blog de Choc

Avec retard, mes Chocs de l’année 2022. J’avoue délaisser ce blog en sommeil depuis juin dernier. Il existe depuis 2008 et aura quinze ans en septembre prochain. Depuis, le jazz a pris de multiples directions. Peu me conviennent. Trop de disques inutiles paraissent aujourd’hui et il m’a été difficile d’en sélectionner treize avec le “Bordeaux Concert” de Keith Jarrett, un inédit de 2016. Écoutant moins de nouveautés, je préfère me consacrer aux enregistrements plus anciens qui dorment sur mes étagères, renouer des rapports amicaux avec les Chocs des années précédentes, la pop music de ma jeunesse et la musique classique, vaste monde que je suis loin d’avoir fini d’explorer.

Souhaitant limiter mes chroniques aux disques essentiels (il y en a peu), ces 13 Chocs sont donc les derniers que je mets en ligne. Les pianistes y sont bien sûr à l’honneur et les musiciens français plus nombreux que les autres années. Ces derniers ne sont pas oubliés dans le livre que je prépare actuellement et qui paraîtra en mars ou en avril aux Éditions les Soleils Bleus. Intitulé “De jazz et d’autre”, sous-titré “Chroniques 2010-2020”, il réunit principalement des textes de ce blog largement remaniés et actualisés. Je vous tiendrai plus amplement informé de sa parution. En attendant amis lecteurs, janvier n’étant pas terminé, je vous adresse mes meilleurs vœux pour 2023.

12 nouveautés…   

Kit DOWNES : “Vermillion”

(ECM / Universal)

Les amateurs de jazz ne sont pas nombreux en France à connaître Kit Downes dont le mentor fut le regretté John Taylor. Il joue de l’orgue d’église dans “Obsidian” son premier disque ECM publié en janvier 2018. En complète osmose avec le bassiste Petter Eldh et le batteur James Maddren, le pianiste improvise une musique ouverte et imprévisible, un jazz de chambre intimiste d’une grande douceur mélodique. Souvent construit sur des altérations harmoniques, sur des métriques irrégulières et mouvantes, “Vermillion” se conclut par une version méconnaissable de Castles Made of Sand de Jimi Hendrix.

Daniel ERDMANN & Christophe MARGUET : “Pronto !”

(Mélodie en sous-sol / L’Autre distribution)

Le saxophoniste Daniel Erdmann et le batteur Christophe Marguet ont beaucoup joué ensemble depuis 2010. Avides de nouvelles rencontres humaines et musicales, ils poursuivent aujourd’hui leur collaboration en quartette. “Pronto!” les voit travailler avec la bassiste Hélène Labarrière et le pianiste Bruno Angelini. La cohésion de leur groupe est palpable à l’écoute des compositions originales des deux leaders, un jazz moderne nourri de traditions, la formation possédant une sonorité propre, des couleurs qui la distinguent des autres.

Jean-Marc FOLTZ – Stéphan OLIVA : “Indigo”

(Vision Fugitive / L’Autre Distribution)

Un disque consacré aux compositions de Duke Ellington, mais aussi à Billy Strayhorn, son alter ego, Jean-Marc Foltz (clarinettes) et Stéphan Oliva (piano) reprenant son Lotus Blossom. On frissonne de plaisir avec In A Sentimental Mood, qui ouvre l’album, un florilège de mélodies ellingtoniennes que Foltz et Oliva mettent à nu, jouent sans fioritures comme pour mieux en dévoiler l’essence. Une version en apesanteur de Solitude, un African Flower dont la mélodie flotte comme un nuage, un gai et primesautier Sunset and the Mocking Bird aident beaucoup à passer l’hiver.

Giovanni GUIDI : “Ojos De Gato”

(CamJazz / L’Autre Distribution)

Six musiciens seulement dans cet hommage de Giovanni Guidi au regretté Gato Barbieri. Soutenus par deux batteurs, le ténor fiévreux de James Brandon Lewis et le trombone volubile de Gianluca Petrella dialoguent avec lyrisme et puissance et donnent beaucoup de poids à une musique parfois abstraite et dissonante dans laquelle Guidi joue un magnifique piano. Harmonies raffinées (Laura), ballade mélancolique confiée au ténor (Ernesto), fanfare joyeuse (Buenos Aires), improvisation libre (Manhattan), ce disque révèle bien des surprises.

Marquis HILL : “New Gospel Revisited”

(Edition Records / UVM distribution)

Né à Chicago en 1987, Marquis Hill affirme sa différence par sa musique qui mêle, brasse et intègre néo-soul, house, funk et hip-hop au sein d’un jazz moderne aux racines évidentes. Avec lui Walter Smith III (saxophones), Joel Ross (vibraphone), James Francies (piano), Harish Raghavan (contrebasse) et Kendrick Scott (batterie), musiciens qui nous sont familiers. La formation expérimente, ouvre de nouvelles perspectives mélodiques et rythmiques au jazz afro-américain. Le trompettiste y cisèle les notes chaudes et colorées d’une musique ambitieuse.

KARTET : “Silky Way”

(PeeWee ! www.peeweelabel.com)

Bientôt 32 ans d’existence pour Kartet, mais seulement huit albums avec ce “Silky Way” au répertoire d’une homogénéité et d’une fluidité étonnante, fruit de l’émulation créatrice de quatre complices faisant naître une musique envoûtante dont les angles, les arêtes vives sont soigneusement poncés. Guillaume Orti (saxophones alto et soprano), Benoît Delbecq (piano), Hubert Dupont (contrebasse) et Samuel Ber (batterie) cisèlent dix pièces secrètement mélodieuses. Les timbres et les couleurs vibrent par la magie de quatre créateurs.

Stéphane KERECKI : “Out of the Silence”

(Out Note / Outhere)

Enregistré en octobre dernier dans le studio de la Maison de la Culture d’Amiens, l'excellent “Out of the Silence” du bassiste Stéphane Kerecki réunit cinq personnalités du monde du jazz. Présents sur toutes les plages, le batteur Fabrice Moreau et le pianiste Marc Copland s’en sont réservés deux en trio avec Stéphane. Le saxophoniste norvégien Tore Brunborg les rejoint sur quatre morceaux. Sur quatre autres enfin, la formation se transforme en quintette grâce à la présence de Ralph Alessi, l’un des grands trompettistes de la scène jazz américaine.

Michael LEONHART Orchestra : “The Normyn Suites”

(Sunnyside / Socadisc)

À la tête d’un orchestre d’une vingtaine de musiciens au sein duquel officient Bill Frisell à la guitare, Donny McCaslin et Michael Blake aux saxophones et Chris Potter à la clarinette basse, le trompettiste, arrangeur et compositeur Michael Leonhart, un fidèle de Steely Dan, signe un album varié et d’une étonnante richesse musicale dont les pièces maîtresses sont deux suites consacrées à Normyn, sa chienne teckel disparue. Le disque réunit cuivres, cordes et chœur au sein de compositions aux atmosphères changeantes. Chantés par Elvis Costello, les intermèdes musicaux qui les encadrent sont également très réussis.

Enrico RAVA / Fred HERSCH : “The Song is You”

(ECM / Universal)

Âgé de 82 ans lors de cet enregistrement, Enrico Rava ne joue plus que du bugle et préfère les tempo médiums et lents, les belles notes aux exploits techniques menés à vive allure. On lui pardonnera celles, parfois approximatives, qu’il peine à souffler, tant son lyrisme reste intact. “The Song Is You” le fait entendre en duo avec le pianiste Fred Hersch, les deux hommes se faisant assurément complices dans un répertoire largement consacré à des standards au sein desquels le grand Thelonious Monk n’est bien sûr pas oublié.

Bruno RUDER : “Anomalies”

(Vision Fugitive / L’Autre distribution)

Difficile de situer Bruno Ruder qui aime jouer toutes sortes de musique, délaisser son piano acoustique pour jouer du Fender Rhodes et autres claviers électriques. “Anomalies” est, en beaucoup plus abouti, la suite de “Lisières”, un disque de 2013 également enregistré à La Buissonne. Bruno Ruder y invente en solo une musique intimiste et très maîtrisée relevant beaucoup du classique. La prise de son époustouflante de Gérard de Haro met constamment en valeur un piano qui sonne magnifiquement. Enregistré en un seul après-midi dans les conditions du direct, cet album révèle maintes surprises à un auditeur attentif en quête de beauté.

Henri TEXIER : “Heteroklite Lockdown”

(Label Bleu / L’Autre distribution)

Enregistré en trio et sans public au Triton, “Heteroklite Lockdown” est l’un des albums les plus attachants d’Henri Texier. Avec son fils Sébastien au saxophone alto et le batteur Gautier Garrigue, le bassiste fait résolument chanter les mélodies qu’ils reprennent. Trois standards, quelques compositions d’Henri et trois nouveaux morceaux sont au programme d’un disque mettant en valeur les belles lignes mélodiques de la contrebasse et le chant fluide et aérien d’un saxophone en apesanteur. Quant au batteur, son drive coloré et subtil s’avère un atout précieux pour la belle musique du trio.

Sachal VASANDANI & Romain COLLIN : “Still Life”

(Edition Records / UVM distribution)

Après “Midnight Shelter” en 2020 pour Edition Records, un excellent disque dont le répertoire éclectique comprend aussi bien des standards que des compositions des Beatles, Nick Drake et Bob Dylan, le chanteur Sachal Vasandani et le pianiste Romain Collin récidivent avec bonheur avec “Still Life” au sein duquel une version remarquable de The Sound of Silence de Paul Simon côtoie Blue in Green de Miles Davis (paroles de Meredith d’Ambrosio), Washing of the Water de Peter Gabriel et une reprise inattendue de Freight Train d’Elizabeth Cotten, grand classique du folk américain.

...et un inédit :

Keith JARRETT : “Bordeaux Concert”

(ECM / Universal)

En 2016, Keith Jarrett donna cinq concerts solo en Europe (Budapest, Bordeaux,Vienne, Munich, Rome). Ceux de Budapest et de Munich ont déjà été publiés par ECM. Le 6 juillet, le pianiste est à Bordeaux. Treize morceaux numérotés de I à XIII sont improvisés ce soir-là. Les premières pièces jouées sont souvent atonales. Jarrett cherche, explore, tâtonne, ne sait trop quelle musique inventer. La troisième relève du gospel. Jarrett se lance également  dans un blues (Part. VIII) puis, miracle, devient lyrique, trouve des mélodies sublimes (Part. XI, XII et XIII) que l’on peine à croire qu’il vient de les faire naître sous ses doigts.

Cela fait longtemps que je n’ai pas écrit pour ce blog. Depuis le 25 mars exactement. La promotion de mon livre, “De la musique plein la tête”, dont je vous conseille la lecture cet été*, mon désintérêt pour un jazz aujourd’hui largement entre les mains de techniciens, de musiciens acrobates qui jouent beaucoup de notes mais ont peu de musique à proposer, expliquent partiellement mon silence. J’avoue donc quelque peu délaisser l’actualité du jazz, son flot permanent de nouveautés, préférant lire, voir des films et réécouter de vieux albums, des disques d’hier souvent plus modernes et inventifs que ceux que l’on peut entendre aujourd’hui. Difficile toutefois de rester indifférent lorsque un nouveau disque de Marc Copland, de Fred Hersch ou d’Enrico Pieranunzi me parvient, de ne pas le glisser dans le tiroir de mon lecteur de CD pour en goûter au plus vite la musique. D’autres albums aussi donnent envie, s’écoutent avec bonheur. En voici quelques-uns. Il y en a d'autres, mais vous patienterez un peu pour les découvrir. Puissent ces brèves chroniques ensoleiller votre été.

*Ouvrage à commander chez votre libraire ou sur le site de l’éditeur www.lessoleilsbleus.com

Enrico Pieranunzi sera à Paris pour deux concerts en trio au Sunside les 26 et 27 août. En attendant, le maestro vient de publier deux albums qui ne se ressemblent pas. Enregistré au Village Vanguard en janvier 2016, “The Extra Something” (CamJazz) est un disque de bop moderne qui rassemble autour du pianiste des musiciens américains. Diego Urcola (trompette et trombone), Seamus Blake (saxophone ténor), Ben Street (contrebasse) et Adam Cruz (batterie), tous excellents, poussent Enrico à jouer un piano énergique, leur hard-bop fiévreux enthousiasmant le public new-yorkais. 

Enregistré en studio à Copenhague, “Something Tomorrow” (Storyville) relève davantage d’un jazz de sensibilité européenne. Accompagné par Thomas Fonnesbæk, jeune prodige de la contrebasse, et André Ceccarelli dont le drumming souple et aéré fait merveille, Enrico Pieranunzi pose de tendre couleurs sur ses musiques et les habille d’harmonies délicates. Les trois hommes dialoguent, font danser leurs notes et nous offrent des versions lumineuses de The Heart of a Child et Suspension Points, deux ballades aux mélodies inoubliables.

Un autre pianiste, Ketil Bjørnstad, profita du confinement pour participer à Oslo, en avril 2020, à un concert improvisé de piano solo en streaming, la salle étant vide d’auditeurs. Aujourd’hui édité en CD et en DVD  “New Morning” (Grappa) contient d’excellents moments. Âgé de 70 ans et auteur de plus de 70 albums – je ne connais que ses enregistrements pour ECM, “La notte” (publié en 2013), en sextet, étant particulièrement réussi – le pianiste norvégien assume un jeu souvent lyrique, invente des mélodies séduisantes, certaines d’entre-elles ressemblant à des hymnes. Malgré quelques moments moins convaincants lorsque l’instrument gronde et devient percussif (Forever Prokofiev), cette longue suite, changeante comme les couleurs du ciel, s’écoute avec plaisir.

Également en solo “Blue Songs” (DLM éditions) du pianiste Denis Levaillant rassemble onze mouvements enregistrés et inventés sur l’instant, certains inspirés par les airs d’un opéra-comique qu’il écrivait alors. Compositeur d’un catalogue d’œuvres très variées relevant de la musique savante européenne, Denis Levaillant n’est pas à proprement parler un jazzman. Associé au bassiste Barre Phillips et au batteur Barry Altschul, il a toutefois abordé le genre avec succès avec “Les Passagers du Delta” (DLM éditions), livre-disque de 2013 réunissant un enregistrement studio de mars 1987 et un concert de 1989. Avec “Blue Songs”, il nous fait voyager dans les couleurs harmoniques des nombreuses mélodies qu’il invente. Effectuée à même la table d’harmonie de l’instrument défait de son couvercle, la prise de son amplifie beaucoup la résonnance des notes et l’aspect onirique de la musique, mais peut en déranger certains.

Excellent bassiste, Stéphane Kerecki sait bien s’entourer. Il a aussi de bonnes idées, des projets aussi inattendus que variés qu’il mène toujours à bien. Après un album en 2018 consacré à la vague musicale électro, à la « French Touch » qui lui donne son nom, “Out of the Silence” (Out Note), disque enregistré en octobre dernier dans le studio de la Maison de la Culture d’Amiens, réunit cinq personnalités du monde du jazz. Avec Fabrice Moreau, batteur qui accompagne depuis longtemps Stéphane, et Marc Copland dont le piano joue constamment avec le silence, les deux morceaux en trio, Day Dreamer et Hands, sont de vraies merveilles. Quatre plages en quartette avec le saxophoniste norvégien Tore Brunborg découvert auprès de Tord Gustavsen, et quatre autres en quintette avec Ralph Alessi, l’un des grands trompettistes de la scène jazzistique américaine, complètent le répertoire d’un all-star de haut vol.

Tord Gustavsen se rappelle à nous avec un nouvel opus, le cinquième qu’il enregistre en trio. Proche de “The Other Side” publié en 2018, le répertoire d’“Opening” (ECM), des compositions originales pour la plupart, reste largement inspiré par des hymnes religieux, de vieilles chansons traditionnelles des pays scandinaves. Privilégiant l’épure, l’ascétisme musical, le silence, le pianiste norvégien joue peu de notes, les préfère légères et lentes, ruisselantes de profondeur spirituelle. Si le batteur est toujours le fidèle Jarle Vespestad, un nouveau bassiste, Steinar Raknes, assure un solide contrepoint mélodique à la musique.  Stream, une des plus attachantes pièces de l’album lui offre l’occasion d’improviser. Plus nombreux que d’habitude, des effets sonores (electronics) modifient parfois le timbre de son instrument, ajoutent des couleurs inattendues à un disque très séduisant.

À l’occasion du centenaire de Charles Mingus (22 avril 2022 - 5 janvier 1979) paraissent de nombreux albums, des concerts qui, aussi bons soient-ils, n’apportent rien de vraiment neuf à sa discographie. Beaucoup plus intéressant est l’hommage que lui rend le clarinettiste Harry Skoler dans son disque “Living in Sound : The Music of Charles Mingus” (Sunnyside). Sans avoir la technique d’Eddie Daniels, Skoler sait se montrer lyrique et convaincant. Au programme : six compositions de Mingus – dont l’incontournable Goodbye Pork Pie Hat  –, un thème de Don Pullen, un de Doug Hammond et un de Skoler. Confiés à Darcy James Argue, Ambrose Akinmusire et Fabian Almazan les arrangements sont très réussis. Producteur et principale cheville ouvrière de cet enregistrement, le saxophoniste Walter Smith III a réuni un casting de rêve autour du clarinettiste : Nicholas Payton à la trompette, Kenny Barron au piano, Christian McBride à la contrebasse, Jonathan Blake à la batterie, la chanteuse Jazzmeia Horn (dans Moves), et un quatuor à cordes. Laissez-vous donc tenter.

Enrico Pieranunzi : “The Extra Something” (CamJazz / L’autre distribution)

Enrico Pieranunzi : “Something Tomorrow” (Storyville / UVM)

Ketil Bjørnstad : “New Morning” (Grappa)

Denis Levaillant : “Blue Songs” (DLM Éditions & Distribution)

Stéphane Kerecki : “Out of the Silence” (Out Note / Outhere)

Tord Gustavsen : “Opening” (ECM / Universal)

Harry Skoler : “Living in Sound : The Music of Charles Mingus” (Sunnyside / Socadisc)

Photo Stéphane Kerecki “Out of the Silence” quintette © Marc Chesneau

En ce mois de février qui bientôt s’achève, les bons concerts n’ont pas manqué. Le pianiste Stephan Oliva en solo au Sunside dans un programme éclectique au sein duquel The Single Petal of a Rose de Duke Ellington fut l’un des joyaux ; Toujours au Sunside, Enrico Pieranunzi avec Jasper Somsen à la contrebasse et Jorge Rossy à la batterie nous offrant une version mémorable de Don’t Forget the Poet, l’une de ses plus belles compositions ; le batteur norvégien Snorre Kirk enfin dans un club parisien après un étonnant concert en novembre 2018 à la Maison du Danemark, le Duc des Lombards l’accueillant avec un nouveau quartette qui porta constamment le swing à ébullition… des moments forts que l’on conserve en mémoire. Et puis, il y a les disques, nombreux depuis janvier. On a beau chercher à dégager du temps pour réécouter ses vieux albums avant qu’ils ne prennent la poussière, l’actualité, toujours galopante comme un cheval au galop, nous en empêche avec des enregistrements que l’on aurait tort d’ignorer. À écouter entre la lecture de deux chapitres de mon livre de souvenirs “De la musique plein la tête” récemment publié aux Éditions Les Soleils Bleus, www.lessoleilsbleus.com ces six pépites mettent en joie. Pourquoi vous en priver !

Frédéric Borey avait déjà enregistré plusieurs albums lorsque “The Option”, son cinquième, l’un de ses meilleurs, parvint en 2012 à mes oreilles. D’autres disques suivirent dont deux avec Lucky Dog, un quartette dans lequel Yoann Loustalot, déjà présent dans “The Option”, joue du bugle. Au saxophone ténor, Frédéric Borey possède une sonorité ample, épaisse, mais également moelleuse et suave. Il la met au service de compositions cohérentes et soignées qui laissent une large place à l’improvisation. Récemment sorti sur le label Fresh Sound New Talent (distribution Socadisc), “Butterflies Trio” en contient onze. Six d’entre-elles sont de sa plume. Quatre autres sont écrites par Damien Varaillon (contrebasse) et Stéphane Adsuar (batterie) qui l’accompagnent depuis 2019, année de l’enregistrement et de la sortie de leur premier double CD, et la onzième, Camille, par un ami de longue date du saxophoniste, Lionel Loueke. Ce dernier apporte à la musique les timbres inimitables de sa guitare – qui sonne comme un synthé dans Insomnia –, ses mélopées singulières, son approche africaine des rythmes, et lui donne d’autres couleurs. Si Lou, un duo rêveur et mélancolique avec Frédéric nous émeut, le guitariste trouve en Stéphane Adsuar un complice pour faire danser avec lui une musique apaisée et souvent mystérieuse qui semble venir de loin.

Si le jazz que joue Bill Charlap reste de facture classique, on ne peut rester insensible à son piano et à la cohésion de son trio. Peter Washington (contrebasse) et Kenny Washington (batterie) l’accompagnent depuis 1997. Ils n’ont aucun lien de parenté mais la musique épurée qu’ils rythment avec précision et finesse témoigne de leur parfaite entente. Bill Charlap continue de puiser dans l’immense vivier de standards que possède le jazz pour nourrir sa musique et son art pianistique. Après deux magnifiques albums pour Impulse, il retrouve Blue Note et sort aujourd’hui “Street of Dreams”, un opus tout aussi bon et accompli que ses disques précédents. Chansons tirées de films ou de comédies musicales – I’ll Know, What Are You Doing the Rest of my Life –, succès des années 30 popularisés par Bing Crosby – Street of Dreams, Out of Nowhere – et compositions de jazzmen – The Duke de Dave Brubeck, Your Host de Kenny Burrell –, le pianiste s’empare de leurs mélodies inusables pour les parer de nouvelles couleurs harmoniques, ses doigts agiles faisant pleuvoir sur elles de grands rideaux de swing. Adoptant des tempos très lents lorsqu’il joue des ballades, il les habille de délicates notes perlées, son jeu espiègle et élégant soulevant constamment l’enthousiasme. 

Les amateurs de jazz ne sont pas nombreux en France à connaître Kit Downes. Il joue de l’orgue d’église dans “Obsidian” son premier disque ECM publié en janvier 2018. La même année, sous le nom de Enemy, Edition Records fit paraître un album en trio avec Downes au piano, le bassiste Petter Eldh et le batteur James Maddren. Ce sont eux qui l’accompagnent dans “Vermillion”, son troisième album pour ECM, un disque que Downes, dont le mentor fut le regretté John Taylor, estime différent de tous ceux qu’il a enregistrés. En complète osmose, les trois musiciens improvisent une musique ouverte et imprévisible, un jazz de chambre intimiste d’une grande douceur mélodique. Souvent construits sur des altérations harmoniques, sur des métriques irrégulières et mouvantes, le rubato étant ici abondamment utilisé, les paysages colorés et abstraits que proposent le trio fascinent par leur riche palette de timbres. Un thème surgit parfois au détour d’une phrase. On le croit oublié lorsqu’il revient à nos oreilles, enchantées par l’écoute d’une contrebasse inventive, d’un piano dont les notes lumineuses sont d’une douceur exquise, d’un batteur qui caresse peaux et métal, commente et colore. Kit Downes et Petter Eldh se partagent les compositions de l’album. Il se termine par une version méconnaissable de Castles Made of Sand, un morceau de Jimi Hendrix savamment déconstruit.

Dans les notes de pochette de “Breath by Breath” (Palmetto / L’Autre distribution), Fred Hersch confie avoir grandi à Cincinnati en écoutant des quatuors à cordes. Sa professeur de piano était l’épouse du violoncelliste du célèbre LaSalle Quartet et Fred assistait souvent à leurs répétitions, découvrant comment leurs instruments parvenaient à unir leurs timbres et répartir leurs lignes mélodiques. Interprétés par le Crosby String Quartet, ses propres arrangements évoquent souvent ceux des grands quatuors romantiques du XIXème. Pastorale est comme par hasard un hommage à Robert Schumann. Le prologue et la coda de Awakened Heart font penser à Franz Schubert et l’introduction de Breath by Breath ressemble à une célèbre pièce classique. Ses arrangements pour cordes sont moins datés lorsque ces dernières sont utilisées rythmiquement – dans Worldly Winds notamment –, ou qu’elles commentent les parties de piano que soutiennent en maints endroits la contrebasse de Drew Gress et la batterie de Jochen Rueckert. Avec eux, Hersch joue un magnifique piano. Begin Again, le premier des huit mouvements de The Sati Suite, mais aussi Breath by Breath révèlent sa totale maîtrise de l’instrument. Son chant dans Mara, une sorte de danse orientale, force l’admiration. Entièrement construit sur une succession de dialogues entre les instruments, Monkey Mind est l’œuvre d’un grand.

La musique de Thelonious Monk jouée par le pianiste Mario Stantchev. Ce dernier la découvrit en Bulgarie à l’âge de 16 ans, par une version live d’Off Minor précise-t-il dans ses notes de pochette. Récemment publié par Cristal et Ouch ! Records (distribution Believe), l’album s’intitule “Monk and More” et a été enregistré en trio à Sofia, la ville natale de Stantchev, par la Radio nationale bulgare. Dimitar Karamfilov (contrebasse) et Hristo Yotsov (batterie) l’accompagnent dans un répertoire que les très nombreux admirateurs de Monk connaissent bien. Ugly Beauty, Pannonica, Blue Monk, Mario Stantchev nous en donne des versions respectueuses tout en prenant certaines libertés tant rythmiques que mélodiques avec les thèmes. Quatre compositions originales fidèles à l’esprit de la musique de Monk complètent cet opus épatant.

Confinés dans le même village, Henri Texier et son fils Sébastien prirent l’habitude de se réunir plusieurs fois par semaine « pour continuer à jouer (…), ne pas laisser la musique s’échapper ! ». Reprenant des standards et de vieux thèmes, ils réfléchirent aux arrangements qu’ils allaient leur donner et constituèrent le répertoire de “Heteroklite Lockdown”(Label Bleu / L’Autre distribution), un disque enregistré en trio et sans public au Triton, l’un des plus sincères et les plus attachants du bassiste. Batteur du quintette d’Henri Texier depuis 2016, Gautier Garrigue, le troisième homme, rythme avec précision la musique, la colore et s’avère un atout précieux dans l’élaboration du son que possède le groupe. Au programme : trois standards dont un merveilleux Round About Midnight, quelques compositions d’Henri (Fertile Danse, Izlaz) et trois nouveaux morceaux écrits par les trois membres du trio, Bacri’s Mood étant un hommage au comédien Jean-Pierre Bacri récemment décédé. Respectant leurs mélodies, nos trois musiciens les font résolument chanter. Les belles lignes mélodiques de la contrebasse ponctuent rythmiquement le chant fluide et aérien du saxophone alto qui, en apesanteur, plane comme un oiseau dans un ciel bleu azur.

Après plusieurs semaines d’inactivité, ce blog reprend du service. Les concerts redémarrent et les disques sont nombreux à sortir. Ceux dont vous lirez les chroniques ont mes préférences. Un choix subjectif bien sûr, mais ceux d’entre vous, nombreux je l’espère, qui partagent mes goûts, ne seront probablement pas déçus. Vous trouverez la chronique du Marcin Wasilewski Trio, “En Attendant” (ECM) dans le numéro d’octobre de Jazz Magazine. J’ai beaucoup réduit la liste de concerts que je propose. Seuls les plus importants à mes yeux seront désormais annoncés. Ce blog ne reprendra pas son rythme habituel. Je me réserve toutefois l’opportunité de prendre ma plume à tout moment si l’actualité du jazz le nécessite. Bonne rentrée à tous et à toutes.

-Comme chaque année en octobre, à l’initiative de l’association Paris Jazz Club, les clubs de jazz de Paris et de la région parisienne font leur festival, vingt-cinq clubs accueillant cent quatre-vingt concerts et quatre cent cinquante musiciens entre le vendredi 8 et le samedi 23. Manifestation culturelle incontournable de l’automne, Jazz sur Seine qui en est à sa 10ème édition maintient inchangée sa politique tarifaire : deux concerts 40 euros et une offre découverte proposée aux étudiants, demandeurs d’emploi et élèves de conservatoires à 10 euros. Dix-huit showcases (entrée gratuite selon les places disponibles) se tiendront le mardi 19 octobre dans cinq clubs du quartier des Halles. On en consultera les programmes sur le site de Paris Jazz Club : www.parisjazzclub.net/fr/events/festival-jazz-sur-seine-2021

-Comme chaque année en octobre, le jazz afro-américain a rendez-vous à Clermont-Ferrand. La 34ème édition de Jazz en Tête, un festival différent car n’accueillant que du jazz qui ressemble à du jazz, se déroulera du mardi 19 au Samedi 23. Le bassiste Joe Sanders en quartette le 19, le Makaya McCraven Quartet avec le trompettiste Marquis Hill le 20, Kirk Lightsey en trio avec Famoudou Don Moye, batteur de l’Art Ensemble of Chicago le 21, le quintette du saxophoniste Kenny Garrett le 22 et le Jazz at Lincoln Center Orchestra sous la direction du trompettiste Wynton Marsalis en soirée de clôture le 23 en sont les moments forts. Mis à part ce dernier concert prévu à 20h30, tous sont à 20h00 et se déroulent dans la salle Jean Cocteau de la Maison de la Culture. On consultera le programme complet sur le site du festival : www.jazzentete.com

Mes concerts d’octobre

-Le pianiste Emmett Cohen en trio avec Yasushi Nakamura (contrebasse) et Kyle Poole (batterie) le 5 et le 6 (19h30 et 22h00) au Duc des Lombards. www.ducdeslombards.com

-Le Umlaut Big Band dirigé par Pierre-Antoine Badaroux célèbre la musique de Mary Lou Williams suivi après l’entracte du Jazz at Lincoln Center Orchestra sous la direction du trompettiste Wynton Marsalis le 9 à la Philharmonie de Paris (20h30). www.philharmoniedeparis.fr

-Le guitariste Nguyên Lê en trio avec Romain Labaye (basse) et Paul Berne (batterie) le 14 (à 20h30) à l’Espace Culturel et Universitaire Juif d’Europe, l’Ecuje – 119 rue Lafayette, 75010 Paris – qui s’ouvre à des concerts de jazz une fois par mois. Le pianiste Olivier Hutman est chargé de la programmation. www.ecuje.fr/jazz-ecuje-paris

-Estelle Perrault et les musiciens de “Dare That Dream”, son deuxième album, le 16 (20h30) au Studio de l’Ermitage. www.studio-ermitage.com

-Anja Lechner (violoncelle) et François Couturier (piano) le 17 à Champagne-sur-Oise (Église Notre-Dame-de-l'Assomption, 14 - 26 rue Notre Dame, 17h00) dans le cadre du festival Jazz au fil de l’Oise. Leurs concerts sont rares et “Lontano”, leur dernier opus, est l’un des plus beaux disques de l’an dernier. www.jazzaufildeloise.fr

-Le duo inédit qui réunit le pianiste Yonathan Avishai et le bassiste Omer Avital le 23 (à 21h30) et le 24 (à 19h00) au Sunside. www.sunset-sunside.com

-Thomas Curbillon le 28 (20h00) au Bal Blomet. Le chanteur guitariste fête la sortie de “Place Sainte Opportune” (Jazz&People), un album éminemment radiophonique arrangé par Pierre Bertrand et réalisé par Daniel Yvinec mariant swing et chansons françaises. Il contient de nombreuses compositions originales et des reprises de Et bailler, et dormir de Charles Aznavour et de Berceuse à Pépé de Claude Nougaro sur une mélodie de Maurice Vander. Eric Legnini (piano), Thomas Bramerie (contrebasse), Antoine Paganotti (batterie) et Stéphane Belmondo (trompette et bugle) invité sur certaines plages en sont les principaux musiciens. www.balblomet.fr

Quelques disques qui m’interpellent

Loin de ranger ses baguettes, Andrew Cyrille, 83 ans le 10 novembre prochain, semble débuter une seconde et tardive carrière chez ECM. Après “The Declaration of Musical Independence” publié en 2014, la firme munichoise fait paraître “The News”, un album de jazz moderne à l’atmosphère toute aussi singulière. Découvert au sein de la dernière formation du regretté Tomas Stanko, le pianiste David Virelles remplace Richard Teitelbaum au sein de la formation du batteur, un quartette comprenant Ben Street à la contrebasse et Bill Frisell à la guitare. Les couleurs, les sonorités souvent aériennes que ce dernier tire de son instrument apportent beaucoup à la magie de cette musique ouverte que le piano virtuose et inattendu de Virelles et le drive foisonnant du leader enrichissent. Frisell apporte trois compositions, dont Baby, une ballade d’un grand lyrisme, et Go Happy Lucky, déjà enregistré en solo sur son disque “Music Is” (OKeh) en 2017. Intimiste et inventif, “The News” est une grande réussite.

Né le 3 septembre 1951 à San Francisco, Todd Cochran débuta sa carrière de pianiste auprès de Bobby Hutcherson – il joue sur “Head On”, un disque Blue Note du vibraphoniste de 1971. L’année suivante, sous le nom de Bayeté / Todd Cochran, il enregistre son premier album pour Prestige (Worlds Around the Sun”) avant de passer aux claviers électriques sous l’influence d’Herbie Hancock, et se voir sollicité comme sideman par de nombreuses pop stars (Peter Gabriel, Jim Capaldi) et des artistes de soul et de rhythm’n’blues (Aretha Franklin, Booker T. Jones), tant à Londres qu’aux États-Unis. Compositeur, producteur, Todd Cochran est aussi un pianiste dont le jeu élégant marqué par le blues s’inscrit dans la tradition du jazz. En témoigne “Then And Again, Here And Now” (Sunnyside), un album dans lequel en trio avec John Leftwich (contrebasse) et Michael Carvin (batterie), il se souvient, reprend Bemsha Swing de Monk qui le fascine déjà à l’âge de dix ans, The Duke de Dave Brubeck qu’il découvre quatre ans plus tard , mais aussi A Foggy Day In London, pour lui associé aux brouillards de ses séjours londoniens, des mélodies qu’il enrichit d’harmonies et d’improvisations personnelles, un jazz intemporel que l’on aimerait écouter plus souvent.     

Aussi à l’aise dans les ballades que sur tempo rapide, Sinne Eeg excelle et nous surprend une fois encore dans “Staying in Touch” (Stunt) enregistré en duo avec le bassiste Thomas Fonnesbæk, bassiste aujourd’hui très demandé. Ce n’est pas la première fois que la chanteuse danoise se livre à l’exercice. En 2015, Stunt publiait “Eeg / Fonnesbæk” *, un autre duo avec ce dernier. Outre quelques compositions originales, ce nouvel opus renferme des morceaux d’Irving Berlin, Cole Porter et Paul Desmond (son incontournable Take Five permettant d’admirer le scat d’une voix très pure et très juste), mais aussi The Long and Winding Road (de Lennon/McCartney) et The Dry Cleaner from Des Moines que Charles Mingus et Joni Mitchell composèrent. Contrebasse et voix dialoguent, improvisent et créent une musique d’une grande fraîcheur. Sur trois plages, un quatuor à cordes en fait ressortir la beauté.   

*L’édition japonaise du disque contient deux bonus, des versions superbes de The Shadow of Your Smile et d’Autumn Leaves qui la rendent indispensable.   

Découverte auprès du pianiste Alain Jean-Marie qui la prend sous son aile, Estelle Perrault, née en 1989 à Enghien-les-Bains d’une mère taïwanaise et d’un père français, rêve d’Ella Fitzgerald et de Billie Holiday et admire Bud Powell et Bobby Timmons, nous apprend le dossier de presse qui accompagne “Dare That Dream”, son second disque pour Art District Music. Un album dont les morceaux, « exploration nostalgique du sentiment amoureux et de la tendresse familiale », chantés dans un anglais parfait, font entendre un timbre de voix singulier dont la douce mélancolie interpelle. Estelle Perrault écrit les textes de ses chansons et en compose aussi les musiques. Deux d’entre-elles, celles de Child Time et de Ran Away, sont toutefois signées par Carl Henri Morisset, son pianiste. Avec elle également Hermon Mehari dont la trompette illumine cinq des huit plages de l’album. Elie Martin Charrière, son batteur, en est aussi le directeur artistique, Clément Daldosso à la contrebasse complétant une formation qui reprend deux standards, Yesterdays et le You Must Believe in Spring de Michel Legrand qu’immortalisa Bill Evans.  

Orchestre de quatorze musiciens, le Umlaut Big Band remonte le temps, aux premières décennies du jazz. Après un album consacré à Don Redman (1900-1964), la formation consacre avec “Mary’s Ideas” (Umlaut Records) un double CD à Mary Lou Williams (1910-1981) dont les archives personnelles sont conservées à l’Institute of Jazz Studies de Newark. Le visitant en 2019, Pierre-Antoine Badaroux qui assure la direction de l’orchestre et Benjamin Dousteyssier (baryton, alto et saxophone basse) en ont ramené de nombreuses partitions numérisées dont celles de compositions écrites entre 1930 et 1981 jamais enregistrées auparavant. Pianiste et arrangeuse des Twelve Clouds of Joy que dirigea le saxophoniste Andy Kirk, Mary Lou Williams écrivit pour de nombreuses formations, celles de Benny Goodman et de Duke Ellington notamment. Fréquentant les boppers dès les années 40, elle leur livra des partitions, arrangea pour Dizzy Gillespie In the Land of Oo-Bla-Dee et composa sa Zodiac Suite qui, orchestrée pour un orchestre de chambre et une section rythmique, fut jouée au Town Hall de New York en décembre 1945. Irriguée par le blues, son œuvre d’une étonnante modernité, parfois inspirée par Cecil Taylor – Zoning Fungus II qui explore les potentialités sonores du piano – nous est ici présentée de manière thématique, un passionnant livret accompagnant deux disques enthousiasmants enregistrés en janvier 2021 à la Philharmonie de Paris.

Comme je vous l’ai récemment confié, peu de disques de jazz m’ont enthousiasmé ce semestre. Les vacances d’été approchant, je vous livre ici de brèves chroniques de ceux qui m’ont le plus séduits. Mieux vaut tard que jamais avec une première série d’albums que je vous invite à écouter. Puissiez-vous les apprécier et leur réserver une place dans votre discothèque.

Autour de Joe Lovano (ténor et soprano), le Trio Tapestry réunit la pianiste Marilyn Crispell et le batteur Carmen Castaldi. Publié en 2019, leur envoûtant premier album invitait à méditer. Paru en début d’année, “Garden of Expression” (ECM) est aussi d’une grande portée spirituelle. Un flux sonore distendu de notes apaisées et mélancoliques que colore le batteur enveloppe l’auditeur. Celles raffinées du piano se mêlent au chant des saxophones. Composée par Lovano mais transcendée par le jeu interactif du trio, la musique étale ses couleurs, ses harmonies sereines, dessine des paysages oniriques qu’il fait bon écouter.

Enrico Pieranunzi enregistre beaucoup mais ne fait jamais de mauvais disque. Également sorti en début d'année, “Time’s Passage” (abeat) est même excellent. Une formation largement italienne joue ses compositions et quelques standards, deux versions de In the Wee Small Hours of the Morning nous étant proposées. Le batteur de cette séance, André Ceccarelli, retrouve ici la chanteuse Simona Severini qu’il accompagne dans “Monsieur Claude”, un autre disque du Maestro. Chanté en français et bénéficiant de sa voix troublante, Valse pour Apollinaire est l’un des grands moments d’un album au sein duquel le piano enchanteur d’Enrico dialogue avec bonheur avec le vibraphone d’Andrea Dulbecco, révélation d’un opus flamboyant.

Russ Lossing fait lui aussi beaucoup de disques. Mal distribués, la plupart d’entre eux passent hélas inaperçus. Dans “Metamorphism” édité en mars sur Sunnyside, le pianiste retrouve des musiciens avec lesquels il a souvent joué et enregistré. Quelque peu perdu de vue, l’excellent saxophoniste Loren Stillman se rappelle ici à notre souvenir. John Hébert, le bassiste de Fred Hersch, et le batteur Michael Sarin constituent une section rythmique élastique capable de se plier aux nombreuses variations que les solistes imposent à la musique, un jazz moderne d’une grande richesse mélodique ouvert aux dissonances et à tous les possibles.

C’est sur Inner Circle Music, label du saxophoniste Greg Osby, qu’un autre saxophoniste, Michel El Malem, fait son retour après un silence discographique de dix ans. Avec lui dans “Dedications”, Romain Pilon à la guitare, Stéphane Kerecki à la contrebasse et Luc Isenmann à la batterie, ce dernier déjà présent sur “Reflets”, le précédent disque de Michel. Le pianiste, une fois encore, en est Marc Copland et la subtilité harmonique de ses interventions apporte beaucoup à cette création collective au sein de laquelle s’implique la formation toute entière. Bien que toutes composées par le leader, les longues plages fluides de l’album semblent en effet avoir été improvisées, les musiciens les jouant comme si, au meilleur de leur forme, ils donnaient un concert.

Joachim Kühn enregistre désormais à domicile, à Ibiza, île dans laquelle il s’est installé en 1994, habitant sa partie la plus reculée. S’attaquer à un disque solo consacré à des ballades, une idée de Siggi Loch son producteur, ne le tentait guère. Se prenant au jeu, le  pianiste a finalement accepté, “Touch of Light” (ACT) comprenant aussi bien des morceaux de Bob Marley (Redemption Song), Prince (Purple Rain), Milton Nascimento (Ponta de Areia) que de Mal Waldron (Warm Canto), Bill Evans (Peace Piece) et Ludwig van Beethoven (l’Allegretto de la Septième Symphonie). S’il conserve son toucher ferme et précis, son attaque puissante de la note, Joachim Kühn dans cet album improvise peu. Il préfère mettre en valeur les mélodies qu’il reprend, tempère son ardeur, et avec lyrisme va à l’essentiel.

Les bonnes surprises existent et “Parabole” (Jazzdor), un enregistrement en solo de Grégory Ott, en est une. J’ignorais tout de ce pianiste strasbourgeois avant de recevoir son disque, une relecture aussi décalée qu’inventive de la bande-son du film de Wim Wenders “Les ailes du désir” (“Der Himmel über Berlin”). Ne cherchez pas à comparer sa musique avec celle de Jürgen Knieper que l’on entend dans un film que Wenders a largement improvisé, le tournant au jour le jour sans trop savoir comment le terminer. Partant des images, Grégory Ott pose sur elles ses propres mélodies, ses visions musicales s’intégrant parfaitement à la poésie du scénario de Peter Handke : un ange tombe amoureux d’une trapéziste et choisit de devenir mortel. Superbement enregistré par Philippe Gaillot, “Parabole” baigne dans le blues. Angel Eyes, la seule reprise de l’album, en est même imprégné. Bénéficiant d’harmonies délicates, de nombreuses plages nous invitent à rêver et sont inoubliables.

Un nouveau trio pour Vijay Iyer. Après une longue et fructueuse association avec Stephen Crump et Marcus Gilmore, le pianiste retrouve le batteur Tyshawn Sorey, un vieux complice, et complète sa formation avec Linda May Han Oh à la contrebasse. Ils jouent ensemble depuis 2019 et “Uneasy” leur premier disque pour ECM reflète bien l’interaction qui règne au sein du groupe. Drivé par la frappe puissante du batteur, contrebasse et piano y dialoguent avec bonheur, le jeu souvent mélodique de Linda enrichissant sensiblement la musique. L’album contient huit compositions originales d’Iyer écrites sur une période de vingt ans. S’y ajoutent une reprise très originale de Night and Day de Cole Porter et Drummer’s Song de la regrettée Geri Allen. Loin de jouer ici une musique aventureuse et abstraite, Vijay Iyer renoue avec un jazz mélodique accessible à tous. Touba est d’un grand lyrisme et Augury, une improvisation en solo, d’un exquis raffinement harmonique.

Le récital en solo que le pianiste Masabumi Kikuchi donna au Bunka Kaikan Recital Hall de Tokyo le 26 octobre 2012 et que le label ECM édita quatre ans plus tard sous le nom de “Black Orpheus” fut le dernier de sa carrière. Le pianiste disparaissait le 6 juillet 2015 à l’âge de 75 ans. On ignorait l’existence d’un enregistrement studio new-yorkais inédit de décembre 2013 qui sort aujourd’hui sur Red Hook Records, petite maison de disques installée en Irlande. Moins abstraite que les pièces improvisées de son ultime concert, la musique de “Hanamichi” n’en est pas moins majestueuse. Car c’est en jouant peu de notes et en adoptant des tempos très lents que Poo, comme le surnommaient affectueusement ses amis, donne à sa musique sa pleine dimension onirique. Improvisant en solo sur des standards et reprenant Little Abi son thème fétiche, il les colore d’harmonies brumeuses et élargit leur espace sonore en les conviant à s’ouvrir au silence. 

Malgré son âge – il est né en 1927 –, personne ne joue comme Martial Solal. Sa technique phénoménale, sa culture du jazz lui autorisent bien des digressions. Les morceaux qu’il interprète prennent ainsi des chemins de traverse, des sentiers qui bifurquent, sa mémoire vagabondant sans jamais se perdre. La Salle Gaveau est archi pleine, ce 23 janvier 2019. Pour rien au monde un amateur de piano n’aurait manqué ce concert, son dernier annonce Martial dans le livret. Enregistré par les micros de Radio France, “Coming Yesterday” (Challenge) fait entendre un piano espiègle mélangeant allègrement rythmes et tonalités sur des standards inusables bousculés avec humour. Martial joue beaucoup de notes et jongle constamment avec elles. Il reprend en début de concert I Can’t Get Started « pour s’en débarrasser », s’amuse avec Frère Jacques rebaptisé Sir Jack, nous offre un feu d’artifices de citations, mélodies qu’il transforme et harmonise au gré de son intarissable fantaisie.

-Trio TAPESTRY : “Garden of Expression” (ECM / Universal)

-Enrico PIERANUNZI Jazz Ensemble : “Time’s Passage” (abeat Records / UVM)

-Russ LOSSING : “Metamorphism” (Sunnyside / Socadisc)

-Michel EL MALEM : “Dedications” (Inner Circle Music / L’autre distribution)

-Joachim KÜHN : “Touch the Light” (ACT / Pias)

-Grégory OTT : “Parabole” (Jazzdor Series / L’autre distribution)

-Vijay IYER Trio : “Uneasy” (ECM / Universal)

-Masabumi KIKUCHI : “Hanamichi : The Final Session Recording” (Red Hook Records)

-Martial SOLAL : “Coming Yesterday” (Challenge / DistrArt Musique)

Crédits photos : Grégory Ott © HK Visuals - Tyshawn Sorey, Vijay Iyer, Linda May Han Oh © Craig Marsden / ECM.