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28 juillet 2017 5 28 /07 /juillet /2017 12:37
Les liaisons dangereuses de Thelonious Monk

Des inédits de Thelonious Monk ne nous tombent pas du ciel tous les jours. Mais avec ce pianiste imprévisible, tout est possible. La découverte en 2005 sur un rayonnage de la Librairie du Congrès de précieux acétates faisant entendre Monk et John Coltrane en 1957 à Carnegie Hall fut un événement mémorable. Retrouver les enregistrements new-yorkais du pianiste pour le film de Roger Vadim “Les liaisons dangereuses 1960 en est assurément un autre. Le 22 avril dernier, jour du Disquaire Day, un magnifique coffret contenant deux LP et un livret richement illustré en commercialisait la musique. Une édition numérotée et limitée à 5000 copies pour le monde entier. Elle fut suivie par un double CD le 16 juin. Un vinyle contenant l’essentiel de la musique sortira le 10 octobre prochain. Né le 10 octobre 1917, Monk aurait fêté ses 100 ans.  

En 2014, Frédéric Thomas et François Lê Xuân contactaient Laurent Guenoun, dépositaire des archives de Marcel Romano (1928-2007). Pour Sam Records, sa jeune compagnie de disques, Fred recherchait des enregistrements inédits de Barney Wilen et Marcel Romano avait été son manager. Pas de Barney, mais des bandes magnétiques portant comme seule indication le nom de Thelonious Monk. Fred et François prirent donc rendez-vous pour écouter ces bandes, au mieux pensaient-ils l’enregistrement du concert que le pianiste avait donné à Pleyel en juin 1954 à l’occasion du 3ème Salon du Jazz. Un examen plus attentif des boîtes qui les contenaient révéla une découverte beaucoup plus importante, celle de l’intégralité de la musique enregistrée en 1959 par Monk aux Nola Studios de New York pour le film de Roger Vadim, “Les liaisons dangereuses 1960”.

Marcel Romano avait rencontré Monk à Paris en juin 1954. S’étant lié d’amitié avec lui, il était présent lors de l’enregistrement pour Vogue de ses premières faces en solo. Lors d’un voyage en Amérique en septembre 1957, Marcel l’avait retrouvé à New York, au Five Spot, club dans lequel Monk jouait alors avec John Coltrane. Mais ce n’est qu’un an plus tard qu’il lui parla pour la première fois d’une musique pour un film de Roger Vadim en préparation. Agent d’artistes, producteur de concerts, un temps responsable de la programmation du club Saint-Germain, Marcel Romano avait été l’instigateur de la bande-son de “L’ascenseur pour l’Echafaud” confiée à Miles Davis et de celle “Des femmes disparaissent”, film d’Edouard Molinaro, musique d’Art Blakey et de Benny Golson. Romano en avait supervisé les enregistrements à Paris et comptait bien faire de même avec Monk. Avec l’aide d’Harry Colomby, le manageur du pianiste, il tenta vainement de lui organiser une tournée européenne en avril 1959. Dépressif – la police lui avait retiré la carte qui lui permettait de jouer dans des clubs et une tournée avec grand orchestre avait été annulée –, Monk qui venait de passer une semaine au Grafton State Hospital, un hôpital psychiatrique, en était incapable.  

 

Roger Vadim qui avait achevé le tournage de son film – dans les studios de Boulogne-Billancourt, à Megève et à Deauville entre le 23 février et le 30 avril 1959 – souhaitait impérativement monter de la musique sur ses images avant le 31 juillet. Pour convaincre Monk de lui en fournir, il comptait sur Marcel Romano. Ce dernier venait de réunir en studio à Paris Barney Wilen, Kenny Dorham, Duke Jordan, Paul Rovère et Kenny Clarke pour la musique d’“Un témoin dans la ville”, un autre film de Molinaro. Vadim en profita pour les filmer en train de jouer, les mélangeant aux acteurs dans une scène qu’il conserva au montage.

Marcel Romano arriva à New-York à la fin du mois de juin. Non sans avoir demandé par précaution au pianiste Duke Jordan d’écrire de la musique pour “Les liaisons”. Rechignant à signer le moindre contrat, Monk fut difficile à convaincre. Il accepta finalement le 26 juillet après avoir visionné une copie de travail du film. Le studio était réservé pour le lendemain. N’ayant aucun nouveau morceau à proposer, il joua six de ses compositions habituelles, une improvisation autour d’un blues (Six in One), et By and By (We’ll Understand It Better By and By), un gospel de Charles Albert Tindley qui illustre les retrouvailles de Valmont (Gérard Philippe) et de Marianne (Annette Stroyberg) dans une petite chapelle savoyarde. Seules une trentaine de minutes de la musique enregistrée ce jour là seront utilisées dans le film, souvent derrière les dialogues. Nous avons des photos de la séance. Monk y porte un étonnant chapeau chinois en paille. Les deux jours suivants (28 et 29 juillet), avec Barney Wilen au saxophone ténor, Art Blakey et ses Jazz Messengers enregistraient la musique de Duke Jordan. Vadim l’intégra dans son film, accordant à Monk la primauté au générique, Crepuscule With Nellie joué en solo en constituant la musique.

Le film ne la met toutefois guère en valeur. Monk enregistra ses morceaux sans tenir compte de la durée des scènes, du script détaillé que Marcel Romano lui avait remis. De ses musiques n’ont été conservés que des fragments servant de fonds sonores. Les bandes originales de la séance sont pourtant d’une qualité exceptionnelle. Ayant dissout ses Jazz Modes, Charlie Rouse a rejoint Monk peu de temps auparavant et s’ils ont l’habitude de jouer ensemble,  Sam Jones à la contrebasse et Art Taylor à batterie n’accompagnent Monk que depuis quelques mois. Le Making-of de Light Blue (14 minutes) fait d’ailleurs entendre une conversation entre Monk et Taylor, le pianiste lui expliquant tant bien que mal comment il doit jouer le morceau, un blues dans la veine de Functional. Présent à la séance, Barney Wilen y observe une certaine discrétion. Il dialogue avec Rouse dans Rhythm-a-Ning, morceau enlevé que le pianiste, espiègle et très en doigts, enregistra une première fois en 1957 avec Art Blakey et ses Jazz Messengers. On entend également Barney dans Crepuscule With Nellie que Monk avait écrit pour sa femme hospitalisée, une ballade contenue dans l’album “Monk’s Music”. Les deux saxophones ténor reprennent le thème à l’unisson. Monk l’introduit en solo puis le développe, la contrebasse seule fournissant l’accompagnement rythmique à ses exquises dissonances.

Dans les “Liaisons”, le populaire Well, You Needn’t est utilisé en fond sonore pendant la réception que donnent les Valmont au début du film. Monk l’enregistra à plusieurs reprises et la première fois pour Blue Note en 1947. Le jeu tendu, voire agressif de Charlie Rouse se pare de lyrisme et Monk, qui décidemment ne joue pas comme les autres, y est magistral. Plusieurs prises de Pannonica nous sont également donnés à entendre – en solo et en quartette. Dédiée à la baronne Nica de Koenigswarter, Monk le composa chez elle en septembre 1956 et l’enregistra un mois plus tard. Sa version en quartette accompagne les images de la première rencontre entre Valmont et la jeune Marianne Tourvel qu’il va tout faire pour séduire. Dans la version que l’on trouve dans “Brillant Corner’s”, Monk double le piano au célesta. Le disque contient également Ba-Lue Bolivar Ba-Lues-Are, un blues présentant une série d’accords peu conventionnels qui porte le nom d’un hôtel, le Bolivar, que la Baronne fréquentait. Le chorus que prend Barney Wilen se fond parfaitement dans l’univers du pianiste qui aujourd’hui encore fascine le monde du jazz.

Thelonious MONK : “Les liaisons dangereuses 1960” - en coffrets de 2 LP ou de 2 CD (Sam Records - Saga / Pias)   

 

 

Réunissant Gérard Philippe, Jeanne Moreau, Annette Stroyberg, Jean-Louis Trintignant, Jeanne Valérie et Boris Vian, une copie passable des “Liaisons dangereuses” est disponible dans la collection René Chateau Vidéo.

 

Photos Courtesy of Arnaud Boubet

Collection privée. 

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21 juillet 2017 5 21 /07 /juillet /2017 09:17
Modern Jazz

Trois disques récemment parus méritent des chroniques. Confiés à de jeunes musiciens afro-américains, les deux premiers font entendre un jazz moderne et inventif qui garde ses racines en mémoire. Le pianiste Gerald Clayton et le trompettiste Ambrose Akinmusire ont d’ailleurs travaillé ensemble. Ce dernier joue dans “Life Forum”, le précédent disque de Clayton. Réunissant un casting de haut vol, “The Passion of Charlie Parker” est un hommage décalé au génial saxophoniste. Au saxophone ténor, Danny McCaslin s’y montre éblouissant.

Ambrose AKINMUSIRE : “A Rift in Decorum” (Blue Note / Universal)

Il est de ceux qui font bouger les choses, prennent des risques, surtout en concert, la scène étant pour Ambrose Akinmusire un laboratoire dans lequel se crée un autre jazz en devenir. Publié en 2014, “The Imagined Savior Is Far Easier to Paint”, son album précédent, était beaucoup plus orchestré et produit. Ici plus de quatuor à cordes ni de musiciens invités. Sur la scène du Village Vanguard, le trompettiste s’exprime et innove en quartette, toujours avec Sam Harris au piano, Harish Raghavan à la contrebasse et Justin Brown à la batterie. Particulièrement inventive, sa section rythmique n’hésite pas à oublier les barres de mesure et à jongler avec d’improbables métriques. Portée par le jeu foisonnant de Brown qui fouette et martèle cymbales et tambours, la musique s’organise collectivement au fur et à mesure qu’elle se déroule. Harris cultive souvent les dissonances mais peut tout aussi bien suivre les contre-chants de la trompette ou accompagner cette dernière dans l’exposé de thèmes très lents d’une grande pudeur et beauté mélodique. Dans Moment in Between the Rest, presque un lamento, la trompette semble pleurer, ses effets de growl, ses brusques attaques dans le registre aigu de l’instrument exprimant ses sanglots. Elle fait de même dans A Song to Exale to (Diver Song), une tendre et délicate mélodie longuement introduite par le piano et la contrebasse jouée à l’archet. Largement improvisés, tous ces morceaux reposent sur des tempos fluctuants. Les notes y coulent plus ou moins vite selon l’humeur du trompettiste qui occupe beaucoup l’espace et n’hésite pas à jouer des lignes mélodiques inattendues, partageant avec les siens une musique labyrinthique constamment in progress.

Gerald CLAYTON : “Tributary Tales” (Motéma / Pias)

Lui aussi innove, propose un autre jazz en phase avec son canal historique, sa tradition afro-américaine. Justin Brown qui est aussi le batteur de son trio lui apporte les métriques impaires et sophistiquées qui conviennent aux harmonies chatoyantes de son piano. Gerald Clayton aime aussi explorer de nouveaux territoires. Le drumming inhabituel de Brown et la contrebasse pneumatique de Joe Sanders constituent la trame rythmique idéale de son jazz moderne. Avec eux, d’autres musiciens de “Life Forum”, l’album précédent du pianiste. On retrouve ainsi les saxophonistes Logan Richardson (à l’alto) et Dayna Stephens (au baryton dans un seul morceau). Ben Wendel, le saxophoniste de Kneebody, est au ténor et au basson en deux occasions. Sachal Vasandani et le poète Carl Hancock Rux assurent respectivement vocalises (Squinted) et narration, l’album restant toutefois très largement instrumental. Gerald Clayton soigne l’orchestration de sa musique, sa mise en couleurs. Les saxophones s’en chargent, partageant avec lui les thèmes, apportant des contre-chants à un piano qui adopte une certaine discrétion. Bien que s’offrant une courte pièce en solo (Reflect On), l’instrument se fond souvent dans la masse orchestrale pour se mettre à son service. Mêlant souvent leurs timbres à l’unisson, les anches donnent aussi à la musique une certaine âpreté. Logan Richardson possède une sonorité rugueuse et agressive et ses improvisations libres heurtent parfois l’oreille. Clayton y remédie par des chorus fluides, un lyrisme qui équilibre la musique. Son piano dans Dimensions : Interwoven, un poème que récitent Aja Monet et Carl Hancock Rux, est tout simplement magnifique.

“The Passion of Charlie Parker” (Impulse ! / Universal)

Produit par Larry Klein, cet hommage réussi à Charlie Parker (1920-1955) a le mérite d’actualiser l’œuvre du saxophoniste, les musiciens réunis ici ayant essayé d’imaginer la musique que jouerait Parker s’il était encore de ce monde. Conçu comme une pièce de théâtre musicale, il retrace quelques épisodes de sa vie, de ses débuts à Kansas City à New York, ville dans laquelle se forgea sa légende. Écrits par David Baerwald, les textes « langage joycien au sein duquel la métaphore règne en maître » ont été confiés à Madeleine Peyrou, Melody Gardot, Luciana Souza, Kurt Elling et Gregory Porter, chanteuses et chanteurs avec lesquels Klein a précédemment travaillé. Kandace Springs, nouvelle coqueluche des disques Blue Note, la jeune française Camille Bertault, étonnante dans son adaptation vocale d’Au Privave dont elle a également écrit les paroles, et Barbara Hannigan que les amateurs de musique contemporaine connaissent bien complètent ce casting de stars. Tous interprètent des personnages associés à Parker, l’acteur de cinéma et de théâtre Jeffrey Wright prêtant sa voix à ce dernier. So Long (une adaptation de K.C. Blues) et Fifty Dollars (aka Segments) sont particulièrement réussis. Ils contiennent de passionnants développements instrumentaux, ces derniers équilibrants les parties vocales de l’album. Très convainquant au saxophone ténor, Donny McCaslin ne cherche jamais à imiter Parker mais étonne par la modernité de son phrasé, le lyrique de ses nombreuses interventions. Il retrouve ici le guitariste Ben Monder et le batteur Mark Giuliana, qui ont participé avec lui à l’enregistrement de “Blackstar”, le dernier David Bowie. Craig Taborn aux claviers, les bassistes Scott Colley et Larry Granadier et le batteur Eric Harland s’ajoutent à cette exceptionnelle réunion de grands musiciens.

 

Photo (Gerald Clayton) © Keith Major  

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27 juin 2017 2 27 /06 /juin /2017 09:15
Jean-Philippe VIRET : “Les idées heureuses” (Mélisse / Outhere Music)

« J’aime la musique de François Couperin (…), une profondeur mélodique, souvent introspective, nous attire dans une rêverie sinueuse d’où émergent des sentiments du quotidien, à la fois simples, gais, drôles et nostalgiques » nous confie le contrebassiste Jean-Philippe Viret dans le livret de son nouvel album, “Les idées heureuses”, qu’il a enregistré avec Sébastien Surel (violon), David Gaillard (alto) et Éric-Maria Couturier (violoncelle), quatuor à cordes à l’instrumentation inhabituelle. Jugée peu apte à être utilisée comme instrument soliste, la contrebasse s’en était vue écartée au XVIIIe au profit d’un second violon. Viret avait depuis longtemps l’idée de remplacer ce dernier par son propre instrument. Il le fit en 2011, la musique acquérant ainsi une plus large tessiture, une richesse de timbres inédite. Le premier disque du quatuor, “Supplément d’âme”, vit le jour l‘année suivante. S’il contient une pièce de Couperin, Les Barricades mystérieuses composée en 1717 pour le clavecin, la musique de l’organiste de la Chapelle royale est bien plus présente dans “Les idées heureuses”.

Autour de François Couperin, son sous-titre, est des plus explicite. Autour, car s’il ne contient qu’une seule composition de Couperin, La muse plantine, jouée à peu près à la lettre – à peu près, car les instruments semblent parfois grimacer et gémir –, l’album contient trois autres morceaux directement inspirés par trois de ses nombreuses pièces pour clavecin. Quatre livres qu’il divisa en vingt-sept ordres, des œuvres au sein desquelles la poésie est favorisée au détriment de la virtuosité et qui portent souvent des noms humoristiques, tel que Le dodo ou l’amour au berceau repris librement ici. Cinq compositions personnelles de Jean-Philippe Viret, reflet de sa propre vision du compositeur – L’idée qu’on s’en fait –, complètent le disque, l’écriture plus contemporaine de Peine Perdue, précédemment enregistré en 2008 par le trio du contrebassiste (Edouard Ferlet et Fabrice Moreau), plaçant ce morceau à part. Malgré la présence de la contrebasse, la sonorité de ces pièces reste bien celle d’un quatuor à cordes « classique ». Au sein d’une musique écrite, s’insèrent de nombreuses parties improvisées, discours audacieux d’une spontanéité toute naturelle autour de mélodies séduisantes.  

 

Rendue intemporelle par un travail sur la forme, un subtil mélange de timbres et de textures, la musique voyage sans problème dans le temps, le remonte – En un mot commençant relève davantage de Schubert que de Couperin – pour fondre son aspect baroque dans le jazz, voire le tango de notre siècle. La seconde partie de Docile n’évoque-t-elle pas certaines milongas d’Astor Piazzolla ? Comme François Couperin qui s’était écarté des structures musicales trop rigides de son époque, Viret et ses complices s’affranchissent des codes et affirment la modernité de leur musique. Modernité de Jour après jour introduit par un stupéfiant solo de contrebasse, de Docile, éloge de la lenteur dans lequel les instruments semblent ralentir le temps, grincements des archets et pizzicatos de cordes espiègles de L’an tendre… Écriture et improvisation, jazz de chambre et musique baroque subtilement entremêlés, cette musique heureuse, Luc Lang, Prix Goncourt des Lycéens en 1998 pour “Mille six cents ventres” et auteur avec Viret des notes du livret de ce disque, l’un des plus attachants de l’année, trouve « des mots qui dansent avec elle » pour la décrire.

 

-Concert le 30 juillet dans le Parc Floral de Vincennes (Espace Delta, 16h00) dans le cadre du Paris Jazz Festival.

 

Photos © Grégoire Alexandre

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19 juin 2017 1 19 /06 /juin /2017 09:21
Bill FRISELL - Thomas MORGAN : “Small Town” (ECM / Universal)

Avec “Small Town” enregistré en public au Village Vanguard, Bill Frisell retrouve ECM, label qui lui fit faire ses premiers disques. Nous sommes en 1981 et Paul Motian qui en a déjà gravé plusieurs pour la firme munichoise l’appelle à ses côtés pour l’enregistrement de “Psalm”. L’année suivante, le guitariste publie sous son nom “In Line”, premier opus d’une discographie devenue conséquente. À partir de 1988, il enregistre pour le label Elektra Nonesuch et signe quelques-unes de ses plus belles réussites : “This Land” hommage aux musiques qui marquèrent son adolescence, jazz blues, country, et qui relève d'une écriture typiquement américaine ; “Blues Dream” ou le blues tel que le rêve Bill Frisell, un blues qui intègre hymnes et fanfares et emprunte à la musique country sa pedal steel guitar.

En tant que sideman, le guitariste n’a pourtant jamais cessé de participer à des séances pour ECM. Outre de nombreuses sessions avec Paul Motian et sa participation au groupe Bass Desires de Marc Johnson, il se fait remarquer dans des albums de Paul Bley, Jan Garbarek, Eberhard Weber, Kenny Wheeler et récemment dans “The Declaration of Musical Independence” d’Andrew Cyrille, batteur souvent associé à la New Thing dont les préoccupations esthétiques ne sont pourtant pas celles du guitariste. Il y joue trois de ses compositions dont Song for Andrew n°1 que l’on retrouve dans “Small Town”, un duo guitare / contrebasse, l’instrument se voyant confié à Thomas Morgan que le batteur Joey Baron lui à présenté dans les années 90. Frisell apprécie sa façon naturelle de s’exprimer de « se projeter un peu en amont de la musique avant de jouer une note », d’anticiper les siennes. « Il ne joue jamais rien qui ne soit une réponse à ce que j’ai joué précédemment ce qui a le pouvoir de me rendre léger, comme si je pouvais vraiment décoller » confie volontiers le guitariste.  

 

Très demandé en studio – Tomasz Stanko, Giovanni Guidi, Masabumi Kikuchi, David Virelles et Jacob Bro, ont enregistré avec lui  – Thomas Morgan, né en 1981, a participé avec Frisell à la dernière séance de Paul Motian. Reprenant son It Should’ve Happened a Long Time Ago, une composition « faussement simple, mais porteuse d’une atmosphère au sein de laquelle on se déplace en toute liberté », les deux hommes lui rendent ici hommage. Écrite par Motian, elle donne son nom à un disque en trio de 1984 au sein duquel Bill Frisell et Joe Lovano accompagnent le batteur aujourd’hui disparu. Plus longue, la nouvelle version est surtout beaucoup plus contemplative. Les deux hommes espacent leurs notes, en jouent peu. Comme toujours, Frisell soigne sa sonorité, dispose dans l’espace des sons aériens dont il contrôle et dose le volume et la résonnance, créant ainsi un univers profondément poétique au sein duquel mélodie et improvisation s’imbriquent au point de se confondre.

Ce soir là, Lee Konitz est dans la salle. Subconscious-Lee est un coup de chapeau impromptu adressé au saxophoniste qui le composa en 1949. Morgan accompagne les notes sinueuses de ce classique du bop que joue parfaitement le guitariste puis prend l’initiative. Si Jim Hall reste sa principale influence, Bill Frisell passa une partie de sa jeunesse à Denver dans le Colorado, s’imprégnant de folk et de country music. Wildwood Flower, un des grands succès de la Carter Family fait donc partie de ses racines. Small Town est dédié à Maybelle Carter dont le jeu de guitare novateur influença le sien – le pouce assure la mélodie sur les cordes basses et les autres doigts la rythmique, mélodie et rythme étant ainsi joués simultanément. L’Amérique de Frisell c’est aussi le rock’n’roll de Fats Domino. Co-signé avec son complice Dave Bartholomew, What a Party est un classique du chanteur. Sa partie vocale se confond ici avec une ligne rythmique très souple, dont les notes espacées aèrent beaucoup la musique. Poet - Pearl est une ancienne composition de Morgan que Frisell introduit par des harmoniques. La contrebasse tisse un subtil contrepoint mélodique derrière la guitare qui en fait délicatement chanter le thème. Magnifiquement ré-harmonisée par nos deux complices, sa célèbre mélodie naguère chantée par Shirley Bassey convenant très bien à un traitement instrumental, Goldfinger, que John Barry très inspiré composa dans les années 60, referme un disque d’une grande richesse inventive.

 

Photos : (N&B) © John Rogers / ECM Records - (couleurs) © Lynne Harty / ECM Records

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9 juin 2017 5 09 /06 /juin /2017 09:55
Yves ROUSSEAU / Christophe MARGUET Quintet : “Spirit Dance” (Cristal Records / Pias)

Depuis quinze ans batteur du quartette d’Yves Rousseau, contrebassiste et auteur de nombreux projets éclectiques, Christophe Marguet s’est beaucoup impliqué dans ce disque, le premier qu’ils codirigent ensemble, le premier enregistré avec une nouvelle formation dont les intervenants nous sont familiers : Fabrice Martinez à la trompette et au bugle, David Chevallier à la guitare, Bruno Ruder au piano et aux claviers. Rousseau et Marguet ont chacun composé six morceaux, de beaux thèmes soigneusement orchestrés mais surtout plus imprégnés de jazz que le répertoire de leur quatre albums précédents.

Un jazz relevant de la fusion lorsque les instruments se nappent de couleurs électriques ou arborent celles du rock. The Cat s’y rattache, la trompette répondant au grondement des instruments, à la guitare très présente de David Chevallier. Marcheur et Day Off doivent beaucoup à ses sonorités, à ses pédales d’effets. Auteur d’un chorus pour le moins agressif dans le sur-vitaminé Charlie Haden, morceau qui évoque la période fusion de Miles Davis, Chevallier donne à la musique son aspect énergique, mais aussi une texture, une épaisseur sonore qui contribue à sa richesse.

 

Mais “Spirit Dance” est aussi un opus profondément lyrique. Construit autour d’un lent ostinato rythmique et introduit par un court et judicieux solo de batterie, le seul de l’album, Fruit frais (on y croquerait !) favorise les échanges entre les instruments. Un peu triste dans Funambulo, la trompette se fait plus mélancolique encore dans Pénombre. On entre de plein pied dans le pays des songes avec Bleu Nuit et son thème envoûtant. Il contient un savant chorus de contrebasse, un des seuls qu’Yves Rousseau s’autorise avec l’introduction de Light and Shadow qu’il partage avec Bruno Ruder. Ce dernier y brille au piano acoustique, comme dans Spirit Dance, une joyeuse ritournelle dont il parvient à s’éloigner de la structure mélodique, à la faire exploser. Fabrice Martinez y est pour quelque chose. Tantôt agressive, tantôt lyrique, sa trompette souffle le chaud et le froid et unit les contraires. Lyrisme et énergie font bon ménage dans ses improvisations. Lisible et diversifié, le discours musical y gagne assurément.

 

La pochette de l’album, une photo de Jeff Humber intrigue et interpelle. Choisie par Yves Rousseau et Christophe Marguet, elle évoque bien les deux aspects complémentaires de leur musique, la puissance et la grâce. Le comédien et chanteur Olivier Martin-Salvan (120 kilos) porte sur ses épaules la danseuse et chorégraphe japonaise Kaori Ito (40 kilos). Ils s’opposent et s’affrontent mais dansent parfaitement ensemble. Leur spectacle s’intitule “Religieuse à la fraise”.

 

Yves Rousseau & Christophe Marguet © Photo X/D.R.  

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26 mai 2017 5 26 /05 /mai /2017 09:27
Michel PORTAL – Richard HERY – Xavier TRIBOLET – Quatuor EBENE :  “Eternal Stories” (Erato / Warner Classics)

Autant l’avouer dès à présent, je n’ai aucune œuvre de Michel Portal dans ma discothèque. Il apparaît toutefois dans quelques disques que je possède et apprécie, “Compass” de Susanne Abbuehl dans lequel il joue de la clarinette, “Il Piacere” d’Aldo Romano dans lequel il s’exprime également au bandonéon, des enregistrements pour lesquels il se met au service des autres. Je n’aime guère ses albums mais reconnais en lui le grand musicien, applaudis sa technique à défaut de partager sa sensibilité et d’aimer son caractère pour le moins ombrageux.

J’avais fait sa connaissance au début des années 80. Sa renommée dépassait largement le cadre du jazz. Michel Portal jouait tout aussi bien de la musique contemporaine que du classique, du Boulez que du Mozart dont il est un merveilleux interprète. Le jazz, il avait pris un malin plaisir à le déconstruire quelques années plus tôt lors de véhémentes improvisations libres, pleines de cris et d’étranges chuchotements. Se remettant constamment en cause, Portal avait quelque peu abandonné son langage libertaire pour entreprendre d’autres recherches, se lancer dans nouvelles aventures jazzistiques. Il avait vainement insisté auprès de moi pour obtenir la couverture de Jazz Hot. Je n’étais pas la bonne personne. Il m’arrivait bien de rédiger quelques chroniques, mais en tant que chef de publicité, je n’avais nullement le pouvoir de choisir les sommaires des numéros pas plus que de décider des couvertures du journal. Il dut se rendre compte que je n’aimais pas trop sa musique car je n’ai jamais cherché à le fréquenter, ni lui à me contacter. Ses disques me parvenaient, certains plus conséquents que d’autres, mais sans jamais totalement me convaincre.

 

Et puis cet album au delà du jazz enregistré avec le Quatuor Ébène reçu l’autre jour (merci Sophie Louvet), le premier disque de Michel Portal qui m’émeut, que j’aime et réécoute. Le Quatuor Ébène, c’est aujourd’hui Pierre Colombet et Gabriel Le Magadure (violons), Adrien Boisseau (alto) et Raphaël Merlin (violoncelle). Avec eux pour cet enregistrement Richard Héry (percussions, batterie) et Xavier Tribolet (claviers). Ensemble, ils ouvrent des portes, associent jazz et tango, électro et danse sans jamais tomber dans le piège que la musique classique tend souvent aux jazzmen. City Birds déploie sa mélodie envoûtante sur une boucle rythmique. Mixée en avant, la batterie ponctue un discours musical qui ne manque pas d’épaisseur. Clarinette basse et cordes apportent des nappes sonores rêveuses et frissonnantes de lyrisme. C’est encore à la clarinette basse que Portal se fait entendre dans L’Abandonite, une de ses compositions, un souvenir d’Astor Piazzolla, une sorte de tango sans bandonéon, la clarinette basse se faisant romantique et charmeuse avant d’assurer la cadence d’un morceau caméléon plein de surprises et de rebondissements. C’est aussi sur cet instrument qu’il nous livre une nouvelle version de Judy Garland, morceau que lui inspira à Minneapolis une grande photo de l’actrice et chanteuse. Dans cette version bien supérieure à la première, le piano électrique qui répond à son chant, apporte une sonorité cristalline qui allège le thème et lui permet de décoller.

 

Le bandonéon, Michel Portal se le réserve pour trois des Five Tango SensationsAsleep, Loving, Anxiety – que Piazzolla écrivit en 1989 et qu’il enregistra la même année avec le Kronos Quartet. Ces pièces mélancoliques qui me sont depuis longtemps familières, héritent ici d'une interprétation sensible aussi poignante que celle que nous offre la version originale. Mais c’est d'abord à la clarinette basse que Michel choisit de s’exprimer, de faire vibrer les notes qui touchent le sentiment. Des notes chagrines dans Elucubration, lamento que rythment un riff et de grands coups d’archets. Après un début onirique, Eternal Story s’achève en tumulte sonore et, porté par un pizzicato de cordes, Solitudes se veut « une pensée, un regard vers l’orchestre de Duke Ellington pour s’évader, pour rêver ». Car c’est bien au pays des songes que nous conduit ce disque. Au delà du réel, It Was Nice Living Here qui le referme nous emporte ailleurs, dans un monde sonore encore à explorer.

 

Photo © Julien Mignot / Erato  

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12 mai 2017 5 12 /05 /mai /2017 17:37

Après “Either Way”, un disque à l’instrumentation modeste mais qui fait appel à des cordes dans quatre morceaux, Anne Ducros, seule chanteuse française avec Cécile McLorin Salvant qui parvint à obtenir le Prix du Jazz Vocal de l’Académie du Jazz (en 2001 avec “Purple Songs”), renoue avec le faste orchestral d’“Ella…My Dear”, un album de 2010 arrangé par Ivan Jullien au sein duquel un orchestre d’harmonie (quarante-cinq musiciens) l’accompagne. Combinant cordes et cuivres tout en laissant de la place à quelques solistes, “Brother Brother !”, son nouvel album dédié à son frère récemment disparu et enregistré avec un orchestre symphonique, apparaît comme l’une des grandes réussites de sa déjà longue carrière.

Enregistré en Italie (Milan et Catane) et à Paris, “Brother Brother !” bénéficie des arrangements soignés et convaincants de Giuseppe Emmanuele avec lequel Anne a déjà travaillé. Souvent au piano, ce dernier a également écrit Petals, le seul thème original de l’album. Assumant un projet commercial (dans le bon sens du terme), la chanteuse y reprend des tubes éprouvés, des chansons célèbres associés à Marvin Gaye, Sting, Joe Cocker, Stevie Wonder, Juliette Gréco, Yves Montand et quelques autres. Un disque produit « à l’américaine » dans lequel les bonnes idées ne manquent pas. L’introduction de What’s Going On à la guitare acoustique, l’orchestre rentrant progressivement pour mieux irradier sa mélodie de couleurs, reste une trouvaille. Le vibraphone qui se mêle subtilement aux cordes dans La Bicyclette en est une autre. Quant aux réussites, elles sont également nombreuses dans cet opus flamboyant. You are so Beautiful et l’espiègle Désabillez Moi sont magnifiquement arrangés et chantés. Samba Saravah hérite peu avant sa coda d’un court passage en scat dont les onomatopées chantantes et soyeuses collent parfaitement à la musique.

 

Car utilisant sa voix comme un véritable instrument, Anne Ducros impressionne toujours autant. Son articulation, son phrasé, sa justesse suscitent l’admiration. Ses scats souvent vertigineux traduisent son grand métier. Elle sait comment faire vibrer l’air qui sort de ses poumons, tenir longtemps une note, faire danser les onomatopées qu’elle invente. Qu’elle s’exprime en français ou en anglais, sa prononciation parfaite permet de comprendre tout ce qu’elle chante ce qui devient rare chez les chanteurs et chanteuses qui se produisent aujourd’hui. Même chargé de notes chromatiques, l’espace sonore laisse toujours de la place à la voix et aux solistes, à l’harmonica d’Olivier Ker Ourio dans What’s Going On, au saxophone ténor de Lionel Belmondo dans At Last. Moins célèbres, les musiciens italiens également invités se révèlent tout aussi talentueux, que ce soit Giulio Visibelli au saxophone soprano dans Fragile ou Mimmo Gaglio à la clarinette dans Petals, un très beau morceau. Il faut également saluer la belle guitare d’Olivier Louvel et la section rythmique habituelle d’Anne, Gilles Nicolas (contrebasse et basse électrique) et Bruno Castellucci à la batterie, Vincent Bruynincks, un élève de la grande Nathalie Loriers, remplaçant Benoît de Mesmay au piano.

 

-Concert de sortie (avec l’orchestre symphonique) le jeudi 18 mai dans le grand amphithéâtre de l’Université Panthéon-Assas (92 rue d’Assas 75006 Paris) concert donné dans le cadre du festival Jazz à Saint-Germain-des-Prés.

 

Photo d'Anne Ducros avec Giuseppe Emmanuele © Roberto Cifarelli.

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25 avril 2017 2 25 /04 /avril /2017 09:09
LE PIANO PLURIEL d’ENRICO PIERANUNZI (à propos de quelques enregistrements récemment publiés du pianiste)

Trois disques d’Enrico Pieranunzi sont parus ces derniers mois, trois albums très différents, le pianiste romain aimant diversifier ses projets. Le plus européen des trois est certainement “Ménage à trois” (Bonsaï Music / Harmonia Mundi), un enregistrement de novembre 2015 (mis en vente en octobre 2016) dans lequel, accompagné par Diego Imbert à la contrebasse et André Ceccarelli à la batterie, Pieranunzi s’amuse à plonger dans le jazz des pièces du répertoire classique. « J’ai côtoyé deux femmes splendides, les deux muses-musicales de ma vie : la musique classique et le jazz » écrit Enrico dans le livret du CD, cohabitation réussie des deux genres.

 

Cohabitation et non syncrétisme, car le jazz et le classique font rarement bon ménage. Ici des mélodies de Jean-Sébastien Bach, Robert Schumann, Franz Liszt, Gabriel Fauré et d’autres compositeurs admirés donnent naissance à de véritables morceaux de jazz *. Tout en restant un soliste qui improvise, le pianiste traite ces thèmes empruntés comme s’il les avait composés. Des rythmes syncopés, un découpage différent de la phrase musicale, des notes bleues, entraînent donc ces pages classiques dans un monde différent de celui qui est le leur, celui du jazz bien que leur grande sophistication harmonique soit celle d’un jazz revisité sous le prisme d’une sensibilité, d’une culture et d'un piano européen. La 1ère Gymnopédie d’Erik Satie abordée sur un tempo médium très inhabituel, La plus que lente de Claude Debussy, l’Hommage à Edith Piaf de Francis Poulenc (improvisation n° 15 écrite en 1959) et bien d’autres pièces de ce disque témoignent ainsi de leur profonde transformation, de leur passage d’un état à un autre. En outre, Enrico Pieranunzi s’est également diverti à composer des nouveaux morceaux à partir de ceux qu’il a sélectionnés. Ses variations autour de la Romance de Darius Milhaud ou La moins que lente, fantaisie au swing irrésistible imaginée par le pianiste sur le même canevas harmonique de La plus que lente, soulèvent également l’enthousiasme.

 

* Mis à part quelques introductions au piano du maestro, sa carrière de concertiste classique et son impressionnant bagage technique lui permettant tout aussi bien de jouer du classique que du jazz comme en témoigne son disque de 2007 consacré aux sonates de Domenico Scarlatti.

Également paru en octobre 2016, “Americas” (CAM Jazz / Harmonia Mundi) réunit Enrico Pieranunzi et un autre pianiste italien, Bruno Canino, une légende dont la réputation internationale n’est plus à faire. Né en 1935, ardent défenseur de la musique contemporaine, il fut naguère l’accompagnateur attitré de la cantatrice Cathy Berberian, l’épouse du compositeur Luciano Berio. On lui doit également la première intégrale en CD des œuvres pour piano de Claude Debussy. Enrico qui rêvait de faire un disque avec lui m’a confié être particulièrement fier de cet album enregistré en décembre 2015, album dont le répertoire est entièrement consacré à des compositeurs des deux Amériques : George Gershwin, Aaron Copland et William Bolcom pour celle du Nord ; Carlos Guastavino (qui écrivit beaucoup pour la voix et le piano) et Astor Piazolla, tous les deux argentins, pour celle du Sud.

 

La musique comprend aussi bien des tangos (La Muerte Del Ángel et Milonga Del Ángel de Piazzola, cette dernière dans une version aussi lumineuse que poétique) que du ragtime (Old Adam). Interprété dans sa version originale pour deux pianos, le Danzón Cubano de Copland est comme son nom l’indique un danzón, une danse cubaine. Enfin les variations sur I Got Rhythm proposées ici relèvent davantage du classique que du jazz, Bruno Canino les approchant à travers sa culture de pianiste classique.

 

C’est donc surtout à Enrico Pieranunzi, pianiste aussi à l’aise avec le jazz qu’avec la musique savante de tradition européenne, de rythmer différemment ces pièces dont les cadences appartiennent à des genres bien spécifiques (la musique afro-cubaine, le tango), cadences qui ne sont pas celles du jazz. Ses lignes mélodiques et rythmiques entrecroisent sans problème celles de son partenaire. Ce dernier a beaucoup joué avec le pianiste Antonio Ballista et est très à l’aise dans l’exercice du duo. Il sait écouter, adapter son jeu à ce que lui propose Enrico qui ne cherche jamais à le déstabiliser, à le faire entrer dans une autre sphère musicale que la sienne. Un disque de compromis certes, mais une réussite incontestable, la réunion de deux sensibilités et cultures différentes (classique et jazz) qui, cheminant ensemble sur les routes musicales des deux Amériques, parviennent à s’entendre et surtout à créer.

Publié en Amérique et au Japon en automne dernier, “New Spring” (CAM Jazz / Harmonia Mundi) est disponible en France depuis le 31 mars. Enregistré en avril 2015 au Village Vanguard de New York, il fait entendre Enrico Pieranunzi avec des musiciens américains. Scott Colley qui tient la contrebasse dans “Permutation” (2009) et “Stories” (2011), deux albums que le pianiste a gravés en trio avec Antonio Sanchez, est de l’aventure, mais avec un autre batteur. La frappe lourde et percussive de Clarence Penn muscle presque autant que lui la musique, un jazz afro-américain d’une grande vitalité rythmique. La contrebasse pneumatique et mélodique de Colley, un des grands de l’instrument, y contribue, ce dernier s’exprimant souvent en soliste, notamment dans Out of the Void (une de ses compositions) et Loveward, pièces dans lesquelles se révèle la subtilité de son langage.

 

Loveward met également en lumière le lyrisme de Donny McCaslin, le quatrième homme du groupe, un musicien avec lequel le pianiste a enregistré en 2013 l’album “Proximity” en quartette. Saxophoniste ténor à la sonorité rugueuse, McCaslin peut tout aussi bien torturer ses longues phrases fiévreuses et tourmentées qu’adopter un jeu sensible dans les ballades. Avec eux, Enrico Pieranunzi joue un piano puissant visité par le bop, délivre un accompagnement harmonique étonnamment libre. Dans New Spring et Out of the Void, il ne cache pas son admiration pour McCoy Tyner, ici son principal inspirateur. Bill Evans, l’autre pianiste qu’il admire, n'est jamais très loin dans Loveward et The Waver, une ballade aux métriques incertaines, un va-et-vient de couleurs et de notes qui, libérées des rigueurs de la mesure, infléchissent la musique vers des contrées inattendues. Amsterdam Avenue et New Spring exceptés, la plupart des thèmes de cet album nous sont connus. I Hear a Rhapsody est bien sûr un standard que Bill Evans a plusieurs fois interprété. Enrico le réinvente, le revitalise, trempant son piano imbibé d'harmonie européenne dans le jazz de la grande Amérique.

 

 Photos : Enrico Pieranunzi © Ettore Festa – Enrico Pieranunzi & Bruno Canino © Luca d'Agostino

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18 avril 2017 2 18 /04 /avril /2017 08:33

J’avoue avoir tardé à vous parler de ce disque, non qu’il soit mauvais, – il est même excellent –, mais après “Again” et “HIP”, deux grandes réussites en trio, le piano de Vincent Bourgeyx y occupe moins l’espace sonore, se fait ici moins présent. Normal, car sept des treize plages de “Short Trip” accueillent David Prez au saxophone ténor – et au soprano dans Choral, ce que la pochette n’indique pas. En outre, Vincent Bourgeyx accompagne avec beaucoup d’à propos et de finesse la chanteuse Sarah Lazarus dans deux des cinq standards de cet album, ce qui réduit encore la place de son instrument. C’est en le réécoutant que la nécessité d’en faire une chronique m’a paru évidente car les disques de jazz qui relèvent vraiment du jazz comme celui-ci se font rares. Loin des effets de mode, des métissages peu seyants qui sont aujourd’hui monnaie courante, ce cinquième opus du pianiste s’enracine et renouvèle de l'intérieur une tradition musicale que nombre de jazzmen, biberonnés depuis l’enfance par d’autres musiques, ignorent et délaissent aujourd’hui.

 

Le jazz qu’il apprit à aimer à Bordeaux, sa ville natale, après des années de piano classique, Vincent Bourgeyx l’étudia en Amérique, au Berklee College of Music de Boston dont il sortit diplômé en 1997. Il le côtoya également de très près dans les clubs new yorkais au sein du quartette du tromboniste Al Grey et de celui de la saxophoniste Jane Ira Bloom. Participant à de nombreux concerts, il se forgea une amitié durable avec le batteur Bobby Durham (décédé en 2008) et le bassiste Matt Penman avec lequel il enregistra “Introduction” son premier disque et “Again” en 2008, Ari Hoenig à la batterie complétant une section rythmique 100% américaine.

Deux musiciens américains l’accompagnent à nouveau dans “Short Trip”. Jazzman très demandé – il est membre du quartette James Farm et du SF Jazz Collective –, Matt Penmann tient une fois encore la contrebasse – écoutez le jeu mélodique qu’il adopte dans Choral – et Obed Calvaire, que les afficionados du pianiste Monty Alexander connaissent bien, la batterie. Sa frappe puissante apporte poids et épaisseur à un jazz moderne imbibé de swing, mais qui sait aussi se faire miel. Short Trip, une composition malicieuse qui introduit l’album et lui donne son nom, contient un long et fiévreux chorus de ténor de David Prez dont les phrases sinueuses restent toujours bien construites. Élève de Dave Liebman et de Michael Brecker, proche d’un Mark Turner par une sonorité qu’il va souvent chercher dans le registre aigu de l’instrument, le saxophoniste possède un réel talent, l’aspect énergique de son jeu allant de pair avec un lyrisme qu’il manifeste bien volontiers dans les ballades.

Quant à Vincent Bourgeyx, il est tout feu tout flamme dans In a Hurry, une plage en trio aux notes abondantes qui témoigne de sa culture, de son admiration pour Oscar Peterson dont l’écoute attentive de ses disques détermina naguère sa vocation de pianiste de jazz. Très à l’aise avec le blues qui semble couler naturellement de ses doigts dans Elephant’s March, mais aussi avec le bop dans un This Is New énergique, il pose des harmonies chatoyantes sur la mélodie d’Abbey et sur la voix sensible et très juste de Sarah Lazarus, une voix que seule la contrebasse accompagne dans les premières mesures de I Got Lost in His Arms. Chantée avec profondeur et émotion, sa version solaire de I’ve Grown Accustomed to His Face est également très convaincante. “Short Trip” s’achève sur un autre standard. Composé en 1934, For All We Know connut d’innombrables interprétations. Celle que nous offre Vincent Bourgeyx, seul avec son instrument, émeut et fait battre le cœur. On attend avec impatience un album en solo.

 

Photo de Groupe © Loïc Séron - Vincent Bourgeyx © Christian Ducasse

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10 avril 2017 1 10 /04 /avril /2017 09:09
Glenn ZALESKI : “Fellowship” (Sunnyside / Socadisc)

Pianiste originaire de Boylston (Massachusetts), Glenn Zaleski, né en 1987 et demi-finaliste de la Thelonious Monk International Jazz Piano Competition en 2011, reste quasiment inconnu des amateurs de jazz de l’hexagone. Distribué en petite quantité, mais envoyé à la presse spécialisée, “My Ideal”, son premier enregistrement pour Sunnyside, m’avait interpellé. Presque exclusivement constitué de standards, il révélait un musicien influencé par Bill Evans (celui de “Everybody Digs Bill Evans” et de “Portrait in Jazz” notamment) qui outre son attachement à la grammaire et au vocabulaire du jazz, semblait en connaître l’histoire. En trio, Glenn Zaleski nous confiait des versions convaincantes de Nobody Else But Me et de Body and Soul, reprenait des compositions de Jule Styne, Freddie Hubbard et Jerome Kern, un thème de ce dernier, My Old Fashioned, bénéficiant du saxophone ténor de Ravi Coltrane avec lequel il joue parfois dans les clubs de New York. Certaines hésitations dans ses chorus, une version osée mais trop précipitée de Cheryl, des notes que l’on devine un peu trop avant qu’elles n’arrivent, m’avaient retenu de lui consacrer une chronique. C’était en 2015 et je lui préférai Nick Sanders, pianiste qui venait de sortir sur Sunnyside, “You Are A Creature”, un second disque aussi enthousiasmant que l’était son premier. Musicien prometteur mais encore un peu vert, Glenn Zaleski patienterait.

La récente parution de “Fellowship” ne me fait plus hésiter à vous le faire découvrir. On y entend un pianiste infiniment plus sûr de lui qui sait arranger ses thèmes et les mettre en valeur. Glenn Zaleski s’entoure des mêmes musiciens. Ayant l’habitude de jouer ensemble, ils se montrent beaucoup plus à l’aise et inventifs avec ces compositions originales qu’ils semblent bien connaître. C’est par l’intermédiaire de Ravi Coltrane que Glenn rencontra Dezron Douglas, son bassiste. Quant au batteur Craig Weintrib, Glenn a souvent joué avec lui lorsqu’il étudiait à la New School de New York City. Ce sont eux qui introduisent l’album avec les rythmes très fouillés de Table Talk sur lesquels Zaleski n’a plus qu’à poser les doigts. Cela semble facile, mais ce morceau rapide nécessite une mise en place au cordeau, les trois hommes devant anticiper les changements de rythme qu’il impose, être parfaitement en phase les uns avec les autres, le piano dialoguant constamment avec une contrebasse et une batterie réactives qui nourrissent avec lui la musique. Westinghouse, une ballade dédiée à Billy Strayhorn met en évidence le langage harmonique d’un pianiste qui détache ses notes, leur donne légèreté et mouvement, ses longues phrases tranquilles et élégantes n’excluant nullement l’inattendu.

 

Composé pour un concert donné avec les étudiants du Brubeck Institute de Stockton (Californie), école dont il suivit naguère le cursus universitaire, Out Front, une pièce lente et contemplative malgré sa structure complexe, valorise les belles couleurs de ses voicings, la contrebasse attentive de Dezron Douglas y tenant une place importante. Ce dernier introduit Homestead, morceau au développement surprenant que Zalesky écrivit lors d’un voyage interminable qui lui inspira ses lignes de basse répétitives. Confiée à son piano, la petite mélodie insinuante de Is That So, un thème de Duke Pearson, n’a rien perdu de son charme et de son efficacité. Glenn Zalesky prend son temps pour en faire respirer les notes. Il fait chanter celles de Lifetime que porte des rythmes très souples, des instruments en osmose. Il faut l’être pour reprendre Central Park West de John Coltrane, une ballade qui change fréquemment de tonalité et dont les quatre premières mesures contiennent une série de douze notes. Les difficultés techniques que pose ce standard disparaissent sous la richesse et la fluidité du flux harmonique, le thème, d’une apparente simplicité, se suffisant bien sûr à lui-même.

 

Photo © Christopher Drukker

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