèbres compositions de Sting, baigne dans une torpeur rêveuse puis adopte un tempo aussi vif qu’inattendu. Our Spanish Love Song de Charlie Haden qui referme l’album hérite d’une version plus sage. Accompagné par une contrebasse et une batterie discrète, le piano en décline sobrement le thème, une mélodie, simple, lumineuse qui se suffit à elle-même.

 

-Sortie le 24 mars – Concert le 25 avril au Studio de l’Ermitage.

 

-Photos © Sylvain Gripoix

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13 mars 2017 1 13 /03 /mars /2017 10:11
Louis SCLAVIS / Dominique PIFARÉLY / Vincent COURTOIS :  “Asian Fields Variations” (ECM / Universal)

Le nom de Louis Sclavis, qui est à l’origine de ce trio, vient en premier sur la pochette. Le clarinettiste a toutefois choisi d’associer étroitement Dominique Pifarély et Vincent Courtois (violon et violoncelle) à ce projet. Ils ont souvent joué en binôme au sein de diverses formations, mais ce n’est qu’en 2000, à l’occasion de l’enregistrement de la musique d’un film muet de Charles Vanel publié sous le nom de Sclavis, “Dans la nuit”, qu’ils se sont tous les trois retrouvés. Douze ans plus tard, “Flying Soul”, un disque en quartette d’Aki Takase, pianiste japonaise résidant à Berlin, leur permirent d’affiner leurs communes affinités musicales. Enregistrer un album avec des compositions spécialement écrites pour leurs trois instruments s’imposait.

Les micros du studio La Buissonne les recueillirent en septembre 2015. Onze compositions originales – cinq de Sclavis, deux de Pifarély, trois de Courtois, Digression étant cosigné par tous les musiciens  – en constituent le programme. Clarinette ou clarinette basse, violon et violoncelle mêlent leurs sonorités pour jouer de la musique de chambre confiée à trois instruments qui vibrent bien ensemble. L’amateur de jazz qui privilégie le swing et s’accroche aux barres de mesure ne trouvera pas ici son bonheur. Pas de contrebasse, ni de batterie dans cette musique qui s’étale librement, musique contemporaine réfléchie mais pas trop car prenant le temps de nous faire rêver. On y relève certes quelques cadences, notamment dans Asian Fields. La courte phrase mélodique que répète le violon sert d’appui aux improvisations de la clarinette basse, cette dernière faisant de même un peu plus tard pour soutenir le chorus du violon. Sous les doigts de Dominique Pifarély, ce dernier s’envole dans Les nuits, les cordes pincées du violoncelle rythmant le morceau, et c’est à l’archet que Vincent Courtois accompagne le chant de la clarinette dans la première partie de Cèdre.

 

Si certaines pièces ne dépassent guère les deux minutes – Done and Done que le violoncelliste se réserve en solo, Pensée Fugitive confiée à la seule clarinette basse –, d’autres s’organisent bien autour de thèmes, de parties écrites qu’il est parfois difficile de distinguer des improvisations. Mont Myon, le plus long morceau de l’album, enchaîne trois mouvements. Le premier fait entendre une superbe mélodie orientale ; abstrait et improvisé, le second se déploie autour de la clarinette basse ; pendant de la première, le troisième en reprend le thème mais le structure autrement. Décliné successivement par les trois instruments, le court motif mélodique de Fifteen Weeks sert de fil conducteur à une brève symphonie de timbres digne de certains compositeurs viennois que le temps ne fait pas oublier. La carrière qui envoûte et conclut majestueusement le disque nous fait regretter qu’il se termine trop vite, la musique, nul ne l’ignore, ayant pouvoir de distendre le temps.

 

-Sortie le 17 mars.

-Tournée française en mars et en avril.

-En mars à Bessé sur Braye (le 17), à La Ferté-Bernard (le 22), à La Flèche (le 28), à Saint-Saturnin (le 29), à La Roche-sur-Yon (le 30), à Trelazé (le 31).

-En avril à Flers (le 1er), à Parigné-l'Evêque (le 4), au Mans (le 5), à Saint-Berthevin (le 6), à Strasbourg (le 7), à Saint-Florent-le-Vieil (le 9).

 

Photo : X/D.R.

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21 février 2017 2 21 /02 /février /2017 09:20
Paul Lay : “The Party” (Laborie Jazz / Socadisc)

Que de progrès accomplis entre “Unveiling”, son premier disque en 2010, et “The Party”, son troisième qui paraît aujourd’hui. Album inégal, “Unveiling”, atteste du savoir-faire, de la solide technique acquise par Paul Lay lors de ses très sérieuses études musicales au Conservatoire de Toulouse, puis au CNSM de Paris, département Jazz et Musiques Improvisées. Dotées de mélodies pas toujours évidentes, des métriques complexes compliquant inutilement la musique, ses compositions personnelles peinent encore à convaincre, mais ce premier opus interpelle par la maîtrise peu commune des couleurs et de l’harmonie d’un pianiste qui ne joue déjà pas comme les autres, Haïku, abordé en solo, révélant son talent.

Beaucoup plus conséquent, “Mikado”, Grand Prix du disque de Jazz de l’Académie Charles Cros en 2014, révèle un arrangeur, un organisateur de sons qui attache de l’importance à la forme. Paul Lay écrit mieux comme en témoignent Dolphins et Chao Phraya, de vraies réussites mélodiques. Avec Clemens Van Der Feen à la contrebasse et Dré Pallemaerts à la batterie, il s’est trouvé une section rythmique qui interroge son piano, libère son imagination. Membre de plusieurs formations – Ping Machine, le quartette d’Eric Le Lann, le quintette de Riccardo Del Fra  –, Paul va beaucoup jouer avec Géraldine Laurent, participant en 2015 à l’enregistrement de “At Work”. Il s’y révèle puissamment créatif, se lâche, s’abandonne, enrichissant la musique par des dissonances, des clusters, jouant des notes surprenantes comme si l’ange du bizarre habitait son piano. La même année, il reçoit le Prix Django Reinhardt de l’Académie du Jazz, récompense méritée pour un début de carrière pour le moins prometteur.

Un nouveau chapitre s’ouvre aujourd’hui avec “The Party”, le disque de la maturité. Paul Lay l’a conçu « comme une illustration sonore de scènes cinématographiques qui se déroulent lors d'une fête (…) Chaque pièce caractérise un personnage, une situation, ou encore un échange de regards, une danse, et bien d’autres mouvements. » Loin d’être une fête bruyante, cette « Party » privilégie la retenue. On y danse des valses lentes et rouges, on s’isole à distance du tumulte. Attribuant à ses compositions des titres énigmatiques –  Langueurs, Murmures, Regards croisés –, Paul entretient le mystère, leur contenu musical s’attachant à décliner des atmosphères (À distance du tumulte). Certains titres restent toutefois obscurs au regard de la musique. Relevant du bop, l’énergique M. Birdy fait-il référence à une scène de “The Party”, le film de Blake Edwards ? Qu’importe, car la musique nous emporte dès l’ouverture du disque, The Party Begins. Avec elle, le piano nous saisit dans un filet de notes espiègles, colorées, rythmées avec souplesse par Clemens Van Der Feen et Dré Pallemaerts qu’il faut étroitement associer à cette réussite. Difficile de conseiller un morceau plutôt qu’un autre. Paul Lay joue ici un magnifique piano, étonne par ses mises en couleurs, ses choix harmoniques aussi beaux qu’inattendus, ses phrases gorgées de swing et de blues. A Letter est un régal d’harmonies flottantes que le piano installe par petites touches avant de saturer de notes l’espace sonore. Dance For Three surprend par la cohérence de ses voicings, l’interaction qui règne entre les instruments. L’étonnant Regards croisés s’organise autour de la rythmique, contrebasse et piano se rejoignant pour improviser ensemble, le piano utilisé comme un instrument de percussion concluant seul la pièce. Les ballades enchantent par leur simplicité, leur respiration naturelle. Langueurs et Murmures révèlent ainsi leur élégance. Avec I Fall in Love Too Easily qui conclut le disque, une pièce en solo, on tombe bien sûr en amour avec ce piano qui, enraciné dans l’histoire du jazz, aborde sereinement le futur.

 

Concert de sortie le 15 mars au Café de la Danse.

 

Photos © Jean-Baptiste Millot

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23 janvier 2017 1 23 /01 /janvier /2017 10:39
Nathalie LORIERS / Tineke POSTMA / Nicolas THYS :  “We Will Really Meet Again” (W.E.R.F. Records)

Enseignante très demandée, pianiste du Brussels Jazz Orchestra, le meilleur big band de jazz de Belgique qui nous a visité l’été dernier – un concert au Parc Floral de Paris avec David Linx en invité dans un programme consacré à Jacques Brel –, Nathalie Loriers publie un nouveau disque en trio, le second qu’elle enregistre avec la saxophoniste Tineke Postma. Autant l’écrire tout de suite, “We Will Really Meet Again” est encore plus réussi que “Le Peuple des silencieux”, son précédent, enregistré en 2013 lors du Gaume Jazz Festival. On y entend les musiciens lâcher prise, se fondre dans la musique tout en lui apportant énergie et tension.

Philippe Aerts parti découvrir l’Inde, vers d'autres aventures, la formation ne perd nullement pied avec Nicolas Thys, bassiste expérimenté apprécié de Bill Carrothers, et rythmicien très capable de faire chanter son instrument (l’introduction de Dançao), de lui faire prendre des chemins mélodiques. Dialoguant souvent avec le saxophone et le piano, il adopte un jeu plus abstrait dans Oceans, voire même anguleux dans Remembering Lee, échanges spontanés sur la corde raide que se tendent les trois instruments dans deux des trois miniatures improvisées de l’album. Ce dernier s’ouvre sur une version enchanteresse et quelque peu ré-harmonisée de Luiza, une composition d’Antonio Carlos Jobim. La pianiste l’aborde seul, pose des couleurs subtiles sur une toile sonore que rejoint un peu plus tard une contrebasse aussi juste que discrète. L’alto expose le thème et assure les contre-chants.

 

Les autres compositions de ce nouvel opus sont de Nathalie Loriers dont le beau toucher met en valeur les notes délicates qu’elle utilise pour peindre des paysages, mélancoliques pour la plupart. Le blues qu’elle transmet à ses doigts irrigue ainsi sa musique. Les ballades, souvent poignantes sont ici nombreuses. Une grande douceur enveloppe Quietness, une des trois improvisations de l’album. De toute beauté, il prélude à la musique douloureuse de We Will Really Meet Again que Nathalie a écrit à l’intention du frère disparu de Thierry, son compagnon. Un tendre lamento de soprano se fait entendre. Le piano rentre tardivement et sur la pointe des pieds dans la musique comme pour lui témoigner pudiquement du respect. And Then Comes Love séduit également par sa lenteur, sa respiration favorisant l’écoute, l’interaction attentive, les musiciens prenant leur temps pour développer leurs idées et les faire circuler.

 

Cette fausse nonchalance n’est pas partout de mise. Les entrelacs acrobatiques de Everything We Need font entendre une musique inspirée par celle de Lennie Tristano. Tineke joue la mélodie à l'alto. Nathalie la double une octave plus bas. L'effet obtenu est surprenant, comme si deux saxophones étaient joués simultanément. Abordé à l’unisson, le thème génère de nombreux échanges, Nicolas Thys s’accordant lui aussi un chorus mélodique. C’est également la contrebasse qui introduit Dançao, morceau débordant de soleil et de joie. Un piano dynamique le chaloupe, le déhanche, nous invite à danser, Tineke lui faisant escalader les marches du ciel. Autre moment joyeux, le primesautier Take the Cake met en valeur la belle sonorité de cette dernière à l’alto. Piano et saxophone entrecroisent leurs lignes mélodiques et affichent une grande complicité. Confortablement assis sur de souples cadences, ils conduisent ainsi entre ciel et terre leurs dialogues aériens, l’excellente acoustique de la Salle Philharmonique de Liège contribuant à leur bonheur qui est aussi le nôtre.

 

Photo © Thomas Geuens

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25 novembre 2016 5 25 /11 /novembre /2016 09:00
Yonathan AVISHAI / MODERN TIMES : “The Parade” (Jazz & People / Pias)

C'est avec “Modern Time”, son premier disque pour Jazz & People publié l’an dernier, que j’ai entendu pour la première fois le piano et la musique de Yonathan Avishai. La chronique que j’en ai faite pour Jazz Magazine, rend compte de ma découverte d’un pianiste qui joue peu de notes, les choisit bien, et les fait merveilleusement sonner. Né en Israël, le pianiste franco-israélien (son père est israélien et sa mère française) s’est passionné pour le jazz jusqu’à en assimiler le blues, les musiques qui en ont façonné l’histoire.

Ces musiques, Yonathan Avishai les intègre à la sienne de manière très personnelle. Le swing y est présent dans des rythmes simples et efficaces. Les Caraïbes aussi. César Poirier (saxophone alto et clarinette) et Inor Sotolongo (percussions) rejoignent Yoni Zelnik (contrebasse) et Donald Kontomanou (batterie), tous les deux impressionnants, pour jouer un répertoire qui accueille et transcende le boléro et l’habanera, nous ramène à la Nouvelle-Orléans, à Congo Square où tout a commencé.  Des claves (au singulier, la clave est également un rythme que possèdent en commun les peuples de l’Afrique) introduisent (symboliquement ?) Le nouveau monde, première plage de l’album et terre sur laquelle a fusionné toutes ces cultures. Des claves qui rythment Django, la seule reprise de ce nouvel album, comme pour bien montrer l’importance de l’Afrique au sein du jazz des origines. Plus dense et épicée que dans son disque précédent, la musique de Yonathan Avishai n’en conserve pas moins son aspect minimaliste. Les notes parcimonieuses de Diminuendo en sont une parfaite illustration. Si les lignes mélodiques de ses compositions restent toujours parfaitement lisibles, aérées, certaines d’entre-elles sont des ritournelles que n’aurait pas désavoué Ornette Coleman, remercié par un bref poème sonore chanté par les instruments. Les notes toutes simples de L'Arbre et L'écureuil deviennent même entêtantes à force d’être répétées. Un toucher de piano fin et sensible les met en valeur. Sandrine's Garden, un morceau d’une rare élégance, repose aussi sur un ostinato.

Pas étonnant que Yonathan Avishai fasse merveille au sein du quartette du trompettiste Avishai Cohen. L’aspect méditatif de son jeu, l’importance qu’il accorde au silence et qui permet à la musique de respirer, se révèlent dans Death of the River, pièce dans laquelle la contrebasse ronde de Yoni Zelnik tient une place importante. La clarinette de César Poirier y entre tardivement. Elle sait nous faire rêver par sa fausse nonchalance, son timbre un peu magique. Zelda avec ses rythmes chaloupés en bénéficie. Elle entraîne souvent les autres instruments à danser. Simgik est irrésistible, de même que The Battle, une autre ritournelle qui laisse le champ libre aux percussions. Au saxophone alto dans Once Upon a Time, Poirier sait faire chanter la ligne mélodique sur laquelle il improvise et raconte une histoire. Réussite incontestable, “The Parade confirme également le talent de compositeur de Yonathan Avishai , un jazzman avec qui il faut déjà compter.

 

-Concert de sortie d’album au New Morning le lundi 28 novembre (20h30). En première partie : Madeleine & Salomon.

Photo © Chris Boyer  

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21 novembre 2016 1 21 /11 /novembre /2016 11:36
Bill MOBLEY : “Hittin’ Home” (Space Time Records / Socadisc)

Musicien discret, voire ombrageux, le trompettiste Bill Mobley s’est fait connaître à nous grâce à l’opiniâtreté de Xavier « Big Ears » Felgeyrolles, directeur artistique de Jazz En Tête, le seul festival de jazz de l’hexagone qui ne programme que du jazz, et producteur de cet album. Mobley fait partie de la « Memphis Connection », une ville célèbre pour ses pianistes. Le grand Phineas Newborn naquit non loin de là, à Whiteville précisément. Natifs du Mississippi, Mulgrew Miller et Donald Brown y travaillèrent avant de poursuivre leur carrière ailleurs. Auprès d’eux à Memphis, le jeune Bill découvrit la richesse d’un jazz ancré dans la tradition du Sud et du blues. Installé à New York en 1987, il acquit une solide expérience du grand orchestre dans les rangs du Mingus Dynasty, du Maria Schneider Orchestra et du big band de la pianiste Toshiko Akiyoshi avant de former le sien, l’éphémère Bill Mobley Jazz Orchestra. Le trompettiste s‘était produit à Jazz en Tête, à Clermont-Ferrand en 1989 au sein de l’orchestre de Donald Brown dont il était le trompettiste. Xavier Felgeyrolles qui produisait alors les disques de Donald, accepta de publier son premier album, un enregistrement de 1996 de son Jazz Orchestra effectué au Small, club new-yorkais aujourd’hui célèbre, qui réunit les pianistes de Memphis Harold Mabern et James Williams, mais aussi Donald Brown, Mulgrew Miller et le saxophoniste Billy Pierce que Bill connaissait depuis son adolescence.

Plusieurs disques plus tard, devenu un des musiciens incontournables de Space Time Records, le label de Xavier dont les « Ears » sont plus « Big » que jamais, Bill Mobley sort “Hittin’ Home”, un disque réunissant des musiciens au sein de petits ensembles à géométrie variable, des duos, trios, quartettes dans lesquels le trompettiste se révèle au sommet de son art. Point d’esbroufe, de notes inutiles, mais une rare précision dans le phrasé, dans les attaques, la musique bénéficiant de sa sonorité claire et timbrée. Deux morceaux réunissent Mobley et Kenny Barron. Dans The Very Thought of You, une des plus belles pages de cet album, un des nombreux standards dont Mobley défend la mémoire, les harmonies colorées du piano enveloppent avec finesse et douceur le chant de la trompette. Plus enlevé, My Romance génère un dialogue élégant qui capte l’attention. En duo avec Phil Palombi, l’un des deux bassistes de ce disque, Mobley nous donne une version en apesanteur de Old Milestones, première version de Milestones enregistré par Miles Davis en 1947. Portée par une contrebasse pneumatique, la trompette semble librement flotter dans un éther sonore.

Les trios restent toutefois les plus nombreux. Peace (Horace Silver) et Jewel (une composition moins célèbre de Bobby Watson), associent la trompette de Mobley à la guitare de Russell Malone. Ce dernier assure les accords, mais se fait aussi entendre en solo. À la contrebasse, Essiet Okon Essiet assure sobrement l’assise rythmique de ces morceaux lyriques et voluptueux. Très présent dans l’album, Steve Nelson y apporte son vibraphone cristallin et sa science harmonique. En trio, soutenu par la walking bass puissante d’Essiet, Walkin’ (de Miles Davis que Mobley apprécie beaucoup) lui permet (ainsi qu’à Bill) de faire sonner avec une précision d’orfèvre des notes acrobatiques. Deux autres morceaux se détachent de ce “Hittin’ Home” qui « fait mouche » comme son nom judicieusement choisi le suggère. Enregistré en quartette, composé par Heather Bennett, la femme de Bill qui tient elle-même le piano et en joue fort bien, Lil’Red délivre de tendres harmonies. Piano, trompette, contrebasse et piano sont rejoints dans la seconde partie du morceau par le vibraphone qui maille habilement ses notes à celles du piano. Apex, une composition de regretté Mulgrew Miller, présente une instrumentation quelque peu inhabituelle : trompette, marimba, contrebasse, ces deux derniers instruments mariant idéalement leurs timbres. Bien que dispersée, La « Memphis Connection » a encore de beaux jours devant elle.

 

Photo © Michel Vasset

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11 novembre 2016 5 11 /11 /novembre /2016 10:18
Ray LEMA & Laurent de WILDE : “Riddles” (Gazebo / L’Autre Distribution)

Ils se connaissent depuis 25 ans, s’admirent, se respectent et ont toujours souhaité faire un disque ensemble. Né au Congo en 1946, installé en France depuis 1982, Ray Lema apprit très jeune le piano et l’orgue, joua un temps de la guitare, et initié par les anciens est aussi Maître Tambour. Ses recherches sur les musiques traditionnelles africaines l’ont amené à collecter des rythmes, à découvrir la magie des roues rythmiques traditionnelles des tribus d’un Congo rebaptisé Zaïre. A la recherche de maîtres musiciens, il l’a parcouru du Nord au Sud et d’Est en Ouest pour inventorier leur musique et préserver leur savoir. Pianiste émérite, auteur d’ouvrages remarqués et remarquables sur “Monk” (L'Arpenteur / Gallimard) et plus récemment sur “Les fous du son” (Grasset), producteur de “At Work”, album de Géraldine Laurent récompensé l’an dernier par l’Académie du Jazz, Laurent de Wilde est un familier des lecteurs de ce blog. Le jazz qu’il joue et le fit connaître conserve intact ses racines africaines. L’Afrique est d’ailleurs bien présente dans “Over the Clouds”, disque qu’il enregistra en trio en 2012. Les cordes de son piano enduites de Patafix, l’instrument sonne comme un balafon dans le morceau qui donne son nom à l’album.

Ce procédé, Laurent le reprend avec bonheur dans Fantani, une des plages de “Riddles”, disque qu’il partage avec Ray Lema et objet de la présente chronique. Une séance qu’ils ont soigneusement préparée. Réunir deux pianistes est un exercice périlleux. Un déluge de notes peut noyer la musique, la rendre irrespirable. Il faut donc faire simple, en jouer peu mais bien les choisir, éviter tout bavardage. Ray à gauche, Laurent à droite, les basses des instruments se rejoignant au centre du spectre sonore. Liane et Banian et sa mélodie richement harmonisée est de Laurent. Hommage à Jean-Sébastien Bach dont il étudia les sonates au petit séminaire des pères blancs, Matongué est une pièce de Ray. Les autres morceaux sont écrits par les deux hommes. Tous ont été longuement pensés et travaillés avant d’être enregistrés. A l’exception d’une intro onirique, la musique, toujours dansante, associe avec bonheur rythmes et mélodies colorées. Le blues rencontre une mélodie traditionnelle du Sahel, une comptine se superpose à un ragtime de la Nouvelle Orléans. Riddles, un tango dont on admire la cadence, les notes lyriques qui le font respirer et The Wizzard associé à un rythme de reggae jamaïcain sont aussi au rendez-vous dans cette invitation au voyage qui avec Too Many Keys nous mène au plus profond de la forêt congolaise, monde magique dans lequel voix et tambours chantent de concert. Les musiciens / danseurs sont bien trop habiles pour se marcher sur les pieds. Les notes heureuses qu’ils tricotent nous donnent du baume au cœur.

En concert le 14 novembre à la Fondation Cartier, 261 boulevard Raspail 75014 Paris (20h00).

Photo © Alex Jonas

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24 octobre 2016 1 24 /10 /octobre /2016 09:58
Laurent COURTHALIAC : “All My Life” (Jazz & People / PIAS)

Sous titré « A Musical Tribute to Woody Allen », ce disque du pianiste Laurent Courthaliac se veut bien sûr un hommage au cinéaste dont les films sont rythmés et magnifiés par les chansons inusables du « Great American Song Book » que Laurent affectionne. Ce sont également elles que Laurent célèbre dans cet album en octette qui réunit autour de lui des musiciens de jazz biberonnés aux standards, un jazz dont ils connaissent l’histoire, la syntaxe, le vocabulaire, ce qui n’est pas si fréquent aujourd’hui.

Laurent Courthaliac a pour moitié rassemblé et arrangé des thèmes de George Gershwin. Les autres sont de Sammy Fain (You Brought a New Kind of Love que les Marx Brothers interprètent dans “Monkey Business”), Sam Howard Stept (All My Life), Cole Porter (Looking at You), Jesse Greer (Just You, Just Me composé en 1929 pour le film “Marianne”). Woody Allen nous les fait entendre dans “Manhattan” (1979) et “Everyone Says I Love You” (1996), film dont le titre est emprunté à une chanson de 1932 écrite par Harry Ruby, un ami de Groucho Marx. Les Marx Brothers le reprennent dans “Plumes de Cheval” (“Horse Feathers”) et Laurent nous en offre une version dans laquelle Xavier Richardeau brille au saxophone baryton. La reprise de Laurent au piano est un des grands moments du disque. À la batterie, Pete Van Nostrand y assure un drive idéal.

Je n’ai pas encore présenté les musiciens, tous excellents. Fabien Mary le trompettiste intervient plus spécialement dans He Loves and She Loves (de Gershwin). Ballade à l’arrangement très soigné, All My Life met aussi son instrument en valeur. I’ve Got a Crush on You est pour le trombone de Bastien Ballaz et pour Clovis Nicolas dont la contrebasse marque toujours le bon tempo. Saxophoniste fougueux, Dmitry Baevsky excelle dans les morceaux rapides. Les versions enlevées de Strike Up The Band et de Just You, Just Me conviennent parfaitement à son alto. But Not for Me est pour le saxophone ténor de David Sauzay qui relaye un magnifique chorus de Laurent. Ce dernier intervient souvent et se réserve le morceau de Cole Porter qu’il aborde en solo avec juste ce qu’il faut d’émotion. On peut presque entendre les paroles derrière les notes de la mélodie. Finement ciselées, les orchestrations de l’album sont de Jon Boutellier qui connaît son affaire.

Tous ces thèmes nous sont familiers mais il est bon de les retrouver habillés par d’autres couleurs et commentés par des musiciens qui leur donnent une originalité appréciable. Écoutez le célèbre Embraceable You qui referme le disque. Le saxophone baryton s’appuie sur une masse orchestrale qui swingue avec élégance, sur des musiciens qui ne cherchent pas à faire autre chose que du jazz, osent et réussissent pleinement ce qu’ils entreprennent.

-Concerts de sortie au Sunside les 27 et 28 octobre avec une section rythmique de remplacement (Geraud Portal à la contrebasse et Romain Sarron à la batterie).

 

-Photo © Patrick Bourdet

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13 octobre 2016 4 13 /10 /octobre /2016 09:13
STEPS AHEAD : “Steppin’ Out” (Jazzline / Socadisc)

1980 : les grands groupes de jazz fusion semblent avoir jeté l‘éponge ou tournent en rond. Les meilleurs disques de Miles Davis, Weather Report, Return to Forever, Mahavishnu Orchestra sont derrière eux. Cette année-là apparaissent en import japon dans les bacs des (bons) disquaires trois albums de Steps, formation réunissant Mike Mainieri (vibraphone), Michael Brecker (saxophone ténor), Don Grolnick (piano), Eddie Gomez (contrebasse) et Steve Gadd (batterie) : “Smoking in the Pit (double album enregistré live au Pit Inn de Tokyo), “Step by Step”, (un disque studio) et “Paradox” (également en public).

Trois ans plus tard, sous le nom de Steps Ahead, le groupe sort un second album studio très remarqué sur Elektra Musician. Fondé par Bruce Lundvall, ce jeune label vient d’éditer les premiers disques de Sphere et les célèbres “Bill Evans Paris Concert” du pianiste Bill Evans. La formation joue encore du jazz acoustique bien que Mainieri utilise parfois un synthivibe (vibraphone synthétiseur). Steve Gadd a cédé sa place à Peter Erskine et Don Grolnick a été remplacé par Eliane Elias, une inconnue si se fera bientôt connaître. C’est avec “Modern Times”, en 1984, que Steps Ahead marqua durablement son époque. Warren Bernhardt remplace la belle Elaine au piano, mais surtout la formation a électrifié sa musique : Synthétiseurs, pianos électriques, les saxophones de Michel Brecker se promènent sur une mer de sons stupéfiants. Toujours sous la direction de Mike Mainieri, d’autres albums studio plus ou moins bons verront le jour avec d’autres musiciens, la formation n’ayant presque jamais disposé d’un personnel régulier. Des enregistrements inégaux – “Magnetic” et “Live in Tokyo” (1986), “N.Y.C.” (1989), “Yin-Yang” (1992), “Vibe” (1994), “Holding Together” (1999) – jalonnent une histoire que l’on pensait terminée.

STEPS AHEAD : “Steppin’ Out” (Jazzline / Socadisc)

Surprise, réunissant quelque uns des anciens membres de la formation sous la houlette du vibraphoniste, un nouveau disque inattendu de Steps Ahead tombe du ciel. Bill Evans (ne pas le confondre avec le pianiste) en avait été le saxophoniste au décès de Bob Berg en 2002. Le guitariste Chuck Loeb et le bassiste Tom Kennedy rejoignirent le groupe dans les années 80 et le batteur Steve Smith succéda à Peter Erskine après l’enregistrement de “Magnetic” en 1986. Avec eux, quatorze musiciens du WDR Big Band de Cologne dirigé par Michael Abene. Les amateurs de Steps Ahead ne pourront que se réjouir du répertoire constitué d’anciennes compositions de la formation et de morceaux naguère enregistrés par Mainieri pour ses propres albums. Nouvellement arrangées et ré-harmonisées par Abene, ils héritent de nouvelles introductions et interludes, de couleurs inédites. Loin de surcharger la musique, la masse orchestrale la sert admirablement.

Une excellente version de Pools, composition figurant sur “Steps Ahead”, premier disque que la formation enregistra sous ce nom, ouvre ce nouvel album. Encadrés par les riffs des cuivres, portés par une solide section rythmique (la basse électrique de Kennedy et les tambours de Smith), Tom Kennedy, Mike Mainieri, Chuck Loeb et Bill Evans se partagent les chorus. D’autres solistes se font entendre au fil des plages. Dave Smith prend un solo de batterie dans Beirut, une pièce quelque peu funky de “Magnetic”, solo qu’il enrichit d’onomatopées rythmiques relevant du konnakol, pratique couramment utilisé dans la musique carnatique du sud de l’Inde. Plusieurs musiciens du WDR sont également mis à contribution : le trompettiste Ruud Breuls dans Blue Montreux ; les trombonistes Shannon Barnett et Andy Hunter, le trombone de ce dernier dialoguant avec le ténor d’Evans dans le magnifique Sara’s Touch. Très en forme, Bill Evans échange aussi dans Oops des chorus brûlants avec Paul Heller, le sax ténor du WRD. Autre grande composition de “Modern Times”, Self Portrait, une ballade, conserve intact son grand lyrisme. Michael Abene dont il faut saluer le travail, en a particulièrement soigné l’arrangement.

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23 septembre 2016 5 23 /09 /septembre /2016 09:27
Nels CLINE : “Lovers” (Blue Note / Universal)

Peu d’amateurs de jazz connaissent Nels Cline. Normal ! Né à Los Angeles en 1956, il est depuis douze ans le guitariste de Wilco, un célèbre groupe de rock alternatif, et s’il a participé à l’enregistrement de quelques deux cents albums, peu d’entre eux relèvent du jazz. Très lié au regretté Jim Hall, dédicataire du présent disque, Nels a toutefois joué avec des jazzmen, avec Charlie Haden, Bill Frisell, Tim Berne et Julius Hemphill pour ne citer qu’eux. Un de ses albums est entièrement consacré à la relecture de “Interstellar Space”, un opus de John Coltrane de 1967. On n’attendait toutefois pas un disque de Nels Cline sur Blue Note. Il rêvait de l’enregistrer depuis plus de vingt ans et avait toujours prévu de l’appeler “Lovers”.

Nels CLINE : “Lovers” (Blue Note / Universal)

Le guitariste souhaitait retrouver dans son disque un peu de la musique de ses arrangeurs préférés, celle de Gil Evans, Quincy Jones, Gary McFarland, Johnny Mandel et Henry Mancini. Certains d’entre eux donnèrent à la « musique d’ambiance » ses lettres de noblesse, gommant l’aspect péjoratif qui souvent la qualifiait. Nels Cline revendique cette idée par trop subjective de musique d’ambiance, « un lien aussi étrange que puissant entre son et chanson, désir et amour ». Sachant parfaitement comment devaient sonner des morceaux qu’il souhaitait depuis longtemps inclure dans son album (Beautiful Love et Secret Love notamment), il chargea Michael Leonhart (avec lequel il pose sur la photo ci-dessous) de donner des couleurs à ses rêves, de traduire en sonorités spécifiques ses propres compositions et un matériel thématique singulièrement éclectique. « Je ne voulais pas trop de saxophones, mais des clarinettes et des flûtes. » précise Cline dans ses notes de pochette. Michael a parfaitement compris ce que voulait le guitariste : un habillage sonore élégant, une musique d’ambiance sophistiquée et romantique relevant de la musique de film et du jazz.

Nels CLINE : “Lovers” (Blue Note / Universal)

Cinq jours de studio furent nécessaires à l’enregistrement de ce double CD produit par David Breskin. Un sixième fut consacré à la prise de son des cordes et de la harpe. Il réunit vingt-trois musiciens et contient dix-huit morceaux instrumentaux. Huit d’entre eux sont au départ des chansons dont les paroles figurent sur la pochette. La guitare de Cline se substitue aux vocalistes qui nous les firent connaître. Certaines viennent de comédies musicales : Why Was I Born ? de “Sweet Adeline”, Glad to Be Unhappy de “On Your Toes”, I Have Dreamed de “The King and I” (“Le Roi et moi”). D’autres ont été composées pour des films. Secret Love est ainsi extrait de “Calamity Jane” (“La Blonde du Far West”, 1953). Doris Day en est la vedette. Bande-son d’un film que Gottfried Reinhardt réalisa pour la MGM en 1952, Invitation est de Bronislaw Kaper, un compositeur cher à l’amateur de jazz pour avoir écrit On Green Dolphin Street. Popularisée en 1931 par le Wayne King Orchestra, Beautiful Love, une valse un peu désuète, cohabite avec les chansons plus contemporaines que sont It Only Has to Happen Once, coécrit par le guitariste Arto Lindsay une des grandes influences de Cline, et Snare Girl, chanson extraite de “A Thousand Leaves”, un album des Sonic Youth, groupe de rock américain que le guitariste apprécie.

Les autres pièces ont été initialement conçues comme des instrumentaux. Parmi elles, des musiques de film, “The Night Porter” (“Portier de Nuit”) couplée avec “Max mon Amour”, musique de Michel Portal. Composé par Henry Mancini pour “Breakfast at Tiffany’s” (“Diamants sur canapé”), The Search for Cat et ses violoncelles qui lui confère un aspect quelque peu dramatique, est selon Nels Cline le morceau qui reflète le mieux son album. Si son délicat jeu de guitare et son phrasé relèvent du jazz, Nels ne dédaigne pas les pédales d’effets, les sonorités étranges. Il s’agit aussi d’élargir la palette de ses timbres car il est presque le seul soliste de ces deux CD(s). Glad to Be Unhappy et Why Was I Born ? contiennent de courts solos de trompette (avec effets de growl) et You Noticed, une de ses propres compositions, renferme un bref chorus de saxophone ténor.

Nels CLINE : “Lovers” (Blue Note / Universal)

Quelques thèmes ont été écrits par des jazzmen. Lady Gábor du guitariste Gábor Szabó date de son séjour chez Chico Hamilton. Les flûtes y sont à la fête au sein d’une orchestration vaguement orientale. Celle de Cry, Want que Jimmy Giuffre enregistra à New York en 1961 avec Paul Bley et Steve Swallow est minimaliste. Une contrebasse, une batterie modulant des sons, un marimba, quelques rares tuttis dissonants de trompette dans le lointain accompagnent la guitare qui reprend la partie de clarinette de Giuffre, un thème obsédant répété ad libitum. Faisant écho aux longues nappes sonores de l’Introduction, un très long larsen sépare So Hard It Hurts de Touching, deux compositions d’Annette Peacock. Basson, flûtes et clarinettes en exposent le thème méditatif que reprend et développe la guitare. Une harpe double cette dernière dans les premières mesures de The Bond, une pièce de Nels Cline dédiée à sa femme Yuka, un morceau très simple et très doux qui referme les portes de cet album longtemps rêvé, aussi étonnant qu’inattendu.

Photos X/D.R.

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